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Papa Roach – The Connection

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“The Connection” es el séptimo álbum de estudio de los californianos de Papa Roach, sucesor del no tan exitoso “Metamorphosis” (2009) y de “Time For Annihilation” (2010), el primer trabajo que incorpora temas en vivo. Esta placa fue grabada en los estudios The Red House en Sacramento, California, y su producción estuvo a cargo de los experimentados John Feldmann (Panic At The Disco!, The Used y Escape The Fate) y James Michael (Sixx:A.M. y Halestorm), quien también fue responsable del trabajo de 2009.

El disco será editado bajo el alero de la casa discográfica “Eleven Seven Music” y estará compuesto por 13 canciones que, según declaraciones del propio Jacoby Shaddix, tienen el sello de los sonidos más primitivos de Papa Roach. También saldrá al mercado una edición de lujo que contendrá dos tracks adicionales: “What’s Left Of Me” y “9th Life”. La banda estará mostrando su nuevo material en la gira europea que realizarán durante noviembre y diciembre, y que marcará el regreso a los escenarios de Shaddix, quien tuvo que ser operado de urgencia el pasado mes de agosto, debido a un nódulo que se formó en una de sus cuerdas vocales.

“Engage” constituye la introducción del álbum, un breve corte que despliega algunos matices de sonido industrial. Llega el turno de toda la energía y potencia de “Still Swingin”, el primer sencillo que se desprende de la placa, una canción que de inmediato muestra sus credenciales de la mano de una atractiva melodía, un pegajoso estribillo y la intensidad de la batería que no para de golpear. Con “When Did The Angels Go” las revoluciones se mantienen en lo más alto, apareciendo los sonidos más comerciales y melódicos con la impronta de la guitarra de Jerry Horton. “Silences Is The Enemy” comienza con una delicada secuencia de teclado y sintetizador para explotar en una pieza dinámica y energética, que no escatima en derrochar fuerza, convirtiéndose en un excelente prospecto para single. Mucho más contenida que su predecesora, “Before I Die” privilegia un estilo mucho más suave, con interesantes incrementos esporádicos de intensidad, pero manteniendo siempre una línea conservadora. “Wish You Never Met Me” fundamenta su estructura en el sintetizador y en la base rítmica de la batería, una canción interesante, con un sonido 100% nu metal.  La primera mitad del disco la cierra “Give Me Back My Life”, un tema que muestra similitudes con Linkin Park y que destaca por su potencia y velocidad.

“Breathe You In” mantiene la tendencia a las melodías intensas, con mucha presencia de percusión, cuerdas y sonidos sintetizados. Es precisamente en este punto donde queda en evidencia la principal falencia de Papa Roach: la incapacidad de innovar en su propuesta, lo que se refleja en canciones demasiado monótonas y predecibles. “Leader Of The Broken Hearts” llama de inmediato la atención, ofreciendo una faceta mucho más cargada a la electrónica, tomándose un descanso de los sonidos intensos, casi coqueteando con la pista de baile. Todo vuelve a la normalidad con “Not That Beautiful”, que centra todos sus esfuerzos en una melodía plana, que termina por aburrir y que no aporta en demasía al desarrollo del álbum. Si existe algo a rescatar en “Walking Dead” son las enérgicas secuencias de batería de Tony Palermo, porque el resto de la canción vuelve a pecar en la falta de creatividad, no existiendo una búsqueda en la mixtura de los sonidos. “Won´t Let Up” tiene una propuesta más cercana al metal alternativo, pareciéndose mucho al estilo de P.O.D. El final del recorrido lo trae “As Far I Remember”, quizás el único corte que podría caer en la categoría de balada rock, mostrando algunos tintes melancólicos y delegando bastante del protagonismo en el uso del sintetizador.

En “The Connection” Papa Roach se mantiene fiel a su estilo, no asumiendo demasiados riesgos en lo que respecta a la experimentación con nuevos sonidos y habitando un terreno que, con casi dos décadas de trayectoria, les resulta más que cómodo. Si bien es cierto existen algunos cortes bastante interesantes, como “Still Swingin”, “Leader Of The Broken Hearts” y “Silences Is The Enemy”, el álbum como un todo termina por tornarse monótono, cayendo en un círculo vicioso de melodías recurrentes, en donde se echa de menos una propuesta más arriesgada. Es probable que este disco sea del gusto de los fanáticos más incondicionales de la banda, pero para el resto de los mortales pasará sin pena ni gloria.

https://play.spotify.com/album/1rHU2Tufch52Hn7R0TzVli

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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