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Madness – Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da

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Tuvieron que pasar tres años desde el lanzamiento de “The Liberty Of Norton Folgate” (2009) para conocer nuevo material de Madness, y al parecer la espera ha valido la pena. “Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da” es el décimo álbum de estudio de los británicos, el cual será editado bajo el propio sello discográfico de la banda, Lucky Seven Records, y en donde por primera vez en su trayectoria se distribuyen las tareas de producción en una constelación de célebres personajes, Owen Morris (Oasis, The Verve), Liam Watson (The White Stripes), Stephen Street (The Smiths, New Order, Blur), Clive Langer (Elvis Costello) y Charlie Andrew. Lo primero que llama la atención de esta nueva placa es su portada, la cual fue diseñada por el renombrado artista Sir Peter Thomas Blake, el mismo que colaboró con el artwork del clásico álbum de The Beatles: “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967).

“My Girl 2”es el tema encargado de abrir el disco y también su segundo sencillo, el cual desde sus primeros acordes, propone una melodía lúdica y liviana que, apoyada en su medio tiempo y pegajoso estribillo, la convierten en una sólida carta de presentación. El álbum continúa con la delicada “Never Knew Your Name”, una hermosa pieza que destaca por su instrumentación, donde resalta el sonido del piano y el saxofón, que funcionan en perfecta armonía con la característica voz de Graham McPherson. Las trompetas marcan la introducción de “La Luna”, una canción con evidentes tintes latinos, cuyos matices se acercan a la rumba, teniendo como resultado una propuesta bastante atractiva. “How Can I Tell You?”, de la mano del sensible sonido del vibraphone, mantiene la tendencia a los pasajes más relajados, pero crece en intensidad y velocidad a medida que se desarrolla. Llega el turno de “Kitchen Floor”, sin lugar a dudas uno de los mejores cortes del disco, que llena la atmósfera de jazz y una agradable melodía.

En “Misery” hace su aparición el entretenido ritmo ska, con secuencias llenas de energía y dinamismo, que perfectamente podrían servir para ambientar un número circense. “Leon” se fundamenta en el sonido del piano, ofreciendo una entretenida pieza, adornada en su justa medida por el ritmo de la trompeta y precisos cambios de intensidad. Tras un comienzo prometedor, “Circus Freaks” cae presa de una melodía monótona que no aporta al desarrollo del álbum, convirtiéndolo en quizás el único track descartable. “So Alive” trae de vuelta los elementos clásicos de Madness, con pasajes llenos de entusiasmo e intensidad, fusionados en perfecto equilibrio. Las revoluciones bajan a consecuencia del pausado riff de batería que propone “Small World”, una canción carente de energía, pero que suple su falta de potencia con su excelente instrumentación. El cierre de la placa corre por cuenta de “Death Of A Rude Boy”, el primer tema que se dio a conocer y que presenta un cierto matiz oscuro y fúnebre, obteniendo excelentes dividendos de su llamativa melodía.

El álbum incorpora tres bonus track, el primero de ellos es “Powder Blue”, una delicada pieza que saca provecho de los sonidos más finos y sensibles, configurando una de las canciones más hermosas del disco. “Black And Blue” inyecta una buena dosis de energía e intensidad, apoyado en el dinámico ritmo del teclado y la trompeta. El último corte corresponde a un mix del tema “My Girl2”, realizado por Charlie Andrew y Clive Langer.

“Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da” es el mejor testimonio de una banda que no teme incursionar en diferentes estilos, pero que aún así se mantiene fiel a su sello característico. Madness demuestra con este nuevo trabajo que se encuentra más vigente que nunca y que no importa mucho esperar tres años, cuando la recompensa llega de la mano de un disco tan bien estructurado, no destacando por su dinamismo e intensidad, sino más bien por su innata capacidad de combinar múltiples elementos y hacerlos funcionar en perfecta armonía.

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1 Comentario

1 Comentario

  1. monkeyman

    06-Dic-2012 en 2:13 pm

    Me gusto mucho el disco de hecho Madness no me defrauda fuel a su estilo . Espero que pronto vengan a chile para bailar ska!!!!

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El Álbum Esencial: “Undertow” de Tool

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Undertow

La portada de todo álbum debiese generar impresiones anticipadas sobre el contenido que este alberga. Bajo esa lógica, ver esa especie de caja torácica roja –que en primera instancia tendría a una mujer obesa y desnuda dentro de ella, pero fue censurada– delante de un fondo negro, no puede más que desconcertar. Si a eso se le suma el intrigante título, “Undertow” (“Resaca” en inglés), esto sólo pude verse potenciado. La estética visual de todo esto simplemente respondía a la proyección del vivo reflejo de la música de Tool. Agonía y desconcierto, no existe otra forma de describirles.

Sin duda alguna, aquello que encierra esta criptica iconografía y perfora nuestro cerebro desde los oídos es difícil de clasificar para la época, o incluso hoy por hoy. A mediados de los 90, todo lo que sonara más o menos distorsionado solía ser etiquetado de grunge o, en el mejor de los casos, como rock alternativo. Pero acá había una diferencia: el uso que se dio a la oscuridad. No hablamos del manto de sombras melancólicas que rodeaba al común de la música de la denominada Generación X, sino que de una penumbra mucho más densa que se manifestaba mediante una catarsis brutal. Pese a su crudeza y visceralidad, también encontramos niveles de introspección y sutileza muy alejados de los márgenes de la escena de la costa oeste estadounidense.

