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Mike & The Melvins – “Three Men And A Baby”

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“Más vale tarde que nunca”, reza el popular dicho que en esta ocasión se le atribuye a Melvins, quienes presentan en “Three Men And A Baby” un álbum que se trabajó para ser lanzado hace 16 años. Corria el año 1998, cuando la banda godheadSilo, de la cual Mike Kunka era parte, se redimía a un hiato indefinido, por lo que el músico decide salir de gira con su banda amiga, Melvins. Fue ahí donde surge la idea de grabar un disco bajo el nombre Mike & The Melvins, algo que se concreta en 1999, pero queda abandonado por varios años hasta su rescate a fines de 2015, donde el álbum fue finalizado y masterizado para su tan postergado lanzamiento.

MIKE & THE MELVINS 01Su edad se ve reflejada de inmediato con la partida, a cargo de “Chicken ‘N’ Dump”, sonando tal como los Melvins de los años 90, con un sludge metal sucio y lleno de distorsión, y elementos más cercanos al grunge, ese sonido que se mezcla con el metal más thrasher, tal como se aprecia en “Limited Teeth”, con uno de los ritmos en batería más metaleros del álbum, ejecutados implacablemente por Dale Crover. La distorsión durante el desarrollo del álbum es clave, todo pasa de una manera casi fugaz, provocando toda una experiencia al momento de oírlo, en gran parte, por la continuidad entre canciones, algo que queda expuesto con “Bummer Conversation”, con un dominio general del bajo utilizado por Kevin Rutmanis, quien era bajista de la banda en aquellos años cuando se grabó el LP, y Mike Kunka, quien, además de cantar, aportó con el detalle duro que sólo un doble bajo puede darle a las composiciones de King Buzzo.

Parte de la rareza de Melvins, tanto en su formación como su música, radica en lo poco común de sus canciones, como el extraño cover a Public Image Ltd, “Annalisa”, que podría ser perfectamente un simple jam de estudio, pero aquí se transforma en un cuidadoso puente junto con “A Dead Pile Of Worthless Junk”, donde toda la banda hace su trabajo casi independiente entre sí, rememorando muy bien el titulo de la canción, ya que se siente como una suma de partes inconexas, ejecutadas con el “cuidadoso” desorden que sólo Melvins puede entregar.”Read The Label (It’s Chili)” trae de vuelta el espíritu noventero con un riff y letra en la senda del grunge y el rock alternativo de aquella década, siempre sobre la línea de bajo que lleva la delantera en cuanto a la estructura sonora de cada uno de los tracks.

Bajo la premisa utilizada por Melvins de mezclar diversos estilos, “Dead Canaries” llega como un track de lo más experimental, con la distorsión y los efectos en guitarra haciéndose notar, mientras que “Pound The Giants” desata la furia de Crover en las baquetas, con Buzzo y Kunka cantando MIKE & THE MELVINS 02oscuramente. Riffs poderosos, potentes redobles y los guturales de Buzz Osborne llevan al extremo el sonido de Melvins, desembocando en “A Friend In Need Is A Friend You Don’t Need”, típica canción de Melvins (con un titulo largo) que no es más que un solo de batería junto a algunos pasajes de guitarra e interacción con una audiencia, lo que da la sensación de ser una canción ejecutada en vivo, pero que Dale Crover lleva a otro nivel con su espectacular forma de tocar la batería. Las influencias de Black Sabbath se evidencian inmediatamente en “Lifestyle Hammer” y “Gravel”, con un ritmo pesado pero pausado, llevando la vibra muy al estilo de los riffs ejecutados por Tony Iommi en las legendarias composiciones del cuarteto británico. El cierre, se compone de una canción bastante atípica, “Art School Fight Song”, con una batería en plan black metal, con indescifrables susurros y un sonido de estática que hace las veces de guitarra.

Gracias a este álbum, Melvins comprueba una vez más su versatilidad como banda, entregando composiciones experimentales y desafiando las convencionalidades de la industria, tanto en su estilo como la música en general. Todo lo que salga de la retorcida mente de King Buzzo y Dale Crover radicará en un distorsionado viaje mediante canciones, tal como lo han hecho en cada uno de sus álbumes, donde han pasado desde tener múltiples músicos (utilizando dos bateristas en algunas presentaciones) a presentarse como trío. Sean tres, cuatro o seis integrantes en su formación, la banda no para y ya se alista para editar otro trabajo en un par de meses más, por lo que en el formato y estilo que sea, una cosa es segura: habrá Melvins para rato.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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