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Nick Cave & The Bad Seeds – “Ghosteen”

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Las composiciones de Nick Cave & The Bad Seeds han visto un cambio en la década presente. Dejando descansar a las guitarras, la banda ha tenido un acercamiento minimalista a sus composiciones, con una simplicidad en su instrumentación que ha dejado brillar la desnudez de su lírica. Al referirse a “Push The Sky Away” (2013), Nick Cave lo describió como “un niño en una incubadora”, donde los loops representaban los frágiles latidos. Esta metáfora puede verse plasmada en la trilogía de álbumes que ha ofrecido el grupo en estos años, con “Skeleton Tree” (2016) llevándose los aplausos por la crudeza y honestidad de su composición. El álbum se estrenó poco después de la muerte de Arthur, hijo de Cave, quien falleció trágicamente durante la realización del disco, sin embargo, “Ghosteen” es el primero en componerse después de la tragedia, reflejando en sus letras, voz y musicalización el dolor de la muerte y aquello por lo que seguir viviendo.

“Ghosteen” es el primer álbum doble de la banda en 15 años, con una primera parte –compuesta de 8 tracks– descrita como los “hijos” y una segunda parte –de tres tracks– que componen a sus “padres”. El primer tema, “Spinning Song”, presenta la musicalización que caracterizará al resto del trabajo: un acercamiento al ambient, con sintetizadores y un minimalista piano que acompañará la crudeza de la voz de Cave. El tema aborda el legado de la música más allá de la vida del artista, usando la figura de Elvis para ilustrar su propia mortalidad y el legado de su trabajo, representando la angustia que significa reconocerse mortal, pero acompañado de un final reconfortante para él y aquellos que comparten su pesar: “La paz vendrá, una paz vendrá, una paz vendrá con el tiempo”.

Tal como su antecesor, “Ghosteen” trata temas como la muerte, la pérdida, la angustia y el dolor, pero este no se manifiesta de manera individual: a través de las once canciones, Cave se pone en los zapatos de todos aquellos que han perdido a alguien importante y buscan sanar. “Bright Horses” es un fuerte golpe emocional que se presenta como himno de los dolientes, con un delicado y melancólico piano que ilustra una otoñal composición. Como en el resto de las canciones, el minimalismo de la instrumentación es intencional, dejando el protagonismo a las historias del narrador y darle espacio para brillar a la vulnerable voz que las relata. Temáticamente, el track presenta las contradicciones y choques entre la esperanza y la angustia con momentos brillantes, donde cada acto parece una señal mágica del universo que lo conforta, y otros donde toda su fe es corrompida y sólo puede observar el mundo a través del dolor.

La primera parte de este álbum doble presenta la increíble habilidad de la banda de ilustrar las delicadas emociones humanas con la grandiosidad de sus imágenes y poesía, encontrando belleza y esperanza en el dolor y un compañerismo con sus cercanos dentro de la angustia. Canciones como “Waiting For You” expresan la empatía hacia su amada, entregándole espacio para sanarse, con una de las interpretaciones vocales más desgarradoras del disco. “Sun Forest” comienza como un track ambiental y desemboca en una reconfortante pieza que busca reconciliar la negación y la fe. Un edificante coro eleva la oscuridad de los versos en uno de los temas más esperanzadores del disco. “Ghosteen Speaks” voltea la narración, poniéndose en el lugar de aquel que se ha ido, abrazando las memorias y las experiencias para asegurarse de no caer en el olvido. Una canción que utiliza los elementos del ambient para que el oyente pueda imaginarse los espacios que relata.

Es en la segunda parte donde todos los sentimientos y las composiciones se radicalizan, llevando la vulnerabilidad del álbum a otro nivel. El tema titular comienza con una inusual positividad, recordando lo hermoso del mundo; una brillante pieza acompañada de cuerdas que aumentan la grandiosidad de la composición, con una voz en el coro que por primera vez pareciera positiva. Sin embargo, “Hollywood” vuelve a la oscuridad, no para sumergirse en ella, sino que para brotar a pesar de esta, narrando la desgarradora historia budista de una madre que pierde a su hijo y los sacrificios para seguir con su vida. La canción reconoce el dolor y lo positivo de volver a enfrentarlo, cerrando como empezó, esperando por la paz.

