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MONEY – “Suicide Songs”

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Siempre se valora que la música pueda traspasar su dimensión sonora y meterse en el oyente de manera física y reflexiva, provocando sinestesias y estados particulares. Muy en esta dirección se mueven los efectos que provoca escuchar “Suicide Songs”, en parte por la energía interpretativa vocal e instrumental y la intensidad de las letras, elementos que en conjunto calzan íntegramente, logrando conmover e incluso crear sensaciones cinematográficas, es decir, a la evocación de imágenes, momentos o situaciones que provoca el poder de la música. En este sentido, el nuevo disco de MONEY guarda cierta complicidad con su antecesor, “The Shadow Of Heaven” (2013), primer trabajo musical de la banda, que le valió una satisfactoria posición en los comentarios de la crítica, llegando a ser incluso comparados con The Smiths. Una visión importante sobre esta comparación se relaciona con la fuerza de los conceptos tratados –vitales, críticos, dolorosos– transformados en acordes y letras que tocan al oyente y transportan a un lugar atemporal. En el caso de “Suicide Songs”, la crisis de MONEY 01identidad del sujeto en búsqueda del futuro dice relación con el paso del tiempo y el crecimiento o decepción que esto conlleva en el ejercicio de mirar la vida desde un ángulo que es, en este caso, principalmente melancólico.

Y para reflexionar sobre esto, en 2014 la banda de Manchester se trasladó a Londres con el objetivo de escribir y gestar lo que sería el próximo álbum, esto en medio de constantes sesiones de autodestrucción y descontrol que dieron como resultado, al fin y al cabo, un álbum dramático, poético, melancólico y efectivo. Algunas de estas características se manifiestan desde el comienzo con “I Am The Lord”, quedando expuesto el estilo alternativo con tintes de folk y mucho indie. La pista fluye a través de una melodía apacible, abriéndose paso entre los sonidos de la dilruba, percusiones y violines. “I’m Not Here”, la canción que le sigue, se mueve en las mismas coordenadas, entonando armonías que van creciendo en intensidad y creando hermosos momentos.

Un elemento que llama gratamente la atención es la voz de Jamie Lee que, usada como efectiva herramienta en beneficio de la totalidad del mensaje entregado, logra transmitir sensaciones coherentes en relación a las letras y melodías de las canciones, como es el caso de “You Look Like A Sad Painting On Both Sides Of The Sky”, el single previamente lanzado para promocionar el disco, que con la fuerza de la interpretación vocal acompañada por una guitarra encantadoramente triste, compensa la escucha del álbum completo.  En “Night Came” se aprecia nuevamente la atmósfera instrumental bien construida; se percibe la sensación de estar perdido y desesperado en una dimensión noctámbula. Es transversal el lamento como una reflexión sobre el tiempo, y las letras tienen mucho que decir en este sentido, como en “I’ll Be The Night” u “All My Life”, donde Lee canta: “No me avergüenzo de lo que estoy haciendo, pero sí de lo que he hecho”.

Sin mucha trascendencia transcurren canciones como “Suicide Song” o “Hopeless World”, composiciones más bien neutrales que funcionan como un respiro dentro del desaliento como temática general. El cierre del disco viene dado por el anti-villancico “A Cocaine Christmas And An MONEY 02Alcoholic’s New Year”, que se desarrolla lento, reviviendo imágenes sobre una triste celebración e invocando un toque de sarcasmo, pero sin dejar de lado el eterno estado de abatimiento presente a lo largo del disco, que a ratos pareciera ser la banda sonora de una película muy triste.

Si bien se logran momentos de pleno arrobamiento que logran transportar mediante la escucha, a ratos las melodías frágiles y algo redundantes acaban por transformar las canciones en piezas demasiado melosas. Fuera de esto, el álbum funciona creando preciosas atmósferas instrumentales que, sumadas a la interpretación de Lee, logran su cometido. Los sonidos parecen venir, aunque no de la muerte, de un lugar distinto y afligido; la poesía y la reflexión están presentes y se dejan ver mediante la angustia, la desesperación, la pregunta.

