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Nick Cave & Warren Ellis – “CARNAGE”

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En un mundo sin pandemia, Nick Cave & The Bad Seeds estaría girando alrededor del globo para presentar el excelente “Ghosteen” (2019), pero como no estamos en esa realidad, todos los conciertos que la banda había programado debieron ser cancelados. Finalmente, este bache en el camino terminaría siendo un regalo en términos creativos para el frontman australiano, quien, ante la imposibilidad de presentarse en vivo, optó por encerrarse y darle vida a un álbum que, tal como él describe, prácticamente le cayó del cielo. Es que Nick Cave, en poco más de dos días, compuso junto a su mano derecha, Warren Ellis, un disco donde desnuda el oscuro panorama mundial en estos días de pandemia, exorcizando al mundo de todo mal con “CARNAGE”, una de las obras más dinámicas y complejas del artista en los últimos años.

Pese a que la línea de su anterior disco siga presente, para este trabajo firmado como dúo podemos contar con Cave y Ellis completamente en su zona de confort, demostrando desde el primer track, “Hand Of God”, que lo suyo puede llegar hasta distancias más allá de lo convencional. El quién y el por qué son preguntas que siempre giran en nuestras mentes, y mediante un inicio que, si bien va muy en la senda del artista, permite darle un poco más de entusiasmo catártico al sostenerse en una base semi electrónica gracias a los maravillosos trabajos en la instrumentación de Ellis. No hay duda de que el multinstrumentista aportó un carácter completamente diferente a las letras del artista australiano desde su arribo a los Bad Seeds, algo que impone su presencia en cada uno de los trabajos que llevan la firma de ambos, tal como han hecho en el terreno de las bandas sonoras, por ejemplo.

Como toda obra tras la reinvención de los Bad Seeds con “Push The Sky Away” (2013), este disco va creciendo en un transitar entre la luz y la oscuridad, dando fruto a una obra tan bella como desgarradora. “Old Time” muestra esa dualidad deslizándose entre capas cristalinas y un piso denso, que sostiene la composición como si se tratara de una amenazante procesión de almas, ejecutando una mezcla entre lo humano y lo divino solo como Nick Cave lo puede hacer. Esta idea de carnicería que reza el titulo del disco, es evidentemente reflejada en “Carnage”, track que, con una melancólica oscuridad, nos muestra al artista haciendo el ejercicio de encontrar la divinidad en una situación de duelo como la actual pandemia, referenciando de una manera muy poética el trabajo de Flannery O’Connor. Esta es una de las canciones que más recuerda al álbum “Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus” de 2004, un trabajo que, entre todo el catálogo del artista, es sin duda el referente principal en este disco.

Así es como también encontramos canciones de la talla de “White Elephant”, el punto más alto del disco, no sólo por la intensa línea de bajo que acecha sigilosamente a la narrativa, sino que por contener algunas de las metáforas más consistentes en cuanto a la política. Nick Cave no es precisamente un artista que acostumbre a escribir en aquella vereda, pero sus sutiles palabras dedicadas a la inquietante plaga social del supremacismo blanco calan hondo, permitiendo que referencias a hechos recientes, como las protestas del Black Lives Matter y el agitado clima político del mundo, suenen de una manera elegante y con mucho sentido. “Un manifestante se arrodilla sobre el cuello de una estatua / La estatua dice ‘No puedo respirar’ / El manifestante dice ‘Ahora ya sabes cómo se siente’ / Y la patea hacia el mar”. La segunda parte de la canción, en cambio, refleja un panorama mucho más esperanzador, con ese tinte religioso ambiguo, muy presente en el estilo del artista.

Es así como los momentos de más humanidad llegan en tracks como “Albuquerque”, donde mediante la idea de “No iremos a ningún lado este año” –una frase que, por muy sencilla que parezca, resuena intensamente– entrega una composición con Cave inspirado por la cotidianeidad de la cuarentena durante esta pandemia, la que ha sido uno de los puntos más oscuros y complejos de la historia mundial. “Lavender Fields”, en tanto, lidia con una de las ideas que más se repite en la obra del artista: la de buscar una respuesta de dónde iremos una vez que nuestro tiempo en lo terrenal haya terminado. Sin duda, este concepto se ha acrecentado más tras la muerte de su hijo y el posterior arribo de “Ghosteen”, pero acá es donde vemos un Nick Cave un poco más cuestionador y, a la vez, esperanzado en las bondades de la vida después de la vida. El cierre con “Shattered Ground” y “Balcony Man” sigue desarrollando esa introspección tan humana y profunda, pero con un halo de incertidumbre que no sólo aterra, sino que también entrega fuerzas para poder cuestionarse uno mismo todas esas interrogantes.

Líricamente hablando, hay muy pocos artistas que puedan compararse a la sutileza y elegancia de Nick Cave, quien nuevamente entrega un trabajo donde las palabras cobran un protagonismo esencial, apoyadas por bellas y desgarradoras melodías. No queda duda de que la complicidad del artista con Warren Ellis transforma a este último en su mano derecha, esa que ejecuta cada idea que se manifiesta ante él con una precisión quirúrgica. Las ocho canciones presentes en “CARNAGE” muestran a ambos en el peak creativo de sus carreras, entregando otra obra que desafía al oyente a analizar cada pista y cada frase con un concepto que se repite en todo su desarrollo, pero que no cae en la auto referencia para encontrar su consistencia. Pareciera difícil que cada disco de Nick Cave pueda ser mejor que el anterior, sobre todo tras la absoluta obra maestra que significó su más reciente trabajo, pero lo cierto es que el australiano logró nuevamente replantear los conceptos de lo espiritual y lo material mediante la música, una capacidad que, hoy por hoy, nadie más es capaz de ejecutar con una maestría tan excepcional.


