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METZ – “Automat”

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Desde su debut, METZ dejó de lado la chapa de novedad o promesa, sepultando los adjetivos bajo una densa capa de riffs y distorsión. El noise había encontrado en Canadá al mejor huésped, y es que sin timidez el trío se hizo dueño de la presión que los catalogaba dentro de todos los estilos posibles relacionados al ruido. Su debut homónimo de 2012, un macizo de once tracks, reverberó en los exigentes oídos de todos quienes buscaban guitarras sin pretensión y canciones con esencia garage, directas y aplicadas.

Así, sin más, los de Ontario dieron con la receta perfecta y se preocuparon de lo importante: la música. Canciones efectivas, pero con pocos matices, es lo que se pudo apreciar en “II” (2015). Su segundo largo se oye más maduro y atrevido, sin embargo, esa atenuación de su sonido pareciera no proponer novedad. Ello cambió con el lanzamiento de “Strange Peace” (2017), producido por Steve Albini y que dotó a la banda de una línea más melódica, nuevas experimentaciones y guiños a todos los clásicos noventeros como complemento de sus nuevos aires.

Como una manera de celebrar diez años de carrera e intensas presentaciones en vivo por todo el mundo (con dos visitas a nuestro país), la banda decidió agrupar en 12 tracks todo el material inédito y lados B que los ha mantenido vigentes desde aquel último disco. Se trata de “Automat”, que repite la fórmula revisitando una gran cantidad de material regado en EP’s y singles. La necesidad de cohesión de estas canciones en un largo era urgente para una banda inquieta y caótica.

“Automat” abre los fuegos con la demoledora “Soft Whiteout”, marca registrada del trío, y continúa en la misma senda con “Lump Sums”, un tema mucho más melódico y experimental. Aquí METZ se atreve a proponer más con otros efectos, una duración mayor y nuevos elementos en la composición. El álbum continúa sin descanso hasta las intensas “Dirty Shirt” y “Can’t Understand”.

¿Qué escuchamos cuando escuchamos a una banda como METZ? Estrés, paranoia y un presente caótico es lo que la banda pretende plasmar en sus letras. Sin mayores conceptos o figuras líricas, sus canciones reflejan estados modernos bajo los chirridos de la afilada guitarra de Alex Edkins, el bajo inmerso de Chris Slorach y las baterías de Hayden Menzies. El epílogo queda a cargo de las ya conocidas “Pure Auto” y “Eraser”, dos temas que comparten intensidad y distorsión con guitarras que transitan entre Nirvana o cualquier formato punk. En su mayoría, canciones breves, para nada ligeras y que no dejan espacio para el descanso.

El lugar común dice que METZ es un torbellino de canciones ásperas; un manual de estilo del ruido armónico que parecía venir de capa caída –con excepciones, como lo que hace Ty Segall o A Place To Bury Strangers–, pero que se refugió en un trío que está lejos de las pretensiones y que no carece de actitud en un estudio o arriba del escenario. Si bien, el sonido de METZ no busca proponer más allá que sutiles cambios a sus líneas melódicas, sabe cómo diferenciarse entre sí para entregar canciones capaces de alterar los sentidos o potenciar sentimientos.


Artista: METZAutomat

Disco: Automat

Duración: 43:05

Año: 2019

Sello: Sub Pop


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Waxahatchee – “Saint Cloud”

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Saint Cloud

Poniendo a descansar las melodías rockeras de su último álbum, “Out In The Storm” (2017), Katie Crutchfield se arma de los elementos característicos del folk y americana para enfrentarse a su etapa más vulnerable. Con un acercamiento más cálido e íntimo, “Saint Cloud” se presenta como un clásico contemporáneo del género. A través de su carrera, Crutchfield ha sido capaz de moldear el sonido de sus guitarras para representar las emociones detrás de sus canciones. Desde sus composiciones lo-fi (American Weekend”, 2012), pasando a un rock más pulido (“Out In The Storm”), hasta llegar a su disco más country, donde las melodías son tan dulces como confrontacionales.

“Oxbow”, la pieza inicial, es una vulnerable y altisonante apertura, un juego entre géneros musicales que deja al oyente adivinando qué es lo que se avecina. Líricamente, retrata el primer paso del viaje de sobriedad de la cantante, capturando los temas de adicción y codependencia en un esperanzador estribillo. “Can’t Do Much” aclara de mejor manera la gama sonora que presentará el disco, donde la voz y las cuerdas presentan los elementos característicos del americana. Si bien, en el corazón de sus discos el folk siempre ha estado presente, es en sencillos como este donde queda claro que aquí abraza el género completamente.

Sin embargo, el espíritu del americana no se encuentra sólo en las melodías del álbum, ya que este está construido como un mapa de los lugares que inspiraron cada canción presente. Algunos de estos son claros, como “Ruby Falls”, una cascada en la ciudad donde reside su gemela; un oscuro y acústico corte sobre la adicción a los opioides y sus efectos, siendo un ejemplo del combate temático y sonoro presente en el disco, entre lo esperanzador y lo descorazonador. “Arkadelphia” –una carretera en su natal Alabama– es una visita a su adolescencia, donde las cuerdas logran trazar una nostálgica melodía que ayuda a adentrarse en el flashback que relata. Y es que los espacios y la significancia de estos siempre han sido relevantes en el proyecto, desde su mismo nombre, Waxahatchee, un arroyo en su ciudad nativa, y Crutchfield siempre ha llevado sus orígenes en ella.

Los sencillos que se desprenden de “Saint Cloud” son algunas de las piezas mejor logradas de su carrera. “Fire” es un himno de autoaceptación; un diálogo interno donde cada palabra es de aliento para sí misma y para cualquiera batallando una adicción. Sin dejar jamás el espíritu country, es el acercamiento más prominente a una canción rock, con una pegajosa melodía que es alentadora como conmovedora. “Si pudiera amarte incondicionalmente, podría planchar los bordes del cielo más oscuro, para una compositora que temía escribir estando sobria, estas son algunas de sus líricas más importantes. “Lilacs” es un confesionario corte donde la artista lamenta la dependencia de un otro, un clásico atemporal donde las cuerdas y su voz muestran el progreso después de todos estos años, donde ya no tiene miedo de llenar cada espacio en el que se presenta.

Waxahatchee lleva sus influencias en la manga, asegurándose de no sonar como un tributo y logrando sacar una sonrisa al recordar un sonido que ha traspasado las barreras del tiempo. Reminiscente es el falsete presente en “Can’t Do Much” o “Lilacs”, que por un segundo emocionan al pensar en Joni Mitchell o las melodías presentes en “Hell” o “War”, que de seguro serían aprobadas por Bob Dylan. En un género con tantos clásicos como lo es el folk, la cantautora no se queda en el pasado, sino que lo estudia para su presente.

El track final, “St. Cloud”, inspirado en la ciudad donde nació y creció su padre, es una delicada pieza acústica con una desnuda interpretación vocal, dándole cierre al recorrido por las ciudades que conforman su trayectoria. Pero no sólo los lugares, sino que las personas presentes en estos: su hermana, sus padres, sus amistades, su versión adolescente e incluso David Berman, quien recibe un tributo a su nombre. Al finalizar, es claro que en “Saint Cloud” Waxahatchee ha presentado su disco más liberador y quizás el más importante de su carrera. Sin grandes decoraciones, ahonda en lo más profundo de sí misma, visitando los momentos que la hicieron ser quien es mirando hacia un futuro prometedor, con un clásico entre sus brazos.


Artista: Waxahatchee

Disco: Saint Cloud

Duración: 40:06

Año: 2020

Sello: Merge


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