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Ghosts VI: Locusts Ghosts VI: Locusts

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Nine Inch Nails – “Ghosts VI: Locusts”

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Casi como la secuela de una película, Nine Inch Nails separa sus dos nuevos álbumes en obras con contexto diferente, pero que saben combinar ciertos elementos que se mantendrán presentes durante ambos LP. Principalmente, adoptar la idea del cliffhanger que deja “Ghosts V: Together” es lo que se desarrolla como premisa general en “Ghosts VI: Locusts”, obra mucho menos cálida y contrastada que el disco anterior, que se adentra en un sentido permanente de persecución, permitiendo que el relato cobre un papel muy importante al interpelar y desafiar al auditor a imaginarse su propia historia, ya que, tal como en un libro y sus palabras, la necesidad de imaginar y darle vida a las melodías que expresa NIN es un eje fundamental de la trascendencia que encuentra “Ghosts VI: Locusts”. Ya sea como segunda parte o continuación, esta obra es un cuerpo por sí solo, tal como dijo Trent Reznor al referirse a las canciones de los dos discos: “Algunas de ellas algo felices, otras no tanto”.

La sola idea de tomar una obra como esta y comprender cómo encaja dentro del viaje discográfico de la banda es un ejercicio arriesgado, pero con “Ghosts VI: Locusts” es muy importante diseccionar el disco en sus partes cruciales para comprender sus pilares fundamentales. Si esta pandemia tuviera que musicalizarse, no queda duda de que Trent Reznor y Atticus Ross son los agentes ideales para dicha tarea, y si en “Ghosts V: Together” pensamos que de una u otra forma todo podía estar bien, “Ghosts VI: Locusts” es esa parte en que se piensa no en lo contrario, sino que sólo en asumir que la realidad que afrontamos –y afrontaremos– nunca más será la misma. Casi como la comparativa entre las versiones de “Raining Blood” de Slayer y Tori Amos, si la primera representa la destrucción y masacre en un apocalipsis, la segunda viene cuando el humo se ha despejado y la calma después de la tormenta muestra el desolador y abatido panorama.

Esa idea de contrastes en un contexto de destrucción es lo que va narrando el disco desde su partida con “The Cursed Clock”, canción que se desarrolla con una inquietante y a ratos molesta melodía, la que marca el paso del tiempo de una manera extenuante y apresurada, algo así como esa escapatoria del escenario complicado que nos dejó el final del álbum anterior. En cambio, “The Worriment Waltz” asume una desolación propia de este contexto post traumático, donde la pérdida de esperanza es una realidad, la que se ve alterada por el distante sonido de unas trompetas que, entre un torrencial viento que marca la identidad de esta canción, da la posibilidad de que comiencen a despertar los primeros atisbos de participación en el auditor. Al llegar a “Run Like Hell”, lleva el escenario pandémico a otro nivel, incorporando las primeras baterías como tal y permitiendo que la canción posea una estructura más ligada al trabajo convencional de Nine Inch Nails, pero de una manera mucho más orgánica, no tan digital como se siente en los beats programados que acostumbran a aparecer en varios de sus álbumes.

El contexto se ve roto por “When It Happens (Don’t Mind Me)”, donde las campanas se toman una canción que termina por establecer esa idea de que el disco relata muy subliminalmente situaciones que podrían parecer ficticias, pero que mucho tienen de real en la actualidad. “Another Crashed Car” reafirma ese contexto apocalíptico que el auditor podría imaginar en la urgente y acelerada carrera por la que Reznor y Ross llevan el álbum. A pesar de su casi nula instrumentación, este track en particular permite tomar esa pausa que aclara la mente y hace unir los cabos sueltos, yendo por el camino correcto, que puede no ser el mismo para todos, pero que a final de cuentas será el que cada uno elija para su propia versión del disco. “Your New Normal”, en cambio, pareciera revertir ese escenario sólo para que todo vuelva al mismo punto en la parte final, donde, desde “Turn This Off Please” hasta “Almost Dawn” la suerte está echada y todas las cosas parecen llegar a su final, siempre y cuando quien escucha esto así lo quiera.

A medida que este disco se va revelando –lo que se logra con varias escuchas– va cobrando más sentido en la subjetividad un relato que podría significar escenarios completamente distintos para el receptor, pero siempre con un mensaje cuyo emisor envía en una dirección clara y concisa. Esta obra se hace entre todos, y esa necesidad de conexión que nace en estos tiempos de encierro adopta una importancia vital cuando el auditor no sólo es parte del disco como un consumidor, sino que también como compositor de su propia historia.

El arte es subjetivo, suelen decir mucho por ahí, pero lo que Trent Reznor y Atticus Ross pretenden con esta obra, sobre todo en un contexto como el que vivimos por estos días, hace que podamos sentir lo mismo que los autores cuando nos enfrentamos a ella, y esto no es únicamente desde la otra vereda, sino que también desde la forma en que nos afecta y nos hace comprenderla, generando todo un proceso de descubrimiento y análisis que compromete la mera experiencia de escuchar un álbum mucho más allá. Volviendo a citar a Reznor, “Ghosts V: Together” es para cuando parece que todo puede estar bien, y Ghosts: VI: Locusts… Bueno, lo descubrirás”. Ahora lo estamos descubriendo, ahora lo estamos entendiendo y, sobre todo, ahora lo estamos viviendo.


Artista: Nine Inch Nails

Disco: Ghosts VI: Locusts

Duración: 83:11

Año: 2020

Sello: The Null Corporation


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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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