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Machine Head – “Catharsis”

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En este espacio siempre se ha destacado a aquellos artistas que salen de su zona de confort para explorar parajes nuevos. Se han escrito líneas de reconocimiento cuando grupos experimentan con sonidos que quizás le son ajenos y salen airosos. Y es que aquella inquietud mantiene viva la llama de la música. La eterna repetición tiende a asfixiar la creatividad, no obstante, se está lejos de creer que toda búsqueda sin más produce buenos resultados toda vez que esta debe ir necesariamente con el sello personal del artista, algo que comúnmente se conoce como “estética”, que es la forma en la que este canaliza los elementos que va encontrando en su experimentación. Bandas como Opeth, Mastodon o los mismos Metallica son excelentes ejemplos en el metal de reinvención musical sin perder la mirada propia. Ahora bien, lamentablemente, “Catharsis”, el último disco de Machine Head, siendo también una apuesta de Robb Flynn, no es posible ponerlo en esa misma categoría, pues falla en muchos sentidos.

De partida, existe un elemento que subyace todo el álbum: la figura del frontman que se entromete en cada minuto sin respetar la estética que antes se reseñaba. Pareciera ser que no hubo ninguna clase de discriminación de qué suena bien o mal al momento de componer y grabar, y eso es grave, toda vez que –sin temor a equívocos– existen canciones que nunca debieron ser consideradas para el LP y otras que, si bien tienen potencial, caen por la falta de contención del líder de la banda.

Entre las primeras está “Bastards”. El folk anti-Trump de Flynn sonaba bien cuando fue lanzada en YouTube un día después de la elección estadounidense, entendiéndose como rabia espontánea del artista. No obstante, la versión del disco está terriblemente producida, pues su estilo se asemeja más a Tenacious D que a un intento genuino por provocar un himno contra el conservadurismo. Qué decir del impulso rap metal tipo Emmure o Attila en “Triple Beam”, la que, si bien entretiene, en términos estilísticos es pobre y de ninguna manera se condice con el catálogo de la banda. Existen otras canciones cuya falla radica en las letras y la tonalidad de Flynn. “California Bleeding” no deja de ser interesante, pero el ímpetu de Robb en la melodía punk pop y letra, sin ningún tipo de cedazo, la hace ser casi risible. Y es que sólo el poder absoluto del cantante explica que ninguno de los otros tres integrantes se haya opuesto a frases sin contexto como “me hicieron sexo oral bajo el cartel de Fresno” o “estoy comiendo vagina en un basurero” (en el insulso homenaje a Lemmy en “Razorblade Smile”).

En otro plano, la carencia de depuración hace que algunos temas rocen el plagio, aun cuando musicalmente son buenos. El riff principal de “Beyond The Pale” es idéntico al de “Love?” de Strapping Young Lad, el de “Volatile” similar al de “Cleansation” de Chimaira, el coro de “Grind You Down” al de “No Life” de Slipknot. Y así, lo que pudieron haber sido canciones decentes se ven estropeadas. Por otro lado, existe un ingente número de temas insípidos que nada aportan al historial formidable de la banda, como la genérica y ya señalada “Grind You Down”, la aburrida “Psychotic” o la etérea “Eulogy”, confirmando así la falta de dirección del álbum.

En cualquier caso, y más allá de las malas decisiones, el talento de la banda se mantiene intacto. Los solos de Phil Demmel, los beats de Dave McClain, la impresionante segunda voz de Jared MacEachern (quien brilla en la accesible “Screaming At The Sun”) y, por qué no, la fuerza incombustible de Flynn, recrean espacios sonoros que valen la pena escuchar, como  en la intensidad de “Heavy Lies The Crown”, en donde además el dramatismo teatral se canaliza de manera apropiada; en la innovación acústica de la excelente “Behind A Mask”; en la buena factura de “Hope Begets Hope” o en el aura progresiva más melódica del tema “Catharsis”. En otras palabras, la capacidad no se ha ido, sólo que se aplicó en forma errónea.

Robb Flynn había anticipado que “Catharsis” sería el disco más melódico de Machine Head y eso mantenía la expectación sobre qué harían cuatro grandes músicos en un plano distinto en el que se desenvuelven. Lo que no advirtió fue que su excelsa personalidad inundaría cada rincón del disco, transformándolo a veces en una bacanal sonora sin guion ni relato. En ese sentido, uno eventualmente puede disfrutar “Catharsis”, pero a la larga cansa, y por eso será una de las decepciones del año.


Artista: Machine Head

Disco: Catharsis

Año: 2018

Duración: 74:26

Sello: Nuclear Blast


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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