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Manowar – The Lord Of Steel

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Es verdad, el legado de Manowar en la historia del heavy metal es inmenso, y no se puede negar que, en su momento, los norteamericanos eran dueños de un estandarte que, en la actualidad, se ha desinflado por culpa de la misma banda. El metal despierta pasiones y su eterno espíritu adolescente ha hecho grandes a monstruos del género, tales como Iron Maiden o Judas Priest, quienes han sobrevivido hasta nuestros días con mejores o peores resultados, pero vigentes al fin y al cabo. Manowar por su parte, se ha tomado las cosas con calma y a más de cinco años de su último álbum con temas inéditos –“Battle Hymns MMXI” (2010) es un remake del clásico “Battle Hymns” (1982)-, lanza el rimbombante “The Lord Of Steel”, que lamentablemente es la decepcionante sombra de sus años de gloria.

Pero el disco no comienza como una decepción, todo lo contrario. “The Lord Of Steel” es el primer track del disco, y teniendo en cuenta que en su anterior placa, “Gods Of War” (2007), a Manowar le sobraba épica y grandilocuencia, pero le faltaba metal, esta canción enmienda los errores y nos devuelve a los fieros guerreros del martillo, cuya vigorosidad se desinfla a lo largo del LP. Aunque “The Lord Of Steel” funciona como una entretenida canción metalera, no se puede pasar por alto su falta de inspiración, y por sobre todo, la mezcla de sonido, que opaca a todas las composiciones del disco. ¿Cuál habrá sido la idea del grupo y de Joey DeMaio (bajo y productor) a la hora de realizar la mezcla y elegir el sonido de los instrumentos? Lo primero que salta a la vista, por su incómodo sonido, es el bajo de DeMaio que, sin exagerar, parece ser la reproducción de un sintetizador midi, en ves del instrumento de cuatro cuerdas.  El resto de la mezcla suena dilatada, como si no existiera una unión entre los instrumentos. Eric Adams, por su parte, realiza una de sus performances más mediocres, limitándose sólo a cantar, olvidándose de la garra y el sentimiento.

Esta sensación de “trámite” se propaga al resto del disco, y en el tema que sigue, “Manowarriors”, muestra al Manowar que, poco a poco, se transforma en una parodia de sí mismo, en una de las composiciones más irrisorias de su discografía. Aun así, el coro salva y en medio de un concierto puede que “Manowarriors” encuentre un mejor asidero que en su versión de estudio. Las cosas mejoran con “Born In A Grave”, pero el bajo de DeMaio y una sobre duración del corte, terminan por agotar la canción. La power ballad de rigor llega con “Righteous Glory”, donde las letras de orgullo guerrero son acompañadas por los coros y orquestaciones, en un tema que sobresale entre el desgano del resto del álbum.

“Touch The Sky” es entretenida y se deja escuchar, para caer en el letargo de “Black List”, que tiene intenciones de repetir lo que hicieron clásicos como “Warriors Of The World United” o “Gloves Of Metal”, pero por una extraña razón, la banda se dedica a extenderlo porque sí, y queda como resultado el tema más aburrido del disco, por lejos. Sin pena ni gloria, pasa “Expendable”, para llegar al que muchos han querido señalar como el mejor tema del disco –no es que hubiera mucha competencia tampoco-, “El Gringo” tiene épica autentica y con toda la parafernalia que ha caracterizado a Manowar, funcionando –por fin- en plenitud.

El entusiasmo no dura mucho, ya que con la llegada de “Annihilation”, volvemos a la tónica mediocre de “The Lord Of Steel”. El último tema es “Hail, Kill And Die”, que alude en su letra a una serie de otras canciones de la agrupación, además del claro guiño al clásico “Hail And Kill”, sin hacer justicia a ninguna de las citas.

En sus casi cincuenta minutos de duración, “The Lord Of Steel” nos da a entender que las pretensiones de Manowar con este disco no son más que dejar en claro que siguen ahí, haciendo música, sin pasión y sin sentimiento, pero están ahí. Quizás piensan que ya lo han dicho todo y que su carrera no puede llegar más lejos, durmiéndose en los laureles para seguir siendo la banda de culto que siempre han sido. Sus seguidores seguirán realizando la señal del martillo, pero en sus ídolos ya no existe ni la vigorosidad ni gallardía que ese símbolo representa. Ahora sólo queda el cansancio y la gloria de los días pasados.