Nick Cave siempre se ha destacado como un letrista, con un trabajo que lo avala como uno de los más importantes compositores contemporáneos, con un material que en esta década lo ha visto usar el dolor para crear poderosas poesías que representan la ferocidad de sus sentimientos. Pero es en “Ghosteen” donde su prosa cobra más protagonismo que nunca, convirtiendo a la música en el acompañamiento de sus relatos y su voz como mensajera de dolores colectivos. Con una minimalista producción, melancólicos sonidos ambientales y una desnuda voz, Nick Cave & The Bad Seeds ofrece en este disco el legado de sus composiciones.


Artista: Nick Cave & The Bad Seeds

Disco: Ghosteen

Duración: 68:10

Año: 2019

Sello: Ghosteen / Bad Seed


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Wavves – “Hideaway”

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Hideaway

Wavves, el desordenado proyecto de Nathan Williams, ha pasado por un montón de sobresaltos, donde a veces la dosis de irrelevancia y polémica en partes iguales ha eclipsado la existencia y vigencia de la banda. Luego de su interesante debut con “Wavves” (2008) y “King Of The Beach” (2010), la banda siguió por una senda donde no cosechó suficientes loas para mantenerse, al menos, en el mainstream, por eso –y tras romper el acuerdo que mantenían con Warner– los de San Diego regresan con un nuevo y honesto álbum junto al sello que los lanzó a la fama.

“Hideaway” es el breve y nuevo disco de Wavves tras cuatro años de ausencia, tiempo que significó una recomposición personal y un rediseño sonoro dentro de sus ya agotados márgenes musicales. Y es que la banda había estrujado la fórmula de pop-surf y lo-fi en sus primeros trabajos para avanzar hacia lo más sólido de su carrera hasta ahora: el excelente y maduro “Afraid Of Heights” (2013). De ahí en más la búsqueda se planteó en esa línea, pero sin abandonar las temáticas adolescentes o el desorden y caos de una banda de fin de semana. Pareciera ser que, tras intentarlo con chispazos de lucidez en “V” (2015) y “You’re Welcome” (2017), Williams se pudo dar el tiempo suficiente para redefinir su proyecto y hacer una pausa.

En “Hideaway” las letras ya no son sobre quedarse en casa fumando marihuana o carretear, sin embargo –y sin ser aún tan profundas–, la construcción lírica del álbum da un paso de madurez y también sitúan a Williams en su contexto actual: de vuelta en la casa de sus padres para componer y trabajar este disco, lejos de cualquier otra distracción. Así avanza un álbum que no se queda atrás en ímpetu o rapidez en canciones como “Thru Hell”, evocando lo mejor de su primera etapa, “Marine Life” o “Sinking Feeling”, de interesantes, atrevidas y coloridas melodías.

El resto se toma su tiempo y es posible encontrar más baladas que estridencia pop-punk o algo que reviente. La virtud es que son buenas baladas, como la sensible “Honeycomb” o “Caviar” al cierre, que cambia las guitarras por un sintetizador con guiños de lo-fi. Probablemente el punto más bajo es “The Blame”, un intento country que, con un cambio menos, podría haber sido mucho mejor.

Pese a ser un disco que no alcanza la media hora, y principalmente olvidable, “Hideaway” igual resuena gracias a esos puntos altos y más de una melodía pegajosa. A fin de cuentas, Wavves sabe cómo cautivar cuando de pasarla bien un rato se trata. En este trabajo suenan más frescos, retoman sus inicios y le dan un giro maduro y reposado a su sonido. Wavves logró salir de su acotado nicho a punta de polémicas o de meter un éxito en la banda sonora de “GTA V”, y por primera vez refinan su propuesta con una buena producción, en lo que pareciera ser un prometedor renacer.


HideawayArtista: Wavves

Disco: Hideaway

Duración: 29:15

Año: 2021

Sello: Fat Possum


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