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Mastodon – “Emperor Of Sand”

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Vivimos en un mundo donde las atrocidades son habituales, donde la devastación de la guerra, el miedo al terrorismo y los desastres climáticos se han instalado como tema obligado. Sin embargo, hay un fenómeno que es quizás más desgarrador, dado que se encuentra mucho más cercano a nuestras realidades: el cáncer. Es precisamente esto lo que intenta reflejar el nuevo disco de Mastodon, que aborda de forma conceptual la agonía y la ira producida por la impotencia de ver a los seres queridos asolados por esta cruel enfermedad, representado por el Emperador de las Arenas. Inspirados por la propia experiencia de los integrantes, riffs caóticos y letras profundas encarnan el concepto tras “Emperor Of Sand”, séptimo álbum de la banda que combina la potencia del trash metal con el tecnicismo del rock progresivo.

Es un campaneo el que llama nuestra atención en primera instancia para abrir paso a “Sultan’s Curse”, tema que, junto a una letra desoladora, emana la brutalidad a la que el grupo nos tienen más que acostumbrados. Por su parte, “Show Yourself” muestra la faceta menos dura de la banda o, como ellos mismos señalan, “la apuesta pop” que han desarrollado en los últimos años, la que protagoniza el baterista Brann Dailor en voz. Tras este paréntesis sonoro, volvemos a reencontrarnos con un metal más potente en “Precious Stones”, donde podemos dar con elementos clásicos del sonido de Mastodon, como la batería furibunda y las elaboradas armonías de guitarra. Luego, “Steambreather” posee un sonido duro y profundo, pero con tempo pasivo que acelera en los coros de forma sagaz. Acá volvemos a apreciar un elemento que destaca particularmente en este disco: el mayor protagonismo vocal de Dailor.

Avanzando en el álbum, “Roots Remain” revive elementos progresivos de la década pasada, en donde Troy Sanders retoma la batuta en voz. El solo final de Bill Kelliher es el remate perfecto, al que se acoplan arreglos de piano que tributan a David Bowie, otra víctima del cáncer. Por su parte, “Word To The Wise”, con un sonido más bruto, es quizás el mejor ejemplo del esfuerzo por potenciar las tres voces de la banda, como es tónica en todo el disco, y paralelamente la destreza de Kelliher y Brent Hinds en guitarras queda expuesta en dos potentes solos y figuras melódicas. A esto le sigue “Ancient Kingdom”, que de riff potente y veloz, es quizás el corte con mejor trabajo en redobles de batería y que, pese a que por momentos parece una pista sacada del disco “Once More ‘Round The Sun” (2014), conserva elementos clásicos como el bestial solo de guitarra.

“Clandestiny” contiene una agresividad que nos remonta a discos de la etapa más barbárica del grupo, sin embargo, lo que lo hace un tema mucho más interesante es el uso de sintetizadores, elemento extraño en su discografía. Siguiendo esta misma línea más clásica, “Andromeda” habla directamente de la desesperante lucha en contra del tiempo y la muerte. Si bien, esta última incluye elementos del Mastodon más moderno, cierra demoníacamente con un sonido que recuerda al disco “Remission” (2002). Tras esto, una guitarra acústica con tintes alucinógenos intenta desconcertarnos; esfuerzo inútil, pues la llegada de “Scorpion Breath” es bestialidad pura. Acá, el liderato vocal recae en Brent Hinds, lo que lo hace uno de los cortes más demoledores del larga duración. Todo concluye en el canto retrospectivo de “Jaguar God”, que comienza como una balada acústica para luego subir paulatinamente en intensidad, hasta finalizar en una demostración clara de sanguinario y oscuro metal. En sumatoria, una diversidad de escenarios en este último track son la mejor muestra del porqué se les ha tildado constantemente como una banda de metal progresivo.

Transmitir sensibilidades tan profundas de forma agresiva no es tarea fácil, pero el cuarteto norteamericano lo logra con creces en esta última entrega. En cuanto a estética, el disco es una clara demostración de que la banda intentó retomar la sonoridad de los tres primeros discos sin dejar de lado la influencia de los últimos trabajos. Pasajes infernales, con rastrojos de tétrica psicodelia, abundante destreza técnica con esa típica influencia del trash metal y coros pegajosos son la evidencia de esto, siendo amalgama concisa y suficiente para comprender por qué Mastodon es una de las más grandes bandas modernas dentro de las infinitas arenas de ese imperio llamado heavy metal.

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Deftones – “Ohms”

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Ohms

Se vale decir que lo de Deftones a estas alturas es una carrera sin altibajos. La extraña época del denominado nü metal, que vio nacer y morir a variados proyectos, quedó atrás y es nada más que un rótulo para una banda que rápidamente expandió sus horizontes. Así ha sido el recorrido de Deftones que, con nueve discos, se sacudió del estereotipo para desembocar en álbumes como “Ohms”.

Y es que su último trabajo va más allá de lo etéreo y las atmósferas. O, al menos, desde otra perspectiva. Pese a ser una banda que transita por intensas sensaciones, nunca había estado tan clara la línea entre aquellos elementos. Gracias al reencuentro con Terry Date, un viejo conocido en la producción (“Adrenaline”, “Around The Fur”, “White Pony”, “Deftones”), la banda plantea un interesante equilibrio: los arreglos conviven –y se escuchan– sin quitarse protagonismo. No sobran, no son caprichosos, no son antojadizos.

“Genesis” y “Ceremony” representan un poco aquella relación. La primera, como single, elevó las expectativas y cumplió. Por su parte, el segundo track, mucho más melódico y limpio, permite apreciar mejor los matices que estarán presentes a lo largo del álbum. Es difícil exigirles siempre un poco más a bandas como Deftones, ya que a estas alturas el conjunto no necesita demostrar más que calidad; su sonido se encuentra tan arraigado, que toda sorpresa es un detalle más de una meticulosa producción.

Resulta curioso que aquellos detalles esta vez no quedaron a cargo de las cuerdas y un par de efectos, sino que pasaron a ser administrados con mayor protagonismo por Frank Delgado en los sintetizadores y máquinas. Así, todo dialoga orgánicamente a la par de un inspirado Stephen Carpenter, que se atreve a jugar con los compases, como en “Urantia”, y se desata con estridencia en los ensordecedores pasajes de “Error” y la bella “Pompeji”, quizá la canción más completa del disco. Toda esa potencia y densidad puede responder a muchas variantes y posibilidades. ¿Cómo hacer contrapeso y acompañar a Carpenter? ¿Es más que una decisión estética que en cada disco sume más cuerdas a la guitarra principal?

La seguridad que entrega Sergio Vega en el bajo ha sido un aporte de frescura y actitud, como queda demostrado en “Radiant City”. Si bien, su participación en la banda ya cumple cuatro álbumes, hoy más que nunca se trata de su disco, y “Ohms” debería ser revisado bajo su prisma. Su presencia es aglutinante, está sumamente marcada y funciona en complicidad. Según entrevistas, Vega aportó activamente en la composición y con los riffs más potentes, asumiendo ese rol de compañía y contraparte. Su estilo no pasa inadvertido y ha potenciado varias virtudes del grupo. Por un lado, las guitarras más graves de Carpenter y, por otro, las baterías de un Cunningham menos atrevido, pero manteniéndose igual de intenso.

Con “Ohms”, más allá del cliché que puede significar volver a los orígenes, Deftones ha sabido administrar un concepto más que robusto, que no descansa tan sólo en un desfile de distorsiones para riffs profundos y veloces. Su complejidad radica en las posibilidades que exploran con el pasar del tiempo, dotando a sus canciones de una sensibilidad e intimidad que dialoga con una experiencia oscura y agresiva.


Artista: Deftones

Disco: Ohms

Duración: 46:17

Año: 2020

Sello: Reprise


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