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Lou Barlow – Brace The Wave

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La idea de una carrera solista, por lo general, persigue el ideal de desmarcarse de un sonido cultivado en la banda madre, para explorar nuevos estilos y dejar fluir la creatividad sin exponerse al duro análisis de la opinión pública, ni tampoco dar pie para que la frase “su estilo ha cambiado” esté en boca de todos luego de un nuevo trabajo discográfico. Lou Barlow sí que sabe de proyectos alternos; además de su trabajo en Dinosaur Jr., el músico ha cosechado éxitos con Sebadoh y una carrera solista que ha pasado por varios nombres. Amparado bajo su nombre real, el oriundo de Dayton, LOU BARLOW 01Ohio, entrega en “Brace The Wave” una magistral obra lo-fi, estilo que ha desarrollado desde sus inicios, llegando a considerársele uno de sus pioneros.

Ese sonido lo-fi que tanto lo caracteriza queda manifestado desde el primer track del álbum, “Redeemed”, logrando capturar e introducir la premisa general de este trabajo: un disco íntimo y casi amateur. Durante todas las canciones, el músico va contando historias, dejando la sensación de que le canta personalmente al oyente, como si éste lo tuviera a su lado en una habitación. A pesar de su esencia más “básica”, los instrumentos como el teclado logran acompañar a la guitarra de una manera amena y sólida, con estructuras muy complementadas con el coro de cada canción, como se puede apreciar en “Nerve” y “Moving”.

Es evidente cómo Barlow intenta salir de toda esa distorsión y furia presente en los álbumes de Dinosaur Jr. Al igual que su compañero de banda, J Mascis, intenta explorar en sonidos más acústicos y cercanos al country, como en “Pulse” y “Wave”, track que se define como una versión “desenchufada” de Dinosaur Jr., algo que se nota en la forma que la canción se desarrolla.

Esa paz que reina el álbum hasta este punto se mantiene en “Lazy”, aunque se ve interrumpida por estruendosos acordes que le entregan una intensidad notable, manteniendo el ritmo en “Boundaries”, LOU BARLOW 02donde el teclado se impone hacia el final, mezclándose con la crudeza de la guitarra eléctrica. La tranquilidad regresa, para despedir el disco, con “C + E” y “Repeat” siendo las encargadas de aquello, aunque funcionan más que nada como un encore, ya que el verdadero final es el track anterior, que pone el broche de oro a este combo sonoro de baja fidelidad.

Cuando un músico es versátil, se puede pasear por todos los estilos y sonidos que quiera. Le ha pasado a la gran mayoría, y Lou Barlow no es la excepción. Si bien mantiene un sello acorde a sus dos proyectos más importantes, la intimidad de este disco le permite ratificar su honor como uno de los compositores más destacados de la música indie, cosa que ha sido elogiada por los pares de su época. Los 90 fueron años donde todos perseguían la misión de entregar un mensaje mediante el caos y la distorsión, por ello no sorprende que hoy en día, muchos años después, todos esos –alguna vez- jóvenes estén entregando discos tan íntimos y relajados, y más importante aún, sin perder el sello que los caracteriza, demostrando porqué son los pioneros de un estilo que cambió los parámetros de cómo hacer música.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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