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My Bloody Valentine – “m b v”

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22 años es toda una vida. Hace 22 años, Nirvana estaba con “Nevermind”. Hace 22 años Michael Jackson estaba en el apogeo de su carrera. Hace 22 años muchos ni existían y, en ese 1991, salía la última novedad de My Bloody Valentine, el inolvidable “Loveless”.

Mucho se ha escrito, planteado y elucubrado acerca de esta, la piedra angular del shoegaze, y mucho más sobre el destino incierto que siempre tuvo MBV con una separación nunca oficializada y un regreso hace algunos años que parecía ser más un llamado a la nostalgia que otra cosa. Nadie se esperanzaba, pero Kevin Shields iluminó el camino con cándidos dichos de que habría nuevo álbum. Meses después, esto se concretó. “m b v” (en minúsculas deliberadamente) se lanzó de improviso, y la sorpresa se empapó de ansiedad con el colapso de la web de MBV. Así, la mayoría se lanzó ávida de ese sonido tan propio de una banda a estas alturas legendaria.

MY BLOODY VALENTINE 01Lo más destacable de “m b v” es que pareciera estar dividido en tercios. El primero de ellos mucho más acorde al sonido lleno de capas que se podría esperar del sucesor de “Loveless”, con poco riesgo pero mucha identidad propia. El segundo tercio es el más experimental, con sonidos limpios, órganos y pocas percusiones, o con una vibra un poco más pop. Mientras, la tercera parte de “m b v” es la más brutal y desconcertante, pero también la que denota que la actitud del cuarteto, lejos de apagarse, está muy viva.

“she found now” es una oda a “Loveless”, en la que sus aparentemente relajantes y oníricas voces no dejan de hacer que se sienta esa incomodidad de lo desconocido, inexplicable o sobrecogedor que resulta el aura de las guitarras que suenan como sólo MBV lo puede hacer. Es que este disco logra tener composiciones aún más complejas que “Loveless”, sin perder de vista la necesidad de que las canciones y sus melodías deben ser memorables, más allá de que el estilo y el “ruido” logren dominar la escena muchas veces.

Por eso no es extraña la presencia de “new you”, una canción que suena nueva, limpia, con la voz de Bilinda Butcher como ente claro y dominante, y no una capa más en el entramado inescrutable de MBV. “is this and yes” tiene sólo órganos que suenan, empujando a los oyentes a descubrir los detalles, esas capas que se esconden pero que están ahí, casi como un desafío de Shields a la gente. “in another way” con su frenesí recuerda a los parajes más desquiciantes de “Soon”, con unas armonías muy bien llevadas, mientras que el dúo de “nothing is” y “wonder 2” traen la locura con ritmos más al límite y con un final lleno de drum ‘n bass, mezclado con rock de una forma que nadie había logrado con tal nivel de armonía.

MY BLOODY VALENTINE 02De todas formas, cabe destacar que hemos escuchado este disco en mp3, lo que, a la luz de la calidad de sonido, debe ser un sacrilegio. El álbum debe ser una tromba en CD o en vinilo. Porque “m b v” es más que una continuación de “Loveless”. Es una declaración de principios, una declaración que indica el compromiso por la propia obra y el respeto a la propia creación. En vez de hacer un pastiche de sí mismos, que habría redituado mucho y con pocos riesgos, con su tercer disco lograron llevar sus ideas varios pasos más allá, haciendo propios sonidos ajenos como el DNB o el pop sin perder el halo de misterio o inexplicabilidad de su obra.

Sí, pasaron 22 años, o un poco menos que eso, y es toda una vida, pero un regreso de esta forma mereció la espera. Pese a la teleserie en la que se convirtió todo el anuncio y a la furia que a muchos les produjo que el tiempo corriera sin nada a cambio, “m b v” es mejor de lo que se podría haber esperado. No es “Loveless”, es algo más, y ya por eso hay que celebrar. La calidad de este disco es un regalo extra, y merece la atención que le quitamos a MBV por más de dos décadas.


m b vArtista: My Bloody Valentine

Disco: m b v

Duración: 46:37

Año: 2013

Sello: m b v


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3 Comentarios

3 Comments

  1. Javier Carrizo

    05-Feb-2013 en 3:22 pm

    disco del año

  2. Claudio

    07-Feb-2013 en 2:54 pm

    Como seguidor de la banda (eso no me da autoridad, ni nada), no puedo estar más de acuerdo con la revisión del disco. Buena.

  3. Javier Æøå

    20-Feb-2013 en 12:28 am

    22 es años es toda una vida. Yo tengo 21. Y valió la pena esperar :3 Por muy románticamente posero que pueda llegar a sonar. Bloody se volvió a coronar como una de las bandas más trascendentales del shoegaze.

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El Álbum Esencial: “Gentlemen” de The Afghan Whigs

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Gentlemen

R&B metido en el rock con aspiraciones mainstream, hombres reconociendo errores, creatividad mezclada con generosidad, una vocación digna del salmón para nadar contra la corriente, y una conciencia adulta y comprometida. Todos estos factores se conjugaron para convertir a “Gentlemen” en uno de los discos más relevantes de una época que no le reconoció ese estatus en su momento, pero que, con la perspectiva que entrega la distancia temporal, va quedando poco a poco como uno de los bastiones escondidos de una época que fácilmente fue minimizada y estigmatizada, y que tuvo mucho más que grunge y britpop.