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Black Country, New Road – “For The First Time”

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For The First Time

¿Qué es hablar de creatividad en el rock contemporáneo? Una pregunta siempre presente en un mundo musical que vive en un loop, donde se alternan la ortodoxia y revolución como principios de guía estéticos. Cada cierto tiempo, aparecen álbumes que dan luces de una posible respuesta a dicha interrogante, y es en ese horizonte donde encontramos la propuesta orquestal y poética de Black Country, New Road, banda londinense compuesta por Isaac Wood (voz y guitarra), Tyler Hyde (bajo), Lewis Evans (saxofón), Georgia Ellery (violín), May Kershaw (teclados), Charlie Wayne (batería) y Luke Mark (guitarra). Resulta necesario enlistar y enfatizar en que son un septeto, pues, más que pasar desapercibidos, todos son piezas fundamentales en la construcción del laberinto sonoro que significa su primer larga duración, “For The First Time”.

El camino lo comenzamos a recorrer con “Instrumental”, donde una veloz rítmica de jazz y teclado frenético son la base para una orquesta que aumenta la tensión paulatinamente, hasta chocar de golpe con un brusco silencio, convirtiéndose en una pieza que, desde la apertura del LP, nos permite apreciar la variada influencia de la agrupación. Con “Athens, France” transitamos pasajes más afables, que nos llevan hacia momentos de un rock alternativo con tintes de intensidad noventera, y que son matizados por solemnes momentos orquestales que sirven de telón de fondo para la temerosa pero expresiva voz de Wood.

Un cambio un tanto drástico se experimenta con la caótica “Science Fair”, una turbulenta tormenta de bronces, guitarras estridentes y sintetizadores intimidantes, cuyos sucios quiebres jazz y perturbadoras estructuras sonoras nos regalan una experiencia de corte cinematográfico. Cabe destacar que en la letra se hace una referencia explícita a los emblemáticos Slint, alusión que se palpa vívida como influencia estética en “Sunglasses”. Con su comienzo de atmosférica guitarra fuzz, nos encontramos con una base post rock noventera, caracterizada por su incorporación progresiva de capas sonoras y que, tras una descompensación rítmica, cambia drásticamente a una propuesta más potente.

En el último tercio, inspirada en el trabajo de Arthur Russell, “Track X” retoma transitoriamente la calma perdida. Acá toman mayor protagonismo los tímidos, pero curiosos, arreglos de violín. También podemos apreciar la importancia de la propuesta lírica, que destaca por su capacidad de transmitir emociones como desazón, hastío o frenesí con letras sinceras sobre la cotidianeidad. Así llegamos al cierre de “For The First Time”, donde nos encontramos con la monumental “Opus”, una pieza de rítmica acelerada, con cierto color post punk, pero que se entrecruza con juegos de intensidad y explosiones sónicas, generando una apocalíptica atmósfera orquestal cargada de misterio, derivando en calma después de la tormenta.

Tras el recorrido, nos damos cuenta de que lo realizado por estos siete jóvenes ingleses cobra mérito al darnos atisbos de respuesta a la pregunta planteada líneas atrás. En una época en que se supone que ya todo está hecho, la creatividad de una propuesta musical no necesariamente se basa en la capacidad de inventar algo nuevo, sino que también por la inteligencia de utilizar lo ya disponible para generar algo atractivo. En su honestidad, que no tiene tapujos en confesarnos sus influencias, Black Country, New Road con “For The First Time” nos brinda un constructo sónico poseedor de un espíritu propio y abre un camino que nos permite ver que no todo es monotonía allá afuera.


Artista: Black Country, New Road

Disco: For The First Time

Duración: 40:44

Año: 2021

Sello: Ninja Tune


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