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Italian Ice Italian Ice

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Nicole Atkins – “Italian Ice”

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Los efectos del Covid-19 en la industria musical se han presentado en múltiples formas: cancelaciones de festivales, conciertos o álbumes pospuestos. Nicole Atkins tuvo que aplazar el lanzamiento y promoción de su quinto disco, “Italian Ice”, el primero en tres años, así como también privar a la audiencia del goce de su magnética voz en los festivales que la acogerían. Pero la llegada de su nuevo material trae consigo una confortante atmósfera, resultado del arduo trabajo de comprometidos músicos. Tres años después del aclamado “Goodnight Rhonda Lee”, Atkins continua con su paleta retro, pero se abre a nuevas fronteras. Las primeras notas de, “AM Gold” rápidamente sitúan la ambientación vintage que guiará el disco, pero las guitarras y saxos amplifican sus sonidos, permitiendo a su voz brillar aún más. Como sacada de los años sesenta, el corte presenta múltiples demandas sociales, que son igual de apropiadas en el presente: “Quiero saber que no estoy sola / Estamos varados en la basura del Edén / Hambrientos de aquello que debimos estar alimentado”.

Existe un espíritu colaborativo que rodea al material. El sencillo “Captain”, una nostálgica y cinemática pieza, cuenta con la participación de Britt Daniel (Spoon) en vocales y cuerdas, siendo una dulce balada que brilla por la química vocal entre ambos. En “Never Going Home Again”, uno de los cortes country, la cantante recluta voces del folk contemporáneo, como John Paul White (The Civil Wars), Seth Avett (The Avett Brothers) y la cantante Erin Rae. El cuarteto trae el espíritu de la americana a relucir, con simpleza y honestidad propia del género. Además, cuenta con el trabajo de Ben Tanner (Alabama Shakes), quien coprodujo el álbum junto a Atkins. Este escuadrón es completado por Carl Broemel (My Morning Jacket) y Jim Sclavunos (Nick Cave And the Bad Seeds).

En esfuerzos anteriores, la voz de Atkins lograba relucir sobre relajadas melodías, pero aquí los momentos soul la amplifican y se potencian mutuamente. “St. Dymphna” invoca un espíritu sesentero, que presenta sus mejores vocales a través de un dramático instrumental. Es una oda a los dolientes y una súplica a la santa patrona de la salud mental: “Prefiero morir que volverme loca / Te dejé un mensaje, ¿cuándo me responderás?”. Esta potencia también se presenta en “A Road To Nowhere”, un cover del clásico de Carole King, donde Atkins elige apegarse al original y dejar brillar a su voz.

Sin embargo, crear un disco en torno a la nostalgia puede generar un efecto derivativo de la época que evoca, como en “These Old Roses”, una conmovedora pieza orquestal, pero con un coro que hace un claro guiño a “Where The Boys Are” de Connie Francis. El trabajo fue grabado en el icónico estudio Muscle Shoals Sound Studio, donde Atkins realizó lo que describe como un “viaje en acido a través de mi colección de discos”, buscando capturar la esencia del estudio sin perder su autenticidad. Esto se ve reflejado en momentos como “Mind Eraser” o “Domino”, cortes con guiños clásicos, pero que logran equilibrar su punto de vista. La primera presenta el instrumental más dramático de “Italian Ice”, con vocales como susurros a través de los versos, mientras que la segunda encapsula la inspiración psicodélica en un atrapante juego de instrumentos en, quizás, el único momento que se aleja de los sesenta.

A pesar de su espíritu rugiente, el álbum recuerda los momentos característicos de la cantante, como en la delicada “Forever”, una brillante oda a su esposo, donde la voz se desliza a través de las dulces melodías en una simple y efectiva composición, o en “Far From Home”, que evoca elementos dramáticos propios de un clásico de Broadway. El track final, “In The Splinter”, es un enorme cierre, donde la cantante no se guarda ninguna carta y lo deja salir todo, con un impresionante control vocal liderando toda la melodía.

Es curioso que un disco tan colaborativo haya visto la luz en un momento como el presente, donde sólo queda disfrutar de la compañía de Nicole Atkins entre cuatro paredes. Y es que cada canción fue compuesta para ser cantada con fuerza en compañía, celebrando la complicidad de las cuerdas, percusión y el piano que acompañan la potente voz de la compositora. Lejos de ser su material más íntimo, “Italian Ice” celebra la nostalgia y sus efectos en el presente, manteniendo el encanto y presencia que la caracterizan.


Artista: Nicole Atkins

Disco: Italian Ice

Duración: 41:24

Año: 2020

Sello: Single Lock Records


https://open.spotify.com/album/3Qc7NQzgwuIhQxsszCUHG2

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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