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Mumford & Sons – Babel

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Cuando se ha tenido un debut tan exitoso como “Sigh No More” (2009), resulta inevitable no generarse grandes expectativas respecto a si Mumford & Sons será capaz de superar todo lo bueno que logró en su presentación. Es quizás debido a esta presión que el cuarteto, oriundo de Londres, decidió tomarse un tiempo prudente antes de lanzar su segundo álbum de estudio, cuyas letras se comenzaron a escribir durante la gira del grupo por Norteamérica en 2011 y que tienen como resultado las doce canciones que componen “Babel”. Para este trabajo también existirá una edición de lujo que contendrá 3 tracks adicionales: “For Those Below”, “The Boxer” y “Where Are You Now”.

Las sesiones de grabación de la placa fueron realizas en varias ciudades, tales como Londres, Devon, Somerset y Northhamtomshire, y contaron con la producción de Marcus Dravs, quien ya se hizo cargo del primer trabajo de los ingleses, y que también ha colaborado con artistas de la talla de Arcade Fire y Coldplay, además del apoyo del ingeniero Robin Baynton.

El disco comienza con “Babel”, canción que da nombre a la placa y que de inmediato ofrece el característico sello de los ingleses, con ese particular tinte folk de la voz de Marcus, acompañada a la perfección por la instrumentación que lidera el exquisito sonido del banjo. “Whispers In The Dark” baja las revoluciones en base a la delicada melodía que marca la guitarra acústica, pero que crece en intensidad a medida que es ejecutada. Llega toda la energía y dinamismo de “I Will Wait”, el primer corte que se desprende del álbum y cuyo video muestra imágenes de la presentación de la banda en el anfiteatro Red Rocks de Colorado. Una pista que es fiel exponente de toda la potencia que es capaz de transmitir Mumford & Sons. Los sonidos suaves retornan con “Holland Road”, donde el pulso del bombo marca la estructura musical y las cuerdas adornan la exquisita melodía. “Ghosts That We Knew” es la canción más extensa del disco, y también una de las más hermosas y sensibles, donde el riff es apenas perceptible, asumiendo la voz el total protagonismo de la pieza. El cierre de la primera mitad del disco corre por cuenta de “Lover Of The Light”, que sube la apuesta en la intensidad mediante una mayor presencia del teclado, la batería y la mandolina.

La segunda parte del álbum parte con toda la sensibilidad de “Lovers’ Eyes”, otra demostración de que no es necesario incorporar tantos elementos para construir una hermosa canción, bastando sólo con la potencia de un banjo bien ejecutado. “Reminder” se mantiene en la línea de los sonidos delicados, con un tema breve y preciso, un diálogo íntimo entre la voz y la guitarra acústica, proyectando más sentimiento que todos los instrumentos juntos. “Hopeless Wanderer” tiene un comienzo un tanto dubitativo, el cual de inmediato se aclara con un frenético rasgueo de las cuerdas del siempre efectivo banjo, acompañado en perfecta sincronía por la mandolina. Los suaves acordes de “Broken Crown” evocan una época medieval, y de a poco se hace presente toda la energía y potencia del folk rock, que llega en ráfagas de velocidad fundamentadas en una atractiva melodía. “Below My Feet” llena la atmósfera de tintes melancólicos, sonido tan propio del estilo de los ingleses, matizado con algunas esporádicas apariciones de secuencias repletas de fuerza e intensidad. El final del recorrido lo marca “Not With Haste”, canción que cierra el círculo con una melodía fiel al estilo de la banda, que se mueve naturalmente entre pasajes sensibles y la energía que proporcionan los instrumentos de cuerda.

Mumford & Sons es en la actualidad, sin lugar a dudas, el mayor exponente del folk rock a nivel mundial, con un estilo que no tiene punto de comparación y que explota al máximo la energía e intensidad de su género. En “Babel” nos volvemos a encontrar con ese característico sonido que sólo Marcus Mumford y compañía saben transmitir, con canciones que lejos de aburrir dejan siempre con gusto a poco. Una exquisita fusión de melodías, lentas y aceleradas, que fluyen con total naturalidad y en donde cada acorde contiene un pedazo del alma del cuarteto, estructurando lo que a la larga se convertirá en uno de los discos imprescindibles de este 2012. Degustar “Babel” es un lujo más que una obligación, ya que pocas veces tenemos la posibilidad de estar en presencia de un álbum carente de puntos débiles y donde ninguna pista está demás.

Después de haber escuchado el nuevo material de los ingleses y ser testigo de toda la potencia que conllevan sus presentaciones en vivo, sólo queda esperar que dentro de poco se den una vuelta por Sudamérica para que nos deleiten con su singular genialidad.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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