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Fever Dream Fever Dream

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Of Monsters And Men – “Fever Dream”

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Una de las historias de éxito más curiosa de la década es la de Of Monsters And Men. Si bien, no son la primera banda indie que logra colar sus canciones dentro de las listas musicales, pocas lo han hecho con el nivel de impacto que tuvo el grupo con su singular sencillo debut “Little Talks”, perteneciente a su primer álbum “My Head Is An Animal” (2011). El sencillo se convirtió en la canción más exitosa de un acto islandés en Estados Unidos, estableciendo a la agrupación liderada por Nanna Bryndís como una de las exportaciones musicales más importantes de Islandia. Pese al éxito de su primer material, se tomaron cuatro años para lanzar “Beneath The Skin” (2015), un segundo esfuerzo que no alcanzó el mismo éxito que su antecesor. Ahora, otros cuatro años después, la banda regresa con un tercer material que intenta probar que su éxito no fue sólo casualidad.

El estilo que Of Monsters And Men ha perfeccionado con los años, es palpable a través de sus primeros dos álbumes. Etéreos sonidos y atrapantes armonías a cargo de la química entre Nanna Bryndís y Ragnar Þórhallsson son algunos de los elementos que se destacan en las composiciones folk de la agrupación. Sin embargo, en su más reciente material, “Fever Dream”, la banda apuesta por sonidos que intentan elevar la gama de colores de su discografía, con resultados variados. “Alligator”, primer sencillo del disco, se acerca al rock electrónico, a la vez que mantiene las armonías folk que los caracteriza, sin dejar de lado las percusiones y con una guitarra eléctrica que por primera vez toma total protagonismo en su música. El sencillo no es un ejemplo fiel del sonido del resto del disco, pero sí adelanta la figura de Bryndís como la verdadera protagonista.

Los elementos de rock rápidamente toman un rol secundario; “Ahay” y “Róróró” son baladas synth pop que representan de manera más fiel el sonido del disco, presentando una energía más animada que en su debut y más liviana que la atmósfera que ofrecía “Beneath The Skin”. A diferencia de la canción que los trajo a la fama, los momentos en los que Bryndís y Þórhallsson armonizan y comparten son escasos: en “Fever Dream” brillan por sí solos.

Canciones como “Waiting For The Snow” recuerdan todo el potencial vocal y lírico de Bryndís, que la convierten en la pieza clave de la agrupación; una vulnerable balada que pareciera coquetear con los sonidos característicos, pero que rápidamente recurre a distorsiones en la producción, dejando en claro que son sonidos completamente nuevos para la agrupación, sin embargo, no lo son dentro de su escena. La producción folktrónica que ofrece Rich Costey no es una idea única, bandas como Mumford & Sons, Alt-J o Bon Iver ya han incorporado estos sonidos en sus producciones por años, pero Of Monsters And Men tiene elementos que, usados a su favor, los destaca sobre otros actos. El desempeño vocal de los líderes, sumado a sus composiciones líricas, demuestra el potencial que la banda posee.

Son las canciones dignas de festival, como “Vulture, Vulture”, las que muestran el lado más brillante del álbum, con un clímax en la instrumentalización y composición que la posiciona como una pieza clave del disco. Sin embargo, la producción nunca se aleja de los synth de los primeros tracks; de hecho, se hace más evidente en la segunda mitad del disco en cortes como “Sleepwalker” y “Wars”. La primera presenta los momentos más claros de armonización entre los vocalistas, pero es un salto tan distante de sus primeras composiciones, que es imposible equiparar la química. Los cortes finales, “Under A Dome” y “Soothsayer”, hacen un buen trabajo en cerrar circularmente los sonidos presentes, con nulos guiños a sus composiciones anteriores y dejando en claro que “Fever Dream” es un trabajo distintivo de su discografía.

Cada una de las canciones presentes en el disco hacen un gran trabajo en demostrar el amplio potencial que presentan los miembros de Of Monsters And Men, en especial Nanna Bryndís, que se vuelve a posicionar como la estrella de la agrupación. Las líricas rescatan la habilidad para relatar historias del grupo y sus armonías siguen siendo uno de los elementos más atrapantes de sus composiciones, sin embargo, la intimidad y cercanía que ofrecieron en sus primeros materiales está lejos de ser palpable en “Fever Dream”, así como también la singularidad que los convirtió en un éxito.


Artista: Of Monsters And MenFever Dream

Disco: Fever Dream

Duración: 40:30

Año: 2019

Sello: Republic


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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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