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Madness – Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da

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Tuvieron que pasar tres años desde el lanzamiento de “The Liberty Of Norton Folgate” (2009) para conocer nuevo material de Madness, y al parecer la espera ha valido la pena. “Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da” es el décimo álbum de estudio de los británicos, el cual será editado bajo el propio sello discográfico de la banda, Lucky Seven Records, y en donde por primera vez en su trayectoria se distribuyen las tareas de producción en una constelación de célebres personajes, Owen Morris (Oasis, The Verve), Liam Watson (The White Stripes), Stephen Street (The Smiths, New Order, Blur), Clive Langer (Elvis Costello) y Charlie Andrew. Lo primero que llama la atención de esta nueva placa es su portada, la cual fue diseñada por el renombrado artista Sir Peter Thomas Blake, el mismo que colaboró con el artwork del clásico álbum de The Beatles: “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” (1967).

“My Girl 2”es el tema encargado de abrir el disco y también su segundo sencillo, el cual desde sus primeros acordes, propone una melodía lúdica y liviana que, apoyada en su medio tiempo y pegajoso estribillo, la convierten en una sólida carta de presentación. El álbum continúa con la delicada “Never Knew Your Name”, una hermosa pieza que destaca por su instrumentación, donde resalta el sonido del piano y el saxofón, que funcionan en perfecta armonía con la característica voz de Graham McPherson. Las trompetas marcan la introducción de “La Luna”, una canción con evidentes tintes latinos, cuyos matices se acercan a la rumba, teniendo como resultado una propuesta bastante atractiva. “How Can I Tell You?”, de la mano del sensible sonido del vibraphone, mantiene la tendencia a los pasajes más relajados, pero crece en intensidad y velocidad a medida que se desarrolla. Llega el turno de “Kitchen Floor”, sin lugar a dudas uno de los mejores cortes del disco, que llena la atmósfera de jazz y una agradable melodía.

En “Misery” hace su aparición el entretenido ritmo ska, con secuencias llenas de energía y dinamismo, que perfectamente podrían servir para ambientar un número circense. “Leon” se fundamenta en el sonido del piano, ofreciendo una entretenida pieza, adornada en su justa medida por el ritmo de la trompeta y precisos cambios de intensidad. Tras un comienzo prometedor, “Circus Freaks” cae presa de una melodía monótona que no aporta al desarrollo del álbum, convirtiéndolo en quizás el único track descartable. “So Alive” trae de vuelta los elementos clásicos de Madness, con pasajes llenos de entusiasmo e intensidad, fusionados en perfecto equilibrio. Las revoluciones bajan a consecuencia del pausado riff de batería que propone “Small World”, una canción carente de energía, pero que suple su falta de potencia con su excelente instrumentación. El cierre de la placa corre por cuenta de “Death Of A Rude Boy”, el primer tema que se dio a conocer y que presenta un cierto matiz oscuro y fúnebre, obteniendo excelentes dividendos de su llamativa melodía.

El álbum incorpora tres bonus track, el primero de ellos es “Powder Blue”, una delicada pieza que saca provecho de los sonidos más finos y sensibles, configurando una de las canciones más hermosas del disco. “Black And Blue” inyecta una buena dosis de energía e intensidad, apoyado en el dinámico ritmo del teclado y la trompeta. El último corte corresponde a un mix del tema “My Girl2”, realizado por Charlie Andrew y Clive Langer.

“Oui Oui Si Si Ja Ja Da Da” es el mejor testimonio de una banda que no teme incursionar en diferentes estilos, pero que aún así se mantiene fiel a su sello característico. Madness demuestra con este nuevo trabajo que se encuentra más vigente que nunca y que no importa mucho esperar tres años, cuando la recompensa llega de la mano de un disco tan bien estructurado, no destacando por su dinamismo e intensidad, sino más bien por su innata capacidad de combinar múltiples elementos y hacerlos funcionar en perfecta armonía.

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Florence + The Machine – “Dance Fever”

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Dance Fever

“Dance Fever”, el nuevo disco de Florence + The Machine, funciona al menos en dos niveles: por una parte, y como su nombre lo indica, es una declaración de amor al baile y a la música en general y, por otra, podemos considerarlo como una especie de diario o crónica de la pandemia, con el encierro como uno de sus motivos principales. Lo anterior lo vuelve en un disco intimista por momentos, mientras que en otros parece abrirse hacia el afuera, como si de un momento a otro la cuarentena hubiera acabado. Esto también genera varios contrastes entre las dos caras presentadas, condición dual que parece verse acrecentada por el hecho de que el disco cuente con dos productores, quienes se ven cada uno asociado a una de estas facetas del disco respectivamente.

