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Manic Street Preachers – Futurology

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Hablar de la actualidad musical de Manic Street Preachers, una banda que hace ya más de dos décadas experimentara su punto álgido de popularidad y creatividad, obliga a pensar en el leitmotiv de esas ganas por seguir vigentes y haciendo música hoy, en pleno 2014. Lo extraño en todo esto, no es precisamente que una representativa banda de la movida alternativa de la década de los noventa haga música en un ya avanzado siglo XXI, sino que más bien la interrogante apunta a si esencialmente esa acumulación de experiencia de bandas con notorios pergaminos en el mundo del rock, se traduce en un aporte para la renovación de una algo alicaída escena musical actual.El caso de “Futurology”, doceava placa de estudio de la banda, está muy lejos de representar un hacer por hacer, y si bien el MANIC STREET PREACHERS 01disco sigue el patrón sonoro que caracteriza a los Manic desde hace años, se adentra de manera bastante consistente en temáticas sociales actuales cuestionando fuertemente el futuro y devenir de la propia humanidad. De ahí el –irónico- título del trabajo.

Es “Futurology” un trabajo sugerente debido a la bien razonada arquitectura sonora que presenta, pese a que no es un trabajo en sí mismo original considerando la trayectoria musical de la banda. Pero por sobre todo, el valor del disco se encuentra en el fuerte mensaje de crítica política y cultural que porta. Lentamente, y de manera casi imperceptible, con “Futurology” la energía de la música rock, fuertemente inspirada por la crítica contracultural, vuelve a tejer su vínculo con la sociedad y los nefastos hechos de nuestro tiempo.  Es este un trabajo que nace de la mano de la reflexión como de la experiencia.

La placa abre con “Futurology”, una canción simple aunque adornada de sintetizadores, guitarras y un coro bien definido que conecta con “Walk Me To The Bridge”, un tema sutilmente autobiográfico que, con una batería profunda y pesada y unos efectos de sintetizadores bien marcados, a ratos da la sensación de concebir una balada de la movida glam ochentera. “Let’s Go To War”, es una aventura sonora que planta una guitarra y un bajo bien delineado, en medio de una satírica letra que nos recuerda que, en el mundo moderno, el tradicional mecanismo de solución frente a las discrepancias de diversa índole ha sido regularmente la guerra y la violencia desatada. “The Next Jet To Leave Moscow”, cuya letra recuerda el revuelo causado por la banda al tocar en Cuba, es una composición que resume el gusto de MSP por la utilización y mezcla de efectos de todo tipo. Su sello distintivo.

MANIC STREET PREACHERS 02Un rotundo quiebre sufre el disco al sonar “Europa Geht Durch Mich” (Europa pasó a través de mí), cuyos coros están a cargo de la actriz alemana Nina Hoss en medio de una melodía ecléctica y una cadencia irresistible. Una delicada “Divine Youth”, apología a esa edad inmaculada, cantada en compañía de la artista galesa Georgia Ruth, le pone paños fríos al disco con una canción que apuesta por una suave y pausada melodía. En “Sex, Power, Love And Money” la banda vuelve a encender sus guitarras para dar paso a la no menos animada introspección instrumental titulada “Dreaming A City (Hugheskova)”, que bien enlaza con una eléctrica “Black Square”. Por su parte, “Between The Clock And The Bed” y “The View From Stow Hill” son composiciones que apuestan por la experimentación y los efectos sonoros altamente encendidos. El disco cierra con “Mayakovsky”, una canción llena de distorsión y samples que terminan por dejar muy arriba en esta inesperada clausura y despedida.

Manic Street Preachers muestra con “Futurology” que la vigencia y vitalidad de una banda no es patrimonio exclusivo de los años de juventud. Tampoco este es el caso de un desesperado y nostálgico intento por revivir viejos momentos de gloria ya extintos con los años. Desde luego, este disco está lejos de ser uno de los tantos clímax musicales alcanzados por la banda a mediados de los noventa, sin embargo, es un trabajo que, producto de una identidad bien definida, proyecta energía, renovación  y audacia.

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El Álbum Esencial: “Corazones” de Los Prisioneros

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Corazones

“Corazones”, el cuarto álbum de Los Prisioneros, puede ser considerado como el primer registro solista de Jorge González, luego de que Claudio Narea abandonara la banda un año antes del lanzamiento de su lanzamiento y sólo Miguel Tapia permaneciera a su lado, sumando a la alineación oficial a Cecilia Aguayo, miembro del grupo performático Las Cleopatras, quien ni siquiera era músico, pero González decidió hacerla parte del grupo por su carisma, alegando que, si no sabía tocar, podía aprender a hacerlo. Aguayo se sumó a Los Prisioneros como la encargada de los teclados durante la época en que la emblemática banda de la comuna de San Miguel dejó de lado el rock y el punk para caer de lleno en el pop y la electrónica, dando vida a un conjunto de canciones que sembró el camino para una serie de artistas que en la actualidad son referentes absolutos del pop chileno.