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Angel Olsen – “Whole New Mess”

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Whole New Mess

Hace menos de un año, Angel Olsen lanzó un álbum digno de definir una carrera. “All Mirrors” (2019) se estableció como el punto donde su composición y visión alcanzó un nuevo nivel, y el dramatismo de sus letras fue ampliado por la magnitud del sonido orquestal que acompañó al disco, combinación que lo convirtieron en uno de los mejores lanzamientos del año. Cuesta creer entonces que su concepto original sea todo lo contrario. “Whole New Mess” recopila las grabaciones originales de lo que conocimos en su disco anterior, reintroduciéndonos el corazón roto de la cantautora sólo a través de su voz y guitarra, demostrando que la grandiosidad de sus canciones no depende de los elegantes arreglos, sino que de su ilimitada capacidad de retratar el dolor.

Originalmente, “Whole New Mess” vería la luz junto a “All Mirrors” como una doble invitación al mundo de Olsen, pero su lanzamiento no pudo ser más oportuno. Como mucho del mundo actual, las versiones son solitarias, nostálgicas, envueltas en una atmósfera de confinamiento, como si hubieran sido compuestas en estos meses. Sin embargo, sería un error decir que son más silenciosas, pues la música presente introduce otra clase de poder. Tal es el caso de “Impasse (Workin’ For The Name)”, que puede parecer más minimalista en sonido, pero la voz y cuerdas de Olsen rugen de igual manera y su capacidad de electrizar no se pierde, a pesar de la desnudez mostrada.

Es a través de su capacidad para moldear su voz según sus emociones por donde la cantante logra diversificar los sonidos de un disco uniforme. Su voz es desgarradora, pero confortante, como en “Too Easy (Bigger Than Us)” o “Chance (Forever Love)”, donde sus tonos son clásicos, reminiscentes de dolores antiguos, aunque sus melodías son cálidas, como si confortaran sus lamentos. “Chance” pierde los arreglos que la convirtieron en un cierre tan catártico, pero no por eso deja de ser un fuerte golpe de emociones. Las vocales de “Tonight (Without You)” son potentes, pero necesarias, y aun sin el aplaudido final orquestal este parece ser un punto de catarsis, sin violines ni órganos, es su voz la que encuentra luz.

El peso más grande recae en las versiones originales de “All Mirrors” y “Lark”, ahora retituladas “(We Are All Mirrors)” y “Lark Song”. La primera es una pieza de folk mucho más tradicional, con un simple rasgueo que acompaña al relato universal de Olsen, intensificado por el constante reverb. Por su parte, “Lark Song” no pierde su fuerza y sigue arrastrando la responsabilidad emocional del disco, explotando a través de sus seis minutos en un crescendo de emociones. Si bien, estas versiones son mucho más íntimas, también reflejan una fuerte universalidad de experiencias, sin reducirse a las penurias del amor, sino que explorando múltiples relaciones humanas y sus efectos en las personas. La desnudez de su melodía ha permitido centrarse en el aspecto lírico, que presenta potencia por sí solo.

Existen dos canciones que no tienen punto a comparar: la apertura homónima y “Waving, Smiling”, que reemplazan a “Spring” y “Endgame”. La carta inicial lleva el espíritu del disco, mostrándose vulnerable y de un intencionado desorden, tal como los sentimientos que evoca, reconociendo una vida en constante cambio, pero aceptando la repetición de sus estados emocionales. El otro corte original es aún más vulnerable que el resto, tanto en melodía como en lírica es directa, sin rodeos, donde la soledad logra materializarse, pero un brillo esperanzador la ilumina: “El sol está brillando, estoy saludando, sonriendo, al amor por siempre, vivo y muriendo”.

Decir que las canciones en “Whole New Mess” son sólo demos inacabados sería minimizar las expresiones originales que se convertirían en “All Mirrors”. Esta colección de temas es tan fundamental como cualquier otra pieza de su discografía, donde la melancolía y desnudez no deben confundirse con una constante tristeza, sino como una invitación honesta a entender el mundo de una artista. Tan solo con su voz y su guitarra, Angel Olsen logra minimizar el sonido sin perder jamás la potencia, encontrando una nueva forma de hacer rugir sus sentimientos y dejando en claro que, lejos de los arreglos majestuosos, puede encontrar momentos de dramatismo, catarsis y, sobre todo, esperanza.


Artista: Angel Olsen

Disco: Whole New Mess

Duración: 42:05

Año: 2020

Sello: Jagjaguwar


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