En lo relacionado estrictamente al sonido, hay canciones donde las guitarras juegan un rol más protagónico que en sus discos anteriores, imponiéndose sobre los pianos que marcaban a sus predecesores. Hay momentos en los que la voz de Florence está apenas acompañada por instrumentación, como en algunos pasajes de “Free”, o más notablemente en “Back In Town”, donde de la voz adquiere un indisputado protagonismo, irguiéndose épica e íntima a la vez, casi como un discurso religioso o una confesión. Este dejo espiritual es algo que también atraviesa al álbum en su totalidad, como lo demuestran “Girls Against God”, “Dream Girl Evil” y “Prayer Factory”. La primera es una canción pandémica, donde, desde las cosas cotidianas, la voz se queja a Dios por la situación de encierro que la aleja de su vida creativa; “Dream Girl Evil”, por su parte,  se enlaza con “King” (que abre el disco) al tratar ambas de las ideas que la sociedad impone a las mujeres, “King” refiriéndose sobre todo a la maternidad versus la carrera artística (“No soy madre / No soy novia / Soy rey”), mientras la otra funciona irónicamente, y donde Florence asume las cargas negativas impuestas y las subvierte para hacerlas propias.

La que parece abrir una nueva sección del disco es “Cassandra”, con un acercamiento al mito griego relacionándolo con la pandemia del Covid-19. El track también recupera el tópico de la música como un espacio curador y necesario para la artista, motivo ya tratado en “King”, “Free” y “Choreomania”, aunque esta vez centrado específicamente en la conexión música-espectador. Si aquí vemos a una Florence alejada de su capacidad de relacionarse con el público por las condiciones del encierro, esto se profundiza en “Heaven Is Here”, una canción que no llega a los dos minutos de duración, pero que condensa buena parte de lo que “Dance Fever” tiene para ofrecer: preguntas sobre la espiritualidad y la religión, cuestionamiento de lo asociado a lo femenino y la relevación de la música como parte fundamental de la persona de Florence: “Y cada canción que escribí se convirtió en una cuerda de escape / Atada alrededor de mi cuello para llevarme al cielo”. “Daffodill” cierra esta tríada con una especie de renacimiento de la artista; también inspirada parcialmente en la mitología griega, esta parece ser el renacimiento de la compositora como una figura poderosa y sobrenatural, todo en relación con la música, haciéndose mítica a sí misma.

“My Love” es el corte más típicamente bailable, donde el sonido parece un poco fuera de lugar con el ánimo que venía arrastrando el disco, pero que, aun así, mantiene el tono en lo que a la letra respecta. De esta forma, la canción se levanta como el momento más cercano a un pop de radio y fiestas, pero con una Florence cantando acerca de la imposibilidad de encontrar un lugar donde depositar el amor que siente, asociado esto nuevamente a la condición del encierro obligatorio. “The Bomb” vuelve a la pausada intimidad de los primeros cortes para hablar de la incapacidad de encontrar lugares o personas adecuadas donde llevar estos sentimientos, en una confesión de los problemas de la artista para poder establecer relaciones reales y duraderas. En la misma tónica, llegamos al final del disco con “Morning Elvis”, que nos relata una pequeña anécdota de Florence no siendo capaz de ir a Graceland para ver la tumba de Elvis Presley debido a una terrible resaca. Aquí se hace un paralelismo entre la figura del “Rey del Rock” y la propia Florence, ambos retratados en su carácter de estrellas con problemas de adicción, una con mejor final que el otro, esto gracias a la relación con la música que una vez más se muestra como la salvadora a un nivel personal de la artista.

“Dance Fever” es un disco que funciona perfectamente en lo que se propone, en el que, sin embargo, hay un par de momentos que parecen no estar del todo bien incorporados a la totalidad del álbum. Más allá de esto, el quinto larga duración de Florence + The Machine es una gran demostración de su talento y versatilidad, lo que dejará contentos tanto a sus fans ya convencidos como a quiénes no estén tan familiarizados con la obra de la artista inglesa y sus músicos.


Dance FeverArtista: Florence + The Machine

Disco: Dance Fever

Duración: 47:12

Año: 2022

Sello: Polydor


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