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MONEY – “Suicide Songs”

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Siempre se valora que la música pueda traspasar su dimensión sonora y meterse en el oyente de manera física y reflexiva, provocando sinestesias y estados particulares. Muy en esta dirección se mueven los efectos que provoca escuchar “Suicide Songs”, en parte por la energía interpretativa vocal e instrumental y la intensidad de las letras, elementos que en conjunto calzan íntegramente, logrando conmover e incluso crear sensaciones cinematográficas, es decir, a la evocación de imágenes, momentos o situaciones que provoca el poder de la música. En este sentido, el nuevo disco de MONEY guarda cierta complicidad con su antecesor, “The Shadow Of Heaven” (2013), primer trabajo musical de la banda, que le valió una satisfactoria posición en los comentarios de la crítica, llegando a ser incluso comparados con The Smiths. Una visión importante sobre esta comparación se relaciona con la fuerza de los conceptos tratados –vitales, críticos, dolorosos– transformados en acordes y letras que tocan al oyente y transportan a un lugar atemporal. En el caso de “Suicide Songs”, la crisis de MONEY 01identidad del sujeto en búsqueda del futuro dice relación con el paso del tiempo y el crecimiento o decepción que esto conlleva en el ejercicio de mirar la vida desde un ángulo que es, en este caso, principalmente melancólico.

Y para reflexionar sobre esto, en 2014 la banda de Manchester se trasladó a Londres con el objetivo de escribir y gestar lo que sería el próximo álbum, esto en medio de constantes sesiones de autodestrucción y descontrol que dieron como resultado, al fin y al cabo, un álbum dramático, poético, melancólico y efectivo. Algunas de estas características se manifiestan desde el comienzo con “I Am The Lord”, quedando expuesto el estilo alternativo con tintes de folk y mucho indie. La pista fluye a través de una melodía apacible, abriéndose paso entre los sonidos de la dilruba, percusiones y violines. “I’m Not Here”, la canción que le sigue, se mueve en las mismas coordenadas, entonando armonías que van creciendo en intensidad y creando hermosos momentos.

Un elemento que llama gratamente la atención es la voz de Jamie Lee que, usada como efectiva herramienta en beneficio de la totalidad del mensaje entregado, logra transmitir sensaciones coherentes en relación a las letras y melodías de las canciones, como es el caso de “You Look Like A Sad Painting On Both Sides Of The Sky”, el single previamente lanzado para promocionar el disco, que con la fuerza de la interpretación vocal acompañada por una guitarra encantadoramente triste, compensa la escucha del álbum completo.  En “Night Came” se aprecia nuevamente la atmósfera instrumental bien construida; se percibe la sensación de estar perdido y desesperado en una dimensión noctámbula. Es transversal el lamento como una reflexión sobre el tiempo, y las letras tienen mucho que decir en este sentido, como en “I’ll Be The Night” u “All My Life”, donde Lee canta: “No me avergüenzo de lo que estoy haciendo, pero sí de lo que he hecho”.

Sin mucha trascendencia transcurren canciones como “Suicide Song” o “Hopeless World”, composiciones más bien neutrales que funcionan como un respiro dentro del desaliento como temática general. El cierre del disco viene dado por el anti-villancico “A Cocaine Christmas And An MONEY 02Alcoholic’s New Year”, que se desarrolla lento, reviviendo imágenes sobre una triste celebración e invocando un toque de sarcasmo, pero sin dejar de lado el eterno estado de abatimiento presente a lo largo del disco, que a ratos pareciera ser la banda sonora de una película muy triste.

Si bien se logran momentos de pleno arrobamiento que logran transportar mediante la escucha, a ratos las melodías frágiles y algo redundantes acaban por transformar las canciones en piezas demasiado melosas. Fuera de esto, el álbum funciona creando preciosas atmósferas instrumentales que, sumadas a la interpretación de Lee, logran su cometido. Los sonidos parecen venir, aunque no de la muerte, de un lugar distinto y afligido; la poesía y la reflexión están presentes y se dejan ver mediante la angustia, la desesperación, la pregunta.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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