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Manuel García – Témpera

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Las canciones de Manuel García aun siguen siendo un gran descubrimiento para muchos, quienes se maravillan recién ahora con la genialidad y sencillez que ‘Pánico’ desperdigó por allá por 2005. Este año, el fascinante cantautor nortino edita su segunda placa de estudio titulada ‘Témpera’, una refinada producción que difiere bastante de las primeras canciones de García como solista, tanto en la temática de sus textos como en su suculenta y muy cuidadosa instrumentación.

‘Témpera’ representa un punto categórico en la carrera del cantautor, pues ratifica su calidad de compositor y no deja dudas acerca de su talento imaginativo, compendiando todas las armas de su virtuosismo sagaz en una de las actuales propuestas más interesantes dentro la escena nacional. Manuel García escribe una poesía llena de belleza y enigmáticas imágenes, que luego acomoda sutilmente en gráciles melodías tan dulces como taciturnas, y esto es prácticamente lo mismo que han hecho prestigiosos autores como José González o Sam Beam (Iron and Wine) en el mundo, lo que no resta prestigio al trabajo del trovador chileno.

No obstante, ‘Témpera’ puede parecer un ejercicio de introspección demasiado intrínseco, y quizás por esto no produzca la misma sensación que ‘Pánico’, un álbum del cual es difícil no enamorarse. En esta ocasión, García nos presenta 13 temas que esconden paisajes opacos y cuentos íntimos e anímicos, los cuales no identifican del todo al auditor promedio, o no tanto como lo hicieron “La pena vuela”, “Hablar de ti”, “La danza de las libélulas” o “Azúcar al café” en su momento. De esta forma, ‘Témpera’ se enuncia como un álbum sumamente personal, que pretende consumar ciertos pasajes incompletos de la infancia de García, a juzgar por sus retrospectivas letras que, incluso, evocan otros tiempos en el ambiente sonoro en el que se plantean.

Abre el disco “Nadie más que el sol”, una hermosa canción que podría haber sido parte del tracklist de ‘Pánico’, ya que posee características similares al Manuel tradicional, melodías y acordes bañados en fina melancolía e interpretada con una voz en estado de gracia. Una letra que quedará impregnada en la memoria de todo seguidor por siempre: ¿Cómo crees tú que ese juego se te ocurrió?… Aunque sólo a ti te bese el sol, nadie más que el sol. Sigue la mustia “Barcos de cristal”, y la sutileza en la guitarra de palo continúa un rumbo más fuliginoso, con un Manuel yendo a lo más profundo de sí, recitando un planteamiento más críptico y al mismo tiempo fugaz. Con “Ninguna calle”, el autor marca la diferencia, implicando levemente su percepción de la religiosidad y estilando una ardua composición instrumental de trasfondo, cortesía de la contrabajista María Teresa Molina, quien además se encarga de la producción del disco.

“La gran capital” es uno de los temas más entrañables del álbum, aunque poco o nada tenga que ver con el Manuel de siempre. Se trata de una tonada muy alegre y con un buen ritmo, que mira con particular nostalgia –y algo de humor- aquellos tiempos en que un tímido provinciano llegaba a instalarse y probar suerte en tierras santiaguinas. Luego, “Tarde” derriba el muro de regocijo que “La gran capital” habría instado minutos antes, para trazar esa misma timidez pero en un terreno completamente diferente. Un Manuel cantando como si fuera un lamento fragmentos de su pasado que aun repercuten en su presente, expresados tácitamente en el texto y con cierto dejo de rencor. Aquel silencioso clamor se disuelve en “Canción y plegaria”, y es aquí donde la complejidad de los arreglos instrumentales alcanzan su mayor apogeo, con una ancestral introducción de cuerdas de muy buen nivel y una letra casi épica que se nutre de la mejor poesía del artista.

Es recurrente en Manuel García escribir canciones sobre el amor que es tortuoso y confuso, aquellas donde el músico esboza una suerte de análisis acerca de las problemáticas que posee las relaciones sentimentales, todo un universo por describir. “Es bello, es bueno” es una de ellas; una acertada balada acústica que encubre una compleja observación sobre los pros y los contras del corazón, pero con un denotado resentimiento personal que a ratos pareciera desviar el contexto a un plano más surrealista. A partir de “Pañuelí”, Manuel se pone más folklórico y nacionalista, y junto a “Los colores” y “Témpera” (increíble el verso: difícil hacer el amor sin sentir que nos agarramos de una tabla),  recurre a su indumentaria más intimista y apasionada del álbum, con canciones repletas de textos sorprendentes, convenientes armonías de manufactura sencilla, y precisos arreglos nativos en plan artesanal que no fallan a la hora de enganchar al oyente.

