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Mastodon – “Emperor Of Sand”

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Vivimos en un mundo donde las atrocidades son habituales, donde la devastación de la guerra, el miedo al terrorismo y los desastres climáticos se han instalado como tema obligado. Sin embargo, hay un fenómeno que es quizás más desgarrador, dado que se encuentra mucho más cercano a nuestras realidades: el cáncer. Es precisamente esto lo que intenta reflejar el nuevo disco de Mastodon, que aborda de forma conceptual la agonía y la ira producida por la impotencia de ver a los seres queridos asolados por esta cruel enfermedad, representado por el Emperador de las Arenas. Inspirados por la propia experiencia de los integrantes, riffs caóticos y letras profundas encarnan el concepto tras “Emperor Of Sand”, séptimo álbum de la banda que combina la potencia del trash metal con el tecnicismo del rock progresivo.

Es un campaneo el que llama nuestra atención en primera instancia para abrir paso a “Sultan’s Curse”, tema que, junto a una letra desoladora, emana la brutalidad a la que el grupo nos tienen más que acostumbrados. Por su parte, “Show Yourself” muestra la faceta menos dura de la banda o, como ellos mismos señalan, “la apuesta pop” que han desarrollado en los últimos años, la que protagoniza el baterista Brann Dailor en voz. Tras este paréntesis sonoro, volvemos a reencontrarnos con un metal más potente en “Precious Stones”, donde podemos dar con elementos clásicos del sonido de Mastodon, como la batería furibunda y las elaboradas armonías de guitarra. Luego, “Steambreather” posee un sonido duro y profundo, pero con tempo pasivo que acelera en los coros de forma sagaz. Acá volvemos a apreciar un elemento que destaca particularmente en este disco: el mayor protagonismo vocal de Dailor.

Avanzando en el álbum, “Roots Remain” revive elementos progresivos de la década pasada, en donde Troy Sanders retoma la batuta en voz. El solo final de Bill Kelliher es el remate perfecto, al que se acoplan arreglos de piano que tributan a David Bowie, otra víctima del cáncer. Por su parte, “Word To The Wise”, con un sonido más bruto, es quizás el mejor ejemplo del esfuerzo por potenciar las tres voces de la banda, como es tónica en todo el disco, y paralelamente la destreza de Kelliher y Brent Hinds en guitarras queda expuesta en dos potentes solos y figuras melódicas. A esto le sigue “Ancient Kingdom”, que de riff potente y veloz, es quizás el corte con mejor trabajo en redobles de batería y que, pese a que por momentos parece una pista sacada del disco “Once More ‘Round The Sun” (2014), conserva elementos clásicos como el bestial solo de guitarra.

“Clandestiny” contiene una agresividad que nos remonta a discos de la etapa más barbárica del grupo, sin embargo, lo que lo hace un tema mucho más interesante es el uso de sintetizadores, elemento extraño en su discografía. Siguiendo esta misma línea más clásica, “Andromeda” habla directamente de la desesperante lucha en contra del tiempo y la muerte. Si bien, esta última incluye elementos del Mastodon más moderno, cierra demoníacamente con un sonido que recuerda al disco “Remission” (2002). Tras esto, una guitarra acústica con tintes alucinógenos intenta desconcertarnos; esfuerzo inútil, pues la llegada de “Scorpion Breath” es bestialidad pura. Acá, el liderato vocal recae en Brent Hinds, lo que lo hace uno de los cortes más demoledores del larga duración. Todo concluye en el canto retrospectivo de “Jaguar God”, que comienza como una balada acústica para luego subir paulatinamente en intensidad, hasta finalizar en una demostración clara de sanguinario y oscuro metal. En sumatoria, una diversidad de escenarios en este último track son la mejor muestra del porqué se les ha tildado constantemente como una banda de metal progresivo.

Transmitir sensibilidades tan profundas de forma agresiva no es tarea fácil, pero el cuarteto norteamericano lo logra con creces en esta última entrega. En cuanto a estética, el disco es una clara demostración de que la banda intentó retomar la sonoridad de los tres primeros discos sin dejar de lado la influencia de los últimos trabajos. Pasajes infernales, con rastrojos de tétrica psicodelia, abundante destreza técnica con esa típica influencia del trash metal y coros pegajosos son la evidencia de esto, siendo amalgama concisa y suficiente para comprender por qué Mastodon es una de las más grandes bandas modernas dentro de las infinitas arenas de ese imperio llamado heavy metal.

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Colleen Green – “Cool”

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Cool

Una caja de ritmos y una guitarra fueron suficientes para que Colleen Green llamara la atención en 2013 con “Sock It To Me”, su debut bajo la etiqueta de Hardly Art. Aquella propuesta minimalista y sencilla, pero tremendamente pegajosa y atractiva, se fortaleció en formato banda en el estudio con el interesante “I Want To Grow Up” (2015), con el cual visitó Chile en 2018, y pretende dar el salto cinco años después con “Cool”, su cuarto trabajo.

Si hacia 2015 Colleen, de anteojos oscuros sobre el escenario, exploraba en sus letras la decepción, frustración, su amor por la TV y otras ansiedades, hoy su propuesta lírica ha cambiado el foco y se centra en una madurez tan sencilla como reveladora: si antes no era cool, ahora se dio cuenta que sí lo es. “Cool” es un disco con pocas ambiciones, sencillo como todo el catálogo de Green, pero con matices que lo convierten en el más sólido y despreocupado. ¿Por qué complicarse la vida? El single “I Wanna Be A Dog” o la oda al amor propio y las buenas acciones de “It’s Nice To Be Nice” son ejemplos de aquella filosofía.

Con Gordon Raphael (que ha trabajado con The Strokes) en la producción, Green logró consolidar su sonido sin abandonar la esencia lofi y DIY que la hizo popular, pero manteniendo un nivel mucho más alto sin sonar a habitación o cinta vieja. Canciones de acordes sencillos y diseñadas para la aventura siempre en solitario de la artista, quien se resiste a tocar en vivo junto a una banda. “Cool” carece de arreglos o acabados, salvo detalles electrónicos y uno que otro bajo, como en la lenta “Highway” o “Natural Chorus”. Lo más relevante es descubrir el fondo del trabajo lírico de Green, sencillo y natural.

El avance de “Cool” es rápido, son tracks breves y en su mayoría pegajosos, recordándonos que no se necesitan grandes aparatos, pedales o destreza para hacer siempre buenas canciones. El disco tiene sus puntos altos en “You Don’t Exist” donde es posible apreciar la cautivadora voz de Green junto a instrumentos clásicos de banda, y “I Believe In Love”, de lento desarrollo, interesantes cambios de ritmo y un guitarreo sencillo pero explosivo, probablemente la mejor canción del álbum.

Resulta un año de interesantes lanzamientos para Hardly Art, el pequeño sello de Seattle. Marinero conmovió a la crítica con “Hella Love” y se esperan los lanzamientos de La Luz y Lala Lala para nuestra primavera. En este variopinto catálogo se encuentra Colleen Green, que vuelve a tomar sus sencillas composiciones en “Cool” sin mayor ambición que resistir y hacer buenas canciones por sí misma. Basta con verla y escucharla para darse cuenta de que su sola presencia es capaz de dotar de identidad y desplante cualquier catálogo o escenario. Casi única en su especie y estilo, gracias a una propuesta original y fresca para un ambiente saturado de clichés donde el “hazlo tú mismo” a veces deja de lado la calidad.


CoolArtista: Colleen Green

Disco: Cool

Duración: 36:00

Año: 2021

Sello: Hardly Art


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