Alex Anwandter, Javiera Mena, Ases Falsos, Gepe, entre otros, deben su sonido a lo que hizo González en “Corazones”, una placa que se adelantó a su tiempo y, de forma maestra, dio un giro a la fórmula de Los Prisioneros para realizar un disco que es pura visceralidad y sentimientos. No es que antes no hayan jugado con estos sonidos; ya en “Muevan Las Industrias” o en la mismísima “El Baile De Los Que Sobran” los sintetizadores tenían gran presencia dentro de la mezcla, pero en esta ocasión los teclados, samples y percusiones digitales tomaron la batuta para secundar las desgarradoras líricas de Jorge González, que van desde la amargura del desamor hasta la crítica a una sociedad que cada día busca parecerse –hasta el día de hoy– a la imagen idealizada de la sociedad yankee. Como siempre, Jorge González dio en el clavo en cada uno de sus descargos, en composiciones cuyo mensaje se mantiene vigente hasta nuestros días, como ocurre con casi todas las canciones de Los Prisioneros.

El LP abre con “Tren Al Sur”, uno de los cortes más memorables en la historia de la agrupación, el que además funciona como transición perfecta entre el pasado y el presente del grupo, dejando que el charango acompañe a la melodía principal y a un coro honesto y conmovedor, del que es imposible no hacerse parte. Durante los próximos dos cortes el viaje se vuelca completamente hacia lo romántico, entre postales de amor ideal en la bella “Amiga Mía” o imágenes llenas de pasión e intimidad, como en la bailable “Con Suavidad” y el suspirado “preciosa” con el que González da la partida a una de las canciones más representativas de la revolución sonora que significa para el pop chileno el disco “Corazones”.

Si se echaba de menos la crítica dura y sin pelos en la lengua, “Corazones Rojos” puede ser considerada uno de los manifiestos más duros que el grupo ha parido. Como una especie de crudo discurso machista, la canción sirve como un llamado a las mujeres para que despierten y hagan valer su rol dentro de la sociedad. En su época sacó chispas entre quienes no entendieron el mensaje detrás de líneas como “En la casa te queremos ver, lavando ropa, pensando en él / Con las manos sarmentosas y la entrepierna bien jugosa”, pero finalmente “Corazones Rojos” se erigió como una de las canciones más sólidas y poderosas en la historia de Los Prisioneros.

Sigue en la lista “Cuéntame Una Historia Original”, cuyo coro juega con el cinismo de aquellos que dicen sufrir como nadie y saber cómo es la vida, pero son los más ilusos. Otro gran hito del larga duración lo marca “Estrechez De Corazón”, quizás la canción romántica más recordada de la banda junto a “Para Amar”. Dueña de otro coro brutal, esta composición muestra la faceta más melodramática y visceral de Jorge González, acompañada de sintetizadores grandilocuentes que dan un aire de romance fatal, tal como lo hacían personajes como Raphael en sus sufridas composiciones, del que Jorge González era un ferviente admirador. Sin lugar a dudas, uno de los himnos inmortales del trío. “Por Amarte” va por los mismos senderos: doliente y quejumbroso.

“Noche En La Ciudad (Fiesta!)” es el Jorge González de “Lo Estamos Pasando Muy Bien” o el de “Brigada De Negro”: ácido y lleno de ironía y sarcasmo, mofándose duramente de la sociedad conservadora que quiere pintarlo todo color de rosa, apartando “al descarriado” con tal de mantener una imagen ordenada y pulcra. “¡Orden, moral!”, gritaba el vocalista, en una época donde los militares habían abandonado el país, pero su doctrina seguía más presente que nunca. Lamentablemente, a la fecha las cosas no han cambiado mucho.

De la fiesta artificial pasamos a la canción más extraña de la placa y de toda la discografía de Los Prisioneros. “Es Demasiado Triste” es el corte más desgarrador, más sufrido, incluso patético, que ha salido de la mente y alma de Jorge González. El último tema que presenta “Corazones” es tan real y gemebundo, que hasta musicalmente suena a un espiral en descenso, como un castillo que se derrumba y cuya destrucción no conoce final, mientras el fade out y el descarnado verso “Este maldito amor le gusta reírse, reírse en tu cara”, que González repite una y otra vez hacia el final de la canción, dan por finalizado un disco donde el baile y el llanto se encuentran constantemente a lo largo de nueve memorables canciones.

“Corazones” y su legado se mantienen vigentes en la música de numerosos artistas chilenos contemporáneos, músicos que se alimentaron de su sonido y liricas para dar vida a una escena que hoy vive su mejor momento. A pesar de que el grupo terminó su época de gloria con este LP, “Corazones” se mantiene en la historia como uno de los mejores lanzamientos de la música popular chilena, cuyas canciones contienen un mensaje que aún se encuentra vigente y un sonido que, pese a los años, se sigue oyendo fresco y lleno de energía. Para nosotros, “Corazones”, la obra magna de Jorge González, es un álbum esencial.


Artista: Los PrisionerosCorazones

Disco: Corazones

Duración: 45:26

Año: 1990

Sello: EMI Records / Odeon


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