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Lou Barlow – Brace The Wave

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La idea de una carrera solista, por lo general, persigue el ideal de desmarcarse de un sonido cultivado en la banda madre, para explorar nuevos estilos y dejar fluir la creatividad sin exponerse al duro análisis de la opinión pública, ni tampoco dar pie para que la frase “su estilo ha cambiado” esté en boca de todos luego de un nuevo trabajo discográfico. Lou Barlow sí que sabe de proyectos alternos; además de su trabajo en Dinosaur Jr., el músico ha cosechado éxitos con Sebadoh y una carrera solista que ha pasado por varios nombres. Amparado bajo su nombre real, el oriundo de Dayton, LOU BARLOW 01Ohio, entrega en “Brace The Wave” una magistral obra lo-fi, estilo que ha desarrollado desde sus inicios, llegando a considerársele uno de sus pioneros.

Ese sonido lo-fi que tanto lo caracteriza queda manifestado desde el primer track del álbum, “Redeemed”, logrando capturar e introducir la premisa general de este trabajo: un disco íntimo y casi amateur. Durante todas las canciones, el músico va contando historias, dejando la sensación de que le canta personalmente al oyente, como si éste lo tuviera a su lado en una habitación. A pesar de su esencia más “básica”, los instrumentos como el teclado logran acompañar a la guitarra de una manera amena y sólida, con estructuras muy complementadas con el coro de cada canción, como se puede apreciar en “Nerve” y “Moving”.

Es evidente cómo Barlow intenta salir de toda esa distorsión y furia presente en los álbumes de Dinosaur Jr. Al igual que su compañero de banda, J Mascis, intenta explorar en sonidos más acústicos y cercanos al country, como en “Pulse” y “Wave”, track que se define como una versión “desenchufada” de Dinosaur Jr., algo que se nota en la forma que la canción se desarrolla.

Esa paz que reina el álbum hasta este punto se mantiene en “Lazy”, aunque se ve interrumpida por estruendosos acordes que le entregan una intensidad notable, manteniendo el ritmo en “Boundaries”, LOU BARLOW 02donde el teclado se impone hacia el final, mezclándose con la crudeza de la guitarra eléctrica. La tranquilidad regresa, para despedir el disco, con “C + E” y “Repeat” siendo las encargadas de aquello, aunque funcionan más que nada como un encore, ya que el verdadero final es el track anterior, que pone el broche de oro a este combo sonoro de baja fidelidad.

Cuando un músico es versátil, se puede pasear por todos los estilos y sonidos que quiera. Le ha pasado a la gran mayoría, y Lou Barlow no es la excepción. Si bien mantiene un sello acorde a sus dos proyectos más importantes, la intimidad de este disco le permite ratificar su honor como uno de los compositores más destacados de la música indie, cosa que ha sido elogiada por los pares de su época. Los 90 fueron años donde todos perseguían la misión de entregar un mensaje mediante el caos y la distorsión, por ello no sorprende que hoy en día, muchos años después, todos esos –alguna vez- jóvenes estén entregando discos tan íntimos y relajados, y más importante aún, sin perder el sello que los caracteriza, demostrando porqué son los pioneros de un estilo que cambió los parámetros de cómo hacer música.

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Triggerfinger – “Colossus”

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Colossus

Están por cumplir 20 años de carrera. Dos décadas que parecen mucho y poco al mismo tiempo. Triggerfinger es una banda que, con cinco discos a cuestas, nada tiene que demostrar y que, sin embargo, no ha logrado encontrar el punto de despegue para llegar a la cima y codearse con los más grandes de la escena (no siendo teloneros, claro está). Pero ¿qué los hace tan especiales? No son genios incomprendidos ni nada por el estilo; de hecho, su sonido es muy fácil de digerir, sin que ello implique falta de originalidad o de agudeza creativa.

El stoner rock y el rockabilly son los componentes que perfilan la fórmula de este power trio oriundo de Bélgica, siendo un buen punto de referencia la semejanza estilística que comparte con Queens Of The Stone Age: ambas agrupaciones nacieron por la misma época, tienen una estética retro, y las dos son insolentemente seductoras y onderas. Esto último evidenciado por sus respectivos frontman, ya que, así como Josh Homme posee un carisma desbordante, Ruben Block no se queda corto, derrochando presencia escénica por montones.

El post punk se hace presente en “Colossus”, canción que da el nombre a este álbum. Parte enérgico y crudo, con la particularidad de que acá intervienen dos bajos, uno de ellos afinado lo más agudo posible buscando reemplazar a la guitarra, tarea que estos belgas cumplen satisfactoriamente. “Flesh Tight” es de esos temas que de lejos se nota que son singles: cuenta con una estructura rítmica y melódica que la hace en extremo pegadiza, adicionada a la incorporación de un teclado que, en contraste con la sugerente voz de Block, da como resultado una pieza que deja un halo siniestro escondido bajo una atmósfera retro. Muy rocanrolero.

“Candy Killer” emerge misteriosa y parsimoniosa, como aquella tranquilidad que antecede a la tormenta. Inicia con la ejecución del bajo de Paul Van Bruystegem, la que, a modo cortina sonora, mantiene la tensión y dramatismo hasta el final. Con “Upstairs Box” se manifiesta una mezcla de arreglos sesenteros de dos vertientes: por un lado se distinguen articulaciones psicodélicas procedentes de la guitarra de Block, y por otro, Mario Goossens prolonga el ritmo con una percusión al más estilo pop de antaño, elementos que se combinan armoniosamente.

“Afterglow” logra evocar pasajes crepusculares, es una pieza principalmente acústica, que destaca por su sedosidad melódica y su final, donde se desarrolla un desgarrador solo de guitarra. Después de este paréntesis auditivo, la potencia nuevamente adquiere ventaja. “Breathlessness” emerge con un aire brit, lo que, expresado a través de las seis cuerdas de Block, recuerda al inconfundible sonido de Oasis. “That’ll Be The Day” es otro de los temas que encuentran su mejor desarrollo en el coro, donde la cadencia sonora se transforma en un quiebre para una composición que tiene una estructura en base a sintetizadores y percusiones que emulan sonidos industriales. Mientras tanto, el bajo sigue siendo el que marca la pauta a través de intensos riffs. “Bring Me Back A Live Wild One” tiene buen pulso, posee algo de blues y de rock & roll, pero en una medida que le permite conservar su carácter moderno.

“Steady Me” parece sacado de una colección de lados B, o al menos no parece encajar con el esquema propuesto en este LP, jugando con el tempo, con los arreglos vocales y con distorsiones sonoras, una buena amalgama de sonidos que, lejos de asustar, se transforma en una