Artista: Nick Cave & Warren Ellis

Disco: CARNAGE

Duración: 40:04

Año: 2021

Sello: Goliath


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The Mars Volta – “The Mars Volta”

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The Mars Volta

Difícilmente exista banda que lo haya inventado o interpretado todo, pero es complejo poder renovarse cuando prácticamente se ha abarcado todo lo permitido dentro de las posibilidades. Ese dilema es algo que, tarde o temprano, termina aquejando a las mentes maestras del progresivo, y si Steven Wilson ha sido capaz de cambiar su orientación sonora en su material solista al diferenciarse de Porcupine Tree, Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala han hecho lo mismo para no mancillar la etiqueta de rock progresivo de The Mars Volta al adentrarse en otros sonidos con proyectos como At The Dive-In, De Facto, Antemasque, Kimono Kult, Bosnian Rainbows y un sinfín de agrupaciones. Ahora, ambos músicos deciden renovar el sonido de un nombre tan querido como este, al romper cualquier parámetro preestablecido de su fórmula y hacer algo que se diferencie considerablemente de lo ofrecido hasta ahora.

Unos cuantos adelantos bastaron para alegrar a los fans respecto al regreso de The Mars Volta, pero no así para generar muchas expectativas ante su eventual nuevo disco de estudio. La última placa del conjunto hace ya una década, “Noctourniquet”, cumplió correctamente con los estándares esperables para un disco de la dupla Rodríguez-López y Bixler-Zavala, pero se alejó de ser una de las obras más recordadas de un proyecto cuyo catálogo ha entregado joyas sonoras y creativas. Incluso en un terreno tan extenso como el progresivo, la banda ya había abarcado bastante entre las múltiples opciones posibles, por lo que este regreso discográfico da en el clavo al adentrarse en algo que, hasta ahora, no habían explorado del todo: su propia versión del pop, como asegura la banda a la hora de etiquetar las radiales y estructuralmente accesibles melodías que ofrece este trabajo homónimo.

Es curioso que, siendo su séptimo álbum, recién sea el primero titulado sencillamente con el nombre de la agrupación, pero esa decisión se justifica al desentramar lo que refleja el disco, exponiendo un ejercicio de cómo The Mars Volta es una entidad que deconstruye, analiza y reestructura los cánones de diferentes géneros para ofrecer una versión de ellos con un giro de tuerca propio, ya sea en la intensa “Graveyard Love” o las reminiscencias latinas que ofrecen tracks como “Blacklight Shine” o “Que Dios Te Maldiga Mi Corazón”, cantada en español e inglés con una sutileza propia de la voz de Cedric, capaz de invocar una fuerza interpretativa que deambula entre distintos conceptos y metáforas, muchas veces de una explicación más compleja que la necesaria, como todo brillante trabajo abstracto. Aunque las letras sean mucho menos crípticas que de costumbre, el misterio de las oraciones recitadas casi como mantras repercute perfectamente en la impecable sección instrumental del disco.

De igual forma, esa propia versión del pop que menciona el dúo es algo que no termina de cuajar en algo derechamente mainstream, y esto se debe principalmente a la influencia de artistas como David Bowie o Peter Gabriel que han citado para este trabajo, centrándose en la capacidad que ambos tienen de crear un área gris en donde se mantengan en una posición al filo de la orientación más popular, pero con los elementos viejos de su etapa progresiva siempre ahí. “Shore Story” es, por ejemplo, una composición que perfectamente puede sonar en una radioemisora junto a artistas de música más alternativa, como Beach House, The xx o el icónico proyecto Bosnian Rainbows del propio Omar, mientras que “Cerulea” podría ser el track de descanso dentro de toda la intensidad contenida en un álbum de At The Drive-In. Y si bien no es una inspiración directa, el rock alternativo moderno se puede escuchar en canciones como “Flash Burns From Flashbacks” o “No Case Gain”, donde la elegancia de The Mars Volta evita que caigan en cualquier tipo de cliché o parodia. Finalmente, ejemplos como “Palm Full Of Crux”, “Equus 3” o el cierre con “Collapsible Shoulders” y “The Requisition”, evidencian algo concreto: la banda es capaz de refrescarse sin tomar prestado de manera excesiva.

Como todo buen disco de progresivo, la séptima placa de The Mars Volta es un trabajo de cocción lenta y una digestión incluso más pausada, debido a que los más reacios a salirse de la fórmula de guitarras, batería y cambios de ritmo a toda velocidad les costará enganchar con un trabajo que no transita entre la calma y la tempestad, sino que entre la intensidad y la elegancia de la interpretación, dando como resultado un sonido más aterrizado y robusto, sin exponer muchas fracturas en el camino. La fuerza creativa del dúo está más desatada que nunca y, aunque esos elementos comunes que se encuentran en todos sus proyectos siguen inevitablemente ahí, sí se desmarca por una serie de factores como un disco de The Mars Volta, donde la mejor forma en que la banda comprueba su identidad es en demostrar su inigualable manera de interpretar.


The Mars VoltaArtista: The Mars Volta

Disco: The Mars Volta

Duración: 44:45

Año: 2022

Sello: Clouds Hill


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