Es habitual que los álbumes debut de una banda expongan una continuidad estética en referencia a los demos, cosa que acá no ocurre. “Undertow”, para ser el primer larga duración, es sumamente complejo, pues marca un temprano punto de inflexión en el trabajo de los oriundos de Los Angeles, cosa que en otras agrupaciones ocurre entrada la discografía. Hay acá una sonoridad mucho más oscura, la que comienza a reemplazar progresivamente el rock más frontal y acelerado presente en el EP “Opiate” (1992). Los temas de tres minutos en donde se lograba apreciar la influencia hardcore que posee la banda, comenzaron a alargarse hasta los seis o más debido a un aumento de versatilidad en las estructuras de cada canción, en donde los pasajes instrumentales empezaron a tomar cada vez mayor relevancia. Comenzaban así a ganarse paulatinamente la etiqueta de “progresivos” y vaya que lo merecían.

Aunque pudiese ser paradójico, la guitarra de Adam Jones no se caracteriza por exponer las destrezas sobrehumanas con las que se está habituado en la mayoría de las bandas denominadas como metal progresivo, aun así, demuestra una técnica inconfundible, en donde el juego entre tonalidades densas y frecuencias que bordean la estridencia entregan diferentes matices a las composiciones. “Bottom”, tema en donde colabora el eterno Henry Rollins, es quizás el más claro reflejo de esto. Por su parte, el trabajo en el bajo de Paul D’Amour suena de forma penetrante y aguerrida, batallando el protagonismo rítmico y melódico en cada compás. La potencia y misticismo de “Flood” se debe en gran medida a la labor de este instrumento. Mismo misticismo que –con vidente de por medio– rodea la salida del bajista tras una gira por Europa promocionando el disco. En el futuro no lejano, sería el británico Justin Chancellor quien se haría cargo de las frecuencias bajas hasta la actualidad.

Si bien, en los instrumentos de cuerdas no podemos apreciar una técnica elevada como lo demandaría el género progresivo, aquello sí se puede hallar en la percusión. Probablemente, la rítmica que impone Danny Carey es el componente más experimental de la propuesta de Tool en sus inicios. Aunque aún no incorporan estructuras demasiado complejas como en posteriores discos, es notoria la variabilidad de los tiempos y la sagacidad con la que se pasea por la batería. Prueba de ello son temas como “Intolerance” o “Swamp Song”. Punto aparte también es el poderoso registro vocal del hoy endiosado Maynard James Keenan, clave para dar forma al tema homónimo del disco, en donde es capaz de saltar de fraseos melodiosos a desgarradores gritos, pasando por diabólicos arrullos con una facilidad inexplicable. Además, durante la promoción del álbum ya comenzaba a dar cuenta de esta particular visión del espectáculo, dado su singular desplante escénico.

Pese a que Tool suele ser clasificado como metal progresivo, en “Undertow” lo vanguardista está en mantener elementos minimalistas al alero de una gran sensibilidad instrumental. Es cosa de escuchar temas que quizás pasan más desapercibidos, como “Crawl Away” o “Swamp Song”, para dar cuenta de aquello, y ni hablar de temas como “4°” y “Flood”, que empezaban a dar pequeños, pero ahora evidentes indicios del camino que la banda tomaría en sus posteriores discos. Quien haya escuchado los casi 16 minutos de “Disgustipated” y diga que no es vanguardista, debe comenzar a cuestionar sus concepciones del mundo.

En cuanto a sencillos, el primer LP de la banda nos entrega “Sober” y “Prision Sex”, los cuales fueron acompañados de perturbadores videoclips promocionales, dirigidos por el mismo Adam Jones. El primer tema, en un ejercicio sublime de minimalismo al ser guiado por una secuencia repetitiva de tan sólo dos acordes, nos habla de la adicción del alcohol –incorporando la concepción cristiana del pecado–. Mientras tanto, el segundo relata la brutalidad de la violación infantil. Este último, dado lo tétrico de las imágenes y la crudeza de su letra, fue duramente censurado por las cadenas televisivas de música, pero como ha ocurrido a lo largo de la historia, el morbo ante lo prohibido sólo ayuda a atraer nuevos adictos e incrementar el peso de los cultos.

Así es como “Undertow”, con todos sus componentes, establece los cimientos de la catedral que posteriormente construiría Tool, dando pie para un largo legado que sigue influenciando a un sinfín de bandas de diversos estilos. Si bien, suele ser denostado por ser el disco menos experimental de la banda y, por ende, el con menos teorías conspirativas alrededor de él, su sonido más duro ha ayudado a consolidar a un grupo no menor de fanáticos de esta obra, quienes incluso profesan que este es el mejor de todos los lanzamientos del grupo. Pero ¿puede segmentarse la discografía de Tool y no comprenderla como un todo? ¿Hay realmente un mejor Tool? Preguntas tan complejas como sus respuestas y el objeto al que apuntan.

De todas formas, sí se puede asegurar algo: ser fan de Tool es probablemente uno de los actos de masoquismo más grandes dentro de la ya auto flagelante vida de los melómanos –podría incluirse dentro de esta patología el ser fan de Radiohead; si se es de ambos, el diagnostico debe ser crítico–. Y es que sentir atracción por aquello que no logramos comprender, por aquello que nos desestabiliza mentalmente por no poder apropiárnoslo, debe ser uno de los males más viejos de la historia de la humanidad. Aquel primer trago de la banda, sin duda, ha generado una resaca que sigue palpitando en nuestras cabezas. Lo único que se espera es mantenerla hasta que Maynard y compañía nos entreguen una nueva dosis de su tan ansiado licor.


Artista: ToolUndertow

Disco: Undertow

Duración: 69:13

Año: 1993

Sello: Zoo Entertainment


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