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Metronomy Forever Metronomy Forever

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Metronomy – “Metronomy Forever”

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Ha pasado más de una década desde el clásico de Metronomy, “Nights Out” (2008), material que los estableció como parte fundamental de la escena indie dance en la década pasada. Con su segundo álbum la banda logró una exitosa mixtura de géneros, donde las influencias pop, electrónicas e indie se fundieron en uno de los discos más importantes de su generación. Diez años después, la discografía de Metronomy se ha caracterizado por una amplia gama de sonidos, con diversos resultados, y que han hecho difícil encerrar a la banda en un solo género. Su nuevo álbum, “Metronomy Forever”, es –como lo indica su nombre– una celebración de la esencia de la agrupación, recorriendo los múltiples sonidos que han explorado, a la vez que vuelve a hablarle a aquella generación que bailó sus más icónicas canciones.

“Whitsand Bay” es un retrospectivo track, tanto en su lírica como en su sonido, reminiscente de un tiempo más complicado en la vida de Joseph Mount, acompañado de singulares sonidos de fondo con riffs de surf y una constante percusión, destacando la habilidad de la banda de hacer funcionar sonidos peculiares con coros pegadizos. A través del disco, las canciones hacen un gran trabajo en retratar la multiplicidad de sonidos que ha destacado a Metronomy, siempre con aires de experimentación, aun en las composiciones más tradicionales, acompañadas de líricas que dejan entrever la creatividad de su prosa. El primer sencillo, “Lately”, lleva la nostalgia de frente, con vibrantes synths y marcadas guitarras que culminan en explosivos sonidos, narrando su experiencia al enamorarse. Y es que, si bien sus sonidos son nostálgicos, Mount no es la misma persona de hace diez años; su esposa y familia son una fuerte inspiración para los temas del disco y su madurez se deja entrever en estos. En canciones como “Insecurity” detalla las vulnerabilidades y debilidades al estar enamorado, personales temas que acompaña con una brillante instrumentación rock, reflejando su característica ironía.

Quizás el legado más grande de sus primeros materiales que se encuentra presente en este disco es el no temer a las combinaciones inusuales de sonidos y divertirse con la experimentación. “Salted Caramel Ice Cream” tiene un lúgubre comienzo, que rápidamente se convierte en una melódica pieza electrónica, perfecta para la pista. Algo similar ocurre en la pieza instrumental “Lying Low”, parte de múltiples interludios con los que cuenta el álbum, algunos que mantienen el ambiente dance que los caracteriza, agregándole una atmósfera ambiental y una tensión a la fluidez del disco, mientras que otros funcionan para calmar los ánimos producidos por los bailables beats, como la lúgubre “Forever Is A Long Time”. De esta forma, los sonidos son tan diversos como las temáticas del mismo.

Son 17 tracks los que conforman el disco, pero la segunda mitad está lejos de sonar agobiante. Con rítmicas canciones como “The Light” y “Sex Emoji”, que hacen un guiño a Prince, con una sensualidad marcada en las vocales y una instrumentación que mira hacía el pasado, pero que se asegura de agregarle sorpresas electrónicas. Esta energía recargada es gracias a los compañeros de banda de Mount, con un Olugbenga Adelekan que logra brillar en el bajo. Cerrando con “Ur Mixtape”, una oda al amor joven, logran una combinación musical de los elementos que caracterizan al sonido de la banda, mezclando los vibrantes synths, la percusión de fondo, las prominentes guitarras y el vocoder que añade la cuota electrónica del track.

“Metronomy Forever” mira constantemente al pasado, pero es claro que su música se encuentra en el presente. Hay múltiples guiños a sus trabajos anteriores, pero con la mirada al futuro y hacía una nueva década que les espera. Desde su nombre, el material parecía auto celebratorio, y en muchas ocasiones lo es, sin embargo, Metronomy no es la misma banda que hace una década: existe una madurez en sus composiciones, utilizando todo lo aprendido estos años para celebrar aquellos sonidos que los hicieron una de las agrupaciones más importantes de la escena. No es en este disco donde se encontrará el mayor impacto del conjunto, pero sí es un recordatorio de que su pasión por descubrir nuevos sonidos sigue intacta.


Metronomy ForeverArtista: Metronomy

Disco: Metronomy Forever

Duración: 54:43

Año: 2019

Sello: Because


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Discos

DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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