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Opeth – Pale Communion

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Si nos remontamos unos 13 años atrás, específicamente a los días posteriores al lanzamiento de “Blackwater Park” (2001), considerado por varios como la obra cumbre de Opeth, sería poco probable que alguien anticipe el cambio de estilo o “evolución” que más tarde desarrollaría la banda. Lo cierto es que la versión 2014 del sonido de los suecos, es radicalmente distinta y lejana a  la mezcla de death y doom metal con rock progresivo que los hizo conocidos a nivel mundial. Desde la entrega previa (“Heritage”, 2011) que mantienen una propuesta que conserva casi en su totalidad la estructura y rasgos característicos de la música de bandas “setenteras” como Yes, dejando de lado los riffs más filosos y el uso de la voz gutural de Mikael Åkerfeldt.

OPETH 01Producido por el mismo líder, su último trabajo nombrado “Pale Communion” expone continuidad con esta nueva convicción musical, plasmada desde la primera figura de la canción que abre el disco, “Eternal Rains Will Come”, donde de inmediato podemos intuir cual será el rumbo que tomará este viaje. Es una pieza que evidencia una vez más la calidad técnica en la ejecución de los instrumentos (algo que nunca ha estado en discusión) y además muestra la presencia del clásico sonido “análogo” que predominará a medida que  avanza no sólo el tema, sino el disco en conjunto, elemento crucial a la hora de generar la atmósfera pretendida por la banda. El siguiente corte es “Cusp Of Eternity”, donde surge una vibra levemente más cercana al otrora “sonido Opeth”, mientras aparecen los primeros vestigios de la mano de Steven Wilson, en esta ocasión a cargo de mezclar el opus.

Luego, “Moon Above, Sun Below” se presenta como la composición más extensa, derrochando dinamismo y moviéndose por la versatilidad que ha alcanzado la banda. En este contexto aparece “Elysian Woes”, casi como un final adicional a lo escuchado antes, por su marchar tranquilo y conciliador. Así llega “Goblin”, una muestra instrumental que sirve de preludio para “River”, cuya aura se asemeja, sutil, al espectro sonoro de algunos pasajes en lo que Wilson hace con Porcupine Tree, sobre todo en su comienzo.

OPETH 02“Voice Of Treason” flirtea un poco más con el lado oscuro y clásico de Opeth, siempre dentro de la tendencia más progresiva de los dos últimos discos, para luego fusionarse con el tema final, una suave pero melancólica despedida denominada “Faith In Others” que, a diferencia del inicio del álbum donde irrumpen todos los músicos al unísono, forja su destino a paso lento, como enfrentando lo inminente: unas notas más y el ocaso.

Desde una perspectiva objetiva, resulta innegable que estamos ante un buen disco. ¿De qué estilo? Es tema de otro análisis. Para aquel que espera algo cercano a lo hecho en “Orchid” (1995) o algo del sonido más reciente como el de “Watershed” (2008), la verdad es que, sin subestimar la amplitud de gustos, no es lo que recibirá. Sabido es que una gran parte del público que los sigue, o siguió en su momento, no comparte este nuevo rumbo en el que Åkerfeldt y compañía han orientado a Opeth, sin embargo, hay quienes ven en ellos a un ente creativo libre. Ellos avanzan, junto con la banda, en una búsqueda constante de nuevos matices sónicos. Para ellos, los que gustan de desafíos así, similares a los que enfrentaron bandas criticadas por lo mismo como Anathema o Ulver, la experiencia de este disco resultará interesante, por decir lo menos.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. AISS

    30-Jul-2014 en 5:59 pm

    Muy buena nota estimado,pero me quedo con la mejor banda del mundo AISSTHESS
    eeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeAAAAH !!

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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