Hoy, es natural encontrar en la música negra a un componente esencial de los quiebres rítmicos y sonoros que hacen más rico el panorama de las canciones, pero esto tiene directa relación con la preponderancia alcanzada por el hip hop, y también por el surgimiento de intérpretes que revalorizaron el R&B para el pop. A finales de los 80 esa mezcla no era algo que impactara en el rock, pero Greg Dulli fue formado con esa impronta, viendo en figuras como Al Green, Stevie Wonder o Prince a verdaderos ídolos y, pese a vivir en un lugar conservador, sabía que en el movimiento de las caderas y el groove de un bajo bien instalado había una energía que superaba las diferencias.

Incluso al propio Dulli le costó instalar esta mezcla en su sonido característico. Le tomó un par de discos, muchos conciertos y algunas peleas notar cómo el rock de The Afghan Whigs necesitaba esa cadencia para expresar lo que se hacía urgente. En medio de franela y pelo largo, Dulli y los suyos se ponían trajes, se peinaban y combinaban. Nada de eso les quitaba potencia y se ganaron una reputación tal con ello, que saltaron desde la en ese momento quebrada, pero emblemática etiqueta Sub Pop, hacia el sello Elektra. En medio de un crecimiento basado en la diferencia, esos desencuentros hicieron que Dulli quebrara una relación y esas serían las vísceras desde las cuales “Gentlemen” se haría carne.

Aunque el disco tiene una mirada prominentemente masculina, Dulli escribe y piensa en el álbum como una forma de examinar de forma brutal las relaciones humanas, alejándose de los eufemismos y de la mentira del amor romántico. Aunque ahora existe un conocimiento de cómo la dinámica hollywoodense de pareja es algo construido, pocas veces se había puesto bajo la lupa, en especial desde una visión que ve en el hombre a un ente multidimensional que no sólo sufre, sino que hace sufrir, y que no busca una retribución o un regreso al pasado, sino que sencillamente acepta que se equivoca. Aunque no es explícito en ello, Dulli en “Gentlemen” aborda las aristas de la naturaleza de lo masculino, lo que culturalmente se le asocia, los roles que debe tomar, y mucho más. Más aún: en el disco la voz de un hombre dominante es la que poco a poco se va apagando para dar paso al acto de escuchar. No sólo existe una alquimia que transforma el vital rock de The Afghan Whigs en algo sabroso, sino que la mezcla involucra las voces y los hablantes que se disponen. En vez de dejarse llevar por el ego, está el mérito amplio de entender lo que el disco y las canciones requieren.

Desde el rol que se debe jugar (“Gentlemen”) se pasa al contraste entre lo que se espera románticamente y lo que el sentido más bruto quiere (“Be Sweet”). Las fachadas se caen en “Debonair” justo antes de la separación (“When We Two Parted”), el intento de recaída (“Fountain And Fairfax”) y el bloqueo interior inaguantable (“What Jail Is Like”). Una acrobacia de sentimientos que quiebran al hablante, que queda a merced de, por fin, escuchar. Y eso ocurre cuando Dulli le deja el micrófono a Marcy Mays, quien canta en “My Curse”, y lo hace dejando en claro que, aunque el hombre tenga un dominio dado por múltiples instancias, siguen existiendo posibilidades de igualar el campo y que el opresor sea oprimido –donde más le duele–. Con esa revelación viene “Now You Know”, acusando recibo y quitando del camino el pasado.

Este es un arco casi conceptual, pero se da con fluidez y sin elementos forzados. Quizás tiene que ver que en una sola noche Dulli hizo las voces de seis canciones, pero es más que eso. Hay un entendimiento de cómo las relaciones decaen y de la estética que la banda necesitaba disponer en un disco. “Gentlemen” enfrentó las tendencias de géneros más estáticos y dispuso el soul al servicio de la rabia de una guitarra distorsionada, o al R&B como pauta para la sección rítmica.

Viendo cómo el disco se desenvuelve, no es extraño que se rinda un homenaje a los sonidos que lo sostienen con un cover de “I Keep Coming Back”, popularizada por Tyrone Davis. En vez de usar sus palabras, Dulli entiende que existe alguien que expresa mejor eso, y a él le queda interpretar para dejar casi como si fueran los créditos el final con “Brother Woodrow”, un instrumental que parece soundtrack de película, abriendo el abanico de sensaciones.

En un álbum que busca representar prácticas masculinas, es el hombre el que queda poco a poco sin voz para dar paso a otras, otros, y al acto de oír al resto. Despojado de la carga omnipresente del ego, existe un crecimiento palpable, y donde otros hurgaban en sensaciones adolescentes de rabia y angustia, The Afghan Whigs se hace de un disco que tuvo mucho más en juego y que recién en este presente de perspectivas más conscientes se puede ver cómo intentó cambiar reglas y, más importante, mostrar el camino que se podía seguir. Lástima que no se enteraran por allá en 1993.


Artista: The Afghan Whigs

Disco: Gentlemen

Duración: 48:56

Año: 1993

Sello: Elektra Records


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