En “Perderse”, García arpegia un riff repetitivo y una composición sensible en su letra y en su tonada, incluyendo posteriormente una pegajosa base rítmica muy cercana al rock de Mecánica Popular, agregando beneficiosos arreglos y efectos espaciales en la guitarra eléctrica. Continúa “Piedras” y el concepto musical cambia notoriamente a una atmósfera más añeja, recuperando el sonido básico de las canciones folk-psicodelia de los sesenta -aquellas que requerían palmas para mayor deleite-, y haciéndose innegable la influencia del otrora cantautor nacional, Fernando Ubiergo. Notable el solo con que cierra “Piedras” para dar inicio al final del álbum, “Cangrejo azul”, otro tema en plan folklore que implora por cuadros fantásticos, una rebelión de cuerdas acústicas rugiendo al compás del frío sureño, y un fraseo repleto de imaginación pictórica. Sin dudas, el broche de oro que consuma este gran obra chilena.

Un disco clasificable en su propio género, que se inspira tanto en el folklore más penetrante como en el indie acústico más alternativo. ‘Témpera’ de Manuel García, es una buena muestra de que en Chile hay excelente música que no obvia los sonidos contemporáneos del mundo, ni olvida las raíces con las que se nutre, y que fácilmente podría salir de exportación a conquistar algunas almas en el extranjero, sin perder una gota de la esencia del norte, de la capital y del sur de Chile. Ni una gota de esta témpera de múltiples colores.

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Gojira – “Fortitude”

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Fortitude

Si hay algo que caracteriza a Gojira, es su preocupación por transmitir un mensaje tan potente como su música. Desde sus jóvenes inicios en 2001 con “Terra Incognita”, los franceses han trabajado en torno a tópicos como el extractivismo, la depredación humana o el peligro medioambiental inminente. Un discurso que, a diferencia de los diversos elementos sonoros que han quitado o agregado durante su carrera discográfica, parece inamovible. Así lo demuestra “Fortitude”, un trabajo que se enmarca en una época de crisis, donde encontrar un punto de equilibrio con el planeta toma un carácter urgente.

Partiendo por la carátula, que ilustra un guerrero amazónico portando una vistosa armadura, el concepto del séptimo disco de Gojira es claro, posicionando a los pueblos ancestrales como los principales y más importantes protectores de lo natural. Canciones como “The Chant”, inspirada en la resistencia tibetana a la ocupación china, o “Amazonia”, en denuncia de la alarmante deforestación de la selva, sostienen estos cuestionamientos, que se han hecho constantes y cada vez más sólidos con el paso del tiempo, colaborando recientemente con la organización Articulación de Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) como una forma de pasar de la palabra a la acción.

Junto con el enfoque activista de sus líricas, los franceses desarrollan otras reflexiones, como la perspectiva de la muerte como un proceso más de la vida, el ocaso de la humanidad, la desobediencia civil o el encuentro con experiencias que conllevan a nuevos propósitos personales. En relación a este último planteamiento, hay otro elemento que se hace evidente en este séptimo trabajo. Hace ya algunos años que la técnica vocal de Joe Duplantier ha mutado de un acérrimo tono death metal hacia un registro abierto a más posibilidades. Un aspecto que, irónicamente, le ha costado varios cuestionamientos por parte de sus fanáticos, y que acá continúa evolucionando de forma paulatina al trabajo con voces limpias. Lejos de se ser una debilidad, más bien es el signo de una banda que apunta a componer canciones adaptables a presentaciones con amplias convocatorias.

En términos musicales, “Fortitude” ofrece un panorama variado y menos orientado a un sonido extremo permanente. Una decisión que, al igual que la evolución del vocalista, puede provocar opiniones divididas, pero que en ningún caso resta de matices sonoros al presente de la banda. Desde aquellos momentos donde se aprecian sus guiños característicos, en canciones como “Sphinx”, “Grind”, “Another World” o “Born For One Thing”, hasta pasajes que apelan tanto a los brasileños de Sepultura (“Amazonia”) como también a melodías étnicas, como el caso de “Hold On” o “Fortitude”. El resultado completo da cuenta de un álbum que explora a través de intensidades y mantiene la apuesta de definir un sello que sigue sumando elementos.

“Fortitude” manifiesta el ímpetu de Gojira por mantenerse firme en la senda de una evolución constante y que los distinga dentro del panorama extremo, pero que también vaya separando etapas en comparación con sus trabajos anteriores. Atípicos como suelen ser, este disco conserva la convicción que, para una banda de metal, sonar más fuerte no es el único camino por el cual avanzar, sin miedo a sonar diferentes y, más importante aún, sin miedo a tratar los temas que realmente les preocupan.


Artista: Gojira

Disco: Fortitude

Duración: 51:58

Año: 2021

Sello: Roadrunner


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