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Muse – Drones

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Buscamos fuerza y ayuda, con la confianza de que, con su ayuda, el hombre sea aquello que está destinado a ser: libre e independiente”, parece ser la línea más elocuente de la maraña de discursos, muchos de ellos absurdos, fútiles, pero cantados con envidiable certeza por Matthew Bellamy en “Drones”, el séptimo álbum de estudio de Muse, una de las bandas de rock más grandes del mundo en la actualidad. Sintomático es que esta línea sea un extracto de un discurso de John F. Kennedy puesto en el disco, y no una letra creada por Bellamy. Sintomático es que el discurso elegido haya sido uno hacia la prensa, y no para el público general. Sintomático también es la manipulación de este discurso, editándolo para darle tintes épicos que en la realidad no tuvo.

MUSE 01“Drones” es un disco musicalmente vivo y lleno de espíritu, que carece de consistencia y credibilidad por el lado de su concepto, tan difuso como, en ocasiones, ridículo (en el mejor de los sentidos). El séptimo capítulo de la historia de Muse se mueve entre un sonido demoledor y lleno de potencia, muy bien logrado y que refleja más que ningún otro álbum su expresión en vivo, y sus letras superficiales que no se mueven más allá de la paranoia y la conspiración más leve, sin argumentos mayores. Esto genera una dicotomía al enfrentar el álbum. Felizmente para la gente de habla hispana, el inglés es un idioma anexo y, por lo tanto, se puede escuchar el disco desde una lectura netamente musical, fijándonos en los riffs, las melodías y los timbres de los instrumentos. Pero al revisar el disco como un todo, las letras claramente echan abajo cualquier entusiasmo, lo cual termina siendo una gran pena al considerar que en materia compositiva este álbum posee una fortaleza como hace mucho no se encontraba en Muse, y que permite tener expectativas altas de su futuro.

Se es majadero en este aspecto porque, en materia musical, este es el disco más sólido de Muse desde “Absolution” (2003), y tiene potencia directa en muchos pasajes, mientras que en otros se logra de buena forma esa épica de estadios muy Queen que Bellamy ha buscado desde hace varios álbumes, bajando un poco las revoluciones, dejando los yerros principalmente en la segunda mitad del disco, en un par de tracks de bajo nivel de sorpresa y alto nivel de tedio. Se es majadero con las críticas a las letras porque, al final, a muchos fans les dará vergüenza corear una línea como “tu trasero me pertenece ahora”, tal como se canta en “Psycho”, o “fui el más grande, pero ahora estoy muerto por dentro” en “Dead Inside”, ambos sencillos que abren el disco en forma ágil y potente en lo musical, directa y lista para aplastar orejas, pero cuyas letras suenan a veces mediocres.

MUSE 02“Dead Inside” se mueve en terrenos similares a los de “Madness” o “Undisclosed Desires”, con un pop potente, pero esta vez la apuesta resulta, con una canción que toma vuelo tras un par de minutos, cuando aparecen las guitarras y un bajo mucho más dominante. Luego viene esa especie de homenaje a “Full Metal Jacket” de Stanley Kubrick, esa película donde se explora la formación de los soldados que luego van a la guerra de Vietnam. Se intenta recoger la crudeza de la deshumanización del soldado, pero luego en “Psycho” viene la banalización ya mencionada en la letra, escondida en medio de una de las canciones más vitales que ha tenido Muse, rescatando en parte un riff clásico de sus presentaciones en vivo y agregándole buenos pasajes musicales. Mención aparte para cuán relevante es el bajo de Chris Wolstenholme y, en especial, la batería de Dominic Howard. Tremendos ambos.

La primera mitad del disco, y un poco más, son así, directos, al hueso. Incluso “Mercy”, que se mueve en el ámbito de la ternura romántica de canciones como “Starlight” o “Invincible” –resulta ser una de las pocas letras con genuinos sentimientos-, musicalmente se va desde la épica cósmica de “Black Holes And Revelations” (2006) hacia terrenos más distorsionados. “Reapers” y “The Handler” ponen mayor peso rockero con melodías altamente adictivas. “[JFK]” es la reproducción de parte del discurso de Kennedy modificado por Muse, que luego tiene su culminación en la excelente “Defector”, quizás la mejor canción del trío inglés en mucho tiempo, en parte por la melodía cautivante, y en buena parte porque logra un épica mucho más propia y sin echar tanta mano a Queen o U2. Esta es una de las pocas canciones de Muse que logra emocionalidad sin que existan opciones de reclamo por parte de detractores o fans busquillas. Si “Origin Of Symmetry” (2001) tiene la gracia de expandir el universo de Muse, en lo musical “Drones” lo enfoca luego de erráticos intentos de expansión masiva, como en “Resistance” (2009) o “The 2nd Law” (2012). Lo malo es que todo lo compacto que logra ser Muse en “Drones” se descomprime en el concepto general, poco sólido.

MUSE 03“Revolt” suena inofensiva, aunque los trazos Queen-escos logran que la canción sea disfrutable, en tanto que “Aftermath” es parte de lo más bajo del disco, al presentar líneas bastante predecibles y que apelan a convertirla en un himno, en un intento que resulta demasiado evidente, al contrario de “The Globalist” que debe ser la primera pieza de “opera-rock” que le resulta a Muse, principalmente por la fluidez que hay en lo musical y la capacidad de lograr una obra en actos, lo que tiene su epílogo en “Drones”, track final del disco que guarda coherencia con el universo explicado en “The Globalist”.

En síntesis, “Drones” es un álbum que se mueve en dos dimensiones que, unidas, derivan en un trabajo que se siente incompleto, casi como una oportunidad desaprovechada, pero que si se hace una desconstrucción más compleja, permite ver que más allá de que una dimensión no pareciera tan bien desarrollada, la otra, la de la música y el concepto instrumental, es excelente, y lleva a Muse nuevamente al nivel que puede ofrecer, lo que permite augurar cosas buenas, y que, si Bellamy se libera de las conspiraciones y profundiza más en sentimientos y esas temáticas, tendremos de vuelta al Muse más respetado y laureado.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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