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Manic Street Preachers – Rewind The Film

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Desde su debut a principios de los noventa, Manic Street Preachers desarrolló un sincero repertorio inspirado en la clase trabajadora británica, influenciado en el punk y el metal de la época. La autenticidad de esta tendencia confrontacional fue cuestionada por la prensa, pero de inmediato reprochada por el presuntamente fallecido letrista Richey James Edwards (1995), con el mítico manuscrito con navaja que hizo en su brazo en medio de una entrevista: “4 Real”. En las siguientes décadas fueron matizando hacia el rock alternativo y el pop, y aunque algunos motivos compositivos se enmarcaron en la desaparición de Edwards o pasajes biográficos de artistas y literatos que admiraban, la voluntad lírica inspirada en los conflictos sociales permaneció.

En “Rewind The Film” parecen haber compuesto desde el desenlace de esta larguísima disputa músico-política. El disco es triste y cautivante. Reposados en el folk, el aire de las trompetas y las cuerdas análogas, los galeses depositan sus últimas consignas en el amor, el origen y la trascendencia. “This Sullen Welsh Heart” es el prólogo, un exordio comienzo en arpegio que, con la colaboración de Lucy Rose, dramatiza entre la rendición y la esperanza: “ya no puedo luchar en esta guerra (…) puedes seguir luchando, cuando estás solo”, similar argumento del single “Show Me The Wonder”, que pide una última persuasión tras la pérdida de credibilidad en el entorno. De clásica estructura, jubilosos vientos la moldan de manera radiante y animosa.

MANIC STREET PREACHERS 01“Rewind The Film”, en el podio del larga duración, alude al deseo del pasado y la resignación del futuro. Graves y melosas, las estrofas son entonadas por el ex Pulp, Richard Hawley, para luego ascender con un espléndido punteo acústico mecido con violines y el ingreso del frontman, James Dean Bradfield, para clamar y defender la opción de abandonar una contienda, de esconderse en la vejez tras un vivir corajudo. “Builder Of Routines” retorna al folk para confirmar el postulado (“cansado de ser real”) y sugerir que integrarse al sistema es una solución para sentirse seguro, siempre cuando se esté dispuesto a ser crucificado y no sangrar, una rutina eterna y doliente. En la voz de Cate Le Bon, la serena “4 Lonely Roads” invita a mantener la cabeza en alto y unirse con dignidad y confianza en medio del “infierno más oscuro”, mientras que la poco ambiciosa “(I Miss The) Tokyo Skyline” es lo más alejado del patrón sonoro de la placa, junto con la instrumental y sugestiva “Manorbier”.

Otra merecedora de ser coronada es la balada “Anthem For A Lost Cause”, grabada para conseguir lágrimas con una interpretación en vivo. Perpetuando acústicos y trompetas, relata la potestad de las composiciones musicales para sacudir corazones y mentes, transformándose a sí misma como un tema inmortal: “toma, es tuyo, un himno para una causa perdida”. De acordes redundantes, “As Holy As The Soil (That Buries Your Skin)” anhela de vuelta el amor de pareja que comparte paradigmas de vida, tal como el que Lennon y Ono exteriorizaron en favor de reformas sociales.  Curiosamente, el George Harrison de “Isn’t It A Pity” parece sonar a continuación en “3 Ways To See Despair”, con punteos armónicos y melodías en ascenso, mientras Bradfield exhala “estoy tan agotado como John Lennon cantó, transmitiendo cansancio como nadie más puede hacerlo”.

MANIC STREET PREACHERS 02“Running Out Of Fantasy” es voz, guitarra y piano, mutando de dulce a amargo en sincronía con el texto: “soy viejo (…) me estoy quedando sin imaginación (…) no sé si reír o llorar”. Recurriendo a los ornamentos digitales y con enérgica revelación, la concluyente “30-Year War” salvaguarda y describe con melancolía los sufridos años que inspiraron la música del grupo, disparando contra bancos y medios de comunicación, y memorando la tragedia de Hillsborough (1989) en la que 96 personas fallecieron aplastadas durante un partido de fútbol entre Liverpool y Nottingham Forest, o la sangrienta Batalla de Orgreave (1986) provocada tras la orden que Margaret Thatcher dio a la policía de enfrentarse por la fuerza contra huelguistas mineros británicos.

“Rewind The Film” es una antología vivencial que espera empatía y respuesta. Debe ser concebida como el desenlace –no sabemos aún si es el fin- de más de dos décadas de cuanta impotencia y tortura anímica han contenido al convertir las parcialidades y los conflictos en un puñado de canciones. Hacerlo durante años, y además sufrir la desaparición de un integrante, es duro. En múltiples injusticias se ha adentrado la banda, y no esforzarse en corresponder la obra no merece ser una más. La vejez no puede terminar en solitario, más aún si se espera el fin desde la resignación. El álbum es vejez y una última conversación que espera ser concretada.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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