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Ghosts V: Together Ghosts V: Together

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Nine Inch Nails – “Ghosts V: Together”

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En tiempos de distanciamiento social y cuarentena voluntaria u obligatoria, muchos artistas se han volcado a las plataformas digitales para ofrecer una pequeña canción o un improvisado concierto virtual, mientras que otros quisieron llevar las cosas un poco más allá. Aquel escenario se aplica para Nine Inch Nails y la sorprendente movida de estrenar un álbum doble de la serie “Ghosts”, publicada originalmente en 2008, con el lanzamiento de “Ghosts V-VI”, obras hermanas que se complementan mediante la existencia de dos capítulos separados: “Ghosts V: Together” y “Ghosts VI: Locusts”, entregando más de dos horas de música en un viaje que lleva a todos los estados de la mente.

Más allá de la discusión si es un disco doble o dos discos por separado, es importante reconocer la naturaleza de cada uno para comprender el mensaje que esconde el relato, uno que llega en el momento adecuado y en plena cuarentena para pintar un paisaje preciso del panorama actual del mundo, desnudando los miedos de la sociedad y revelando esos pequeños momentos de intimidad que se producen en el distanciamiento social. Nine Inch Nails y las pandemias van de la mano; se asegura al poner atención a las estructuras que componen “Ghost V: Together”, el que, en poco más de setenta minutos, muestra a Trent Reznor y Atticus Ross transmitirse una diversidad de ideas y pensamientos, los que regresan a su emisor original convertidos en una proyección perfecta de un motivo que se repite constantemente en la obra.

En parte ideas listas, y en otro resto completado en cuarentena, estamos frente a un disco que, a pesar de su naturaleza colaborativa, se transforma en una obra muy personal, donde se da una intimidad sólo alcanzable cuando se aplica el corazón y el alma en el proyecto y en su resultado final. Este LP tiene un proceso personal detrás y eso se nota, principalmente por la experiencia que las dos mentes a cargo de NIN en la actualidad han estado acarreando con el paso del tiempo. Ross, por su parte, hace gala de todas las credenciales como compositor de bandas sonoras, tanto colaborativas como por su cuenta, aplicándolo por completo en el contexto lúgubre por naturaleza que tiene la banda. Mientras tanto, en el caso de Reznor, este se muestra como un artista más maduro, encerrado en la calidez de la paternidad para entregar su arte mediante polos opuestos, pero nunca del todo diferentes.

Desde momentos de tensión hasta dulces melodías de calma, el insistente piano que acompaña al auditor durante todo el álbum genera un interesante contraste, casi en una tonalidad bipolar que refleja absolutamente los tiempos en que vivimos, donde el encierro nos hace pasar de la tranquilidad a la desesperación en sólo cuestión de minutos. Desde los más de diez minutos del track que da nombre al álbum hasta los también más de diez de la asfixiante “Still Right Here”, la dupla se encarga de aportar páginas con una identidad propia en un conjunto de ideas que se transforma en todo un relato, el que es capaz de mostrar momentos independientes de genialidad, pese a su naturaleza instrumental.

Esta es una obra que refleja mucho lo que es el mundo actual, sirviendo como la banda sonora de una ficción que día a día se vuelve más real. Muy similar al trabajo de bandas sonoras como “Mid90s”, “Bird Box” o la trilogía compuesta para la serie “Watchmen” de HBO, en “Ghosts V: Together” encontramos una capacidad de composición a otro nivel, donde estas dos mentes auto proclamadas como antisociales prefieren seguir enfocándose en sí mismos, en una situación que deja claro un punto muy importante: la necesidad de conectarse con otros. Ese detalle, levemente abordado en esta primera parte, adopta un plot twist fundamental en los últimos minutos del LP, casi como un cliffhanger a los conceptos que abordan en “Ghosts VI: Locusts”, entrega que, como secuela, adopta muchas de las ideas presentes en este disco.


Artista: Nine Inch Nails

Disco: Ghosts V: Together

Duración: 70:23

Año: 2020

Sello: The Null Corporation


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Florence + The Machine – “Dance Fever”

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Dance Fever

“Dance Fever”, el nuevo disco de Florence + The Machine, funciona al menos en dos niveles: por una parte, y como su nombre lo indica, es una declaración de amor al baile y a la música en general y, por otra, podemos considerarlo como una especie de diario o crónica de la pandemia, con el encierro como uno de sus motivos principales. Lo anterior lo vuelve en un disco intimista por momentos, mientras que en otros parece abrirse hacia el afuera, como si de un momento a otro la cuarentena hubiera acabado. Esto también genera varios contrastes entre las dos caras presentadas, condición dual que parece verse acrecentada por el hecho de que el disco cuente con dos productores, quienes se ven cada uno asociado a una de estas facetas del disco respectivamente.

En lo relacionado estrictamente al sonido, hay canciones donde las guitarras juegan un rol más protagónico que en sus discos anteriores, imponiéndose sobre los pianos que marcaban a sus predecesores. Hay momentos en los que la voz de Florence está apenas acompañada por instrumentación, como en algunos pasajes de “Free”, o más notablemente en “Back In Town”, donde de la voz adquiere un indisputado protagonismo, irguiéndose épica e íntima a la vez, casi como un discurso religioso o una confesión. Este dejo espiritual es algo que también atraviesa al álbum en su totalidad, como lo demuestran “Girls Against God”, “Dream Girl Evil” y “Prayer Factory”. La primera es una canción pandémica, donde, desde las cosas cotidianas, la voz se queja a Dios por la situación de encierro que la aleja de su vida creativa; “Dream Girl Evil”, por su parte,  se enlaza con “King” (que abre el disco) al tratar ambas de las ideas que la sociedad impone a las mujeres, “King” refiriéndose sobre todo a la maternidad versus la carrera artística (“No soy madre / No soy novia / Soy rey”), mientras la otra funciona irónicamente, y donde Florence asume las cargas negativas impuestas y las subvierte para hacerlas propias.

La que parece abrir una nueva sección del disco es “Cassandra”, con un acercamiento al mito griego relacionándolo con la pandemia del Covid-19. El track también recupera el tópico de la música como un espacio curador y necesario para la artista, motivo ya tratado en “King”, “Free” y “Choreomania”, aunque esta vez centrado específicamente en la conexión música-espectador. Si aquí vemos a una Florence alejada de su capacidad de relacionarse con el público por las condiciones del encierro, esto se profundiza en “Heaven Is Here”, una canción que no llega a los dos minutos de duración, pero que condensa buena parte de lo que “Dance Fever” tiene para ofrecer: preguntas sobre la espiritualidad y la religión, cuestionamiento de lo asociado a lo femenino y la relevación de la música como parte fundamental de la persona de Florence: “Y cada canción que escribí se convirtió en una cuerda de escape / Atada alrededor de mi cuello para llevarme al cielo”. “Daffodill” cierra esta tríada con una especie de renacimiento de la artista; también inspirada parcialmente en la mitología griega, esta parece ser el renacimiento de la compositora como una figura poderosa y sobrenatural, todo en relación con la música, haciéndose mítica a sí misma.

“My Love” es el corte más típicamente bailable, donde el sonido parece un poco fuera de lugar con el ánimo que venía arrastrando el disco, pero que, aun así, mantiene el tono en lo que a la letra respecta. De esta forma, la canción se levanta como el momento más cercano a un pop de radio y fiestas, pero con una Florence cantando acerca de la imposibilidad de encontrar un lugar donde depositar el amor que siente, asociado esto nuevamente a la condición del encierro obligatorio. “The Bomb” vuelve a la pausada intimidad de los primeros cortes para hablar de la incapacidad de encontrar lugares o personas adecuadas donde llevar estos sentimientos, en una confesión de los problemas de la artista para poder establecer relaciones reales y duraderas. En la misma tónica, llegamos al final del disco con “Morning Elvis”, que nos relata una pequeña anécdota de Florence no siendo capaz de ir a Graceland para ver la tumba de Elvis Presley debido a una terrible resaca. Aquí se hace un paralelismo entre la figura del “Rey del Rock” y la propia Florence, ambos retratados en su carácter de estrellas con problemas de adicción, una con mejor final que el otro, esto gracias a la relación con la música que una vez más se muestra como la salvadora a un nivel personal de la artista.

“Dance Fever” es un disco que funciona perfectamente en lo que se propone, en el que, sin embargo, hay un par de momentos que parecen no estar del todo bien incorporados a la totalidad del álbum. Más allá de esto, el quinto larga duración de Florence + The Machine es una gran demostración de su talento y versatilidad, lo que dejará contentos tanto a sus fans ya convencidos como a quiénes no estén tan familiarizados con la obra de la artista inglesa y sus músicos.


Dance FeverArtista: Florence + The Machine

Disco: Dance Fever

Duración: 47:12

Año: 2022

Sello: Polydor


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