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Mark Lanegan Band – “Gargoyle”

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Son relativamente pocos los artistas que, a pesar de haber participado activamente en diversos proyectos musicales o bandas, han logrado sortear exitosamente esa permanente propensión a partir de cero infatigablemente. Dentro de ese marco habría que situar norteamericano Mark Lanegan, quien hace más de tres décadas se mueve y deambula por el mundo musical en busca de aires frescos y nuevas aventuras constantemente. Líder indiscutido del agresivo sonido alcanzado por Screaming Trees, pasajero fugaz de Queens Of The Stone Age, artífice de los éxitos de Mad Season y mentor del inacabado proyecto titulado The Gutter Twins, Mark Lanegan es un artista inquieto y escurridizo en su esencia más íntima. Como solista o como parte de conjuntos musicales, el oriundo de Washington ha explorado un abanico realmente extraordinario de estilos y sonidos, transformándose en un artista experimentado en la composición, ejecución y producción musical.

Con esa gran mochila llena de experiencias, Mark reaparece después de tres años de silencio con su nueva placa titulada “Gargoyle”, un álbum inquietante por su desesperanzada atmósfera sonora, aunque envuelta en una electrificación descollante. En él colaboran viejas amistades de Lanegan como el líder de Queens Of The Stone Age, Josh Homme y el carismático vocalista de The Afghan Whigs, Greg Dulli. En tan sólo 10 canciones, “Gargoyle” es un disco que insinúa retazos de elegancia y sensualidad, sin descuidar el descontrol y la energía. El álbum se inaugura con una oscura y melódica canción, “Death’s Head Tattoo”, la que posee una lírica llena de mensajes subliminales en medio de una atmósfera sonora tétrica, muy próxima al post-punk de los ya lejanos ochenta.

“Nocturne”, el primer single del álbum, conecta directamente con un sonido industrial embellecido por una voz que retumba desde un lugar lejano y oscuro. Son claras las reminiscencias de la influencia de un ya difunto Leonard Cohen en las composiciones de Lanegan, y esta no es la excepción. “Blue Blue Sea” es una oda que abre paciente y calma, con los sintetizadores muy bien plantados, adornando y llenando el espacio sonoro de una canción adecuadamente entonada por la rasposa voz de Mark. Con “Beehive” vemos desfilar la amplia experiencia de la banda al desarrollar una canción con un coro pegadizo y preciso, en el que es sin lugar a dudas uno de los mejores momentos de la placa. Una autobiográfica composición se abre en las medianías del proyecto para resaltar una impecable ejecución instrumental, generando una canción melódica, aunque profundamente melancólica en su lírica.

Ciertamente, “Emperor” resuena estridente y apropiadamente calibrada en la instrumentación, con guitarras que se deslizan potentes y una batería poco potente, pero ajustada a una canción que se asemeja a esos himnos que todos querrían corear en un estadio repleto. “Goodbye To Beauty” abre lenta y apaciguada, donde unos finos y delicados acordes acogen un mensaje nítido interpretado por un emocionado Lanegan. “Drunk On Destruction” es una composición triste y melancólica, sin embargo, la instrumentación y el imperceptible crescendo sonoro transporta hacia las postrimerías y las últimas glorias de los años noventa. “First Day Of Winter” resuena como un espacio de despedida; tranquilizadora melodía construida a partir de una batería acompasada y poco destructiva, un coro salvífico y una guitarra que adorna la voz de Lanegan de comienzo a fin. Con el epílogo que “Old Swan” nos proporciona, oímos una canción animada, correctamente instrumentada y una voz que realza todo el conjunto compositivo. Para cerrar la placa, después de haber transitado una variedad inmensa de texturas sonoras, esta canción proyecta la esencia del trabajo del norteamericano.

Incontables son los éxitos y los fracasos que Lanegan ha tenido en sus más de tres décadas como artista consagrado a la música. Incontables son también los proyectos en los que el norteamericano ha intentado plasmar sus referencias y orientaciones musicales. Escuchar a Mark Lanegan es transitar por distintos momentos de la historia del rock, sin embargo, su esencia es tan inclasificable que es más favorable dejarse llevar antes que detenerse o negarse a sus trabajos. “Gargoyle” representa uno de esos proyectos muy bien logrados, que de seguro dará que hablar por mucho tiempo más y que, con el paso de los años, seguramente se solidificará con el grato apelativo de clásico de la música.


GargoyleArtista: Mark Lanegan

Disco: Gargoyle

Duración: 41:11

Año: 2017

Sello: Heavenly Recordings


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Discos

Zeal & Ardor – “Zeal & Ardor”

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Zeal & Ardor

La banda suiza Zeal & Ardor nació en 2013 como un proyecto solista del músico suizo-estadounidense Manuel Gagneux, pero no fue hasta 2017 que se consagró como un grupo propiamente tal. El proyecto comenzó a partir de un ejercicio creativo en el que Gagneux pedía a usuarios de un foro online dos géneros musicales para combinarlos en una composición que realizaría en sólo media hora. Le sugirieron mezclar black metal con “música de negros” y, en el álbum homónimo lanzado este año (el tercero de la banda), esa fusión sigue igual de vigente. Además, aquella identidad dual es sazonada con pequeños vistazos a otros estilos, generando combinaciones inesperadas y resultados sonoros frescos.

En “Zeal & Ardor” la banda es también coherente con su pasado en los aspectos líricos, ya que las letras del álbum continúan con lo propuesto en “Devil Is Fine” (2016) y “Stranger Fruit” (2018), relatando una historia alterna en la que los esclavos estadounidenses no se hubieran convertido al cristianismo, sino que habrían volteado hacia el satanismo. Esto permite contextualizar de mejor manera títulos como “Death To The Holy” o “Church Burns”, y es precisamente esta orientación anti-religiosa, junto con la técnica vocal (de gritos agudos), lo que permite a Gagneux enlazarse con la historia del black metal, aun cuando su proyecto no es demasiado dogmático en relación con la música, ya que recoge gestos característicos del djent (“Death To The Holy”) e incluso del nu metal (“I Caught You”). El otro pilar del disco, la música de raíz africana, se manifiesta a través del canto soul, los coros de influencia gospel y el énfasis en los ritmos sincopados.

En términos globales, el álbum refleja una notable mejora en su producción comparado con los discos anteriores, con un timbre moderno, tanto de guitarras como baterías, y profundidad en los arreglos de voces y sintetizadores, alcanzando un sonido que llena el espectro, es decir, sonando pesado, pero con una buena dosis de agudos. En relación con su estructura, la primera canción, “Zeal & Ardor”, funciona como una sinopsis, exponiendo el contraste entre las distintas voces que usará Gagneux, y la postrera “A-H-I-L (All Hope Is Lost)” cumple el rol de outro al ser una pista instrumental de timbres electrónicos, que no tiene mayor relación con el resto del disco. Pese a ello, durante sus 43 minutos de duración, el álbum transita por varios niveles de energía sin establecer ningún patrón particular, lo que permite oír las canciones de manera desordenada sin perderse de mucho.

Por lo anterior, sin un concepto o un título que unifique el contenido del disco, la cohesión recae en la característica sonoridad derivada del cruce del metal y el soul.  Desde un punto de vista compositivo, el desafío de congeniar dos géneros tan distintos es resuelto a través de dos caminos: la yuxtaposición (o contraste directo entre los dos géneros) y la síntesis. Como ejemplos de la primera, encontramos a “Feed The Machine” y “Hold Your Head Low”, donde se recurre a un violento contraste entre los dos mundos sonoros sin que estos se integren con posterioridad. En el caso de la síntesis, “Erase” y “Run” son algunas de las piezas más logradas, ya que consiguen superponer los elementos característicos de cada género de manera efectiva. Por otro lado, hay otras canciones que no se quedan en la dualidad ya mencionada, entre las que destaca “J.M.B. (Jazz Metal Blues)”, que incorpora acordes extendidos característicos del jazz, pero cuyo ritmo y energía la asemejan más al math-rock, o “Emersion” donde se revelan influencias del post-rock.

Pese a ser considerada una banda avant-garde, la propuesta de Zeal & Ardor en este álbum es bastante accesible, e incluso llega a transitar por sonoridades casi publicitarias, gracias a la mezcla de melodías sin letra y ritmos basados en bombo y aplausos. De todos modos, la banda logra situarse dentro del linaje del black metal, encontrando un interesante punto de equilibrio entre novedad y familiaridad. No obstante, cuando prefieren la yuxtaposición de “momentos soul” y “momentos metal” por sobre la síntesis de ambos géneros, las canciones bordean el pastiche, generando a veces un efecto cómico por lo brutal del contraste, que parece ser indeseado, debido a la seriedad con que se comprometen en materia lírica. De todas formas, la impresión global que deja el álbum es positiva y demuestra coherencia con las placas anteriores de la banda.


Zeal & ArdorArtista: Zeal & Ardor

Disco: Zeal & Ardor

Duración: 43:57

Año: 2022

Sello: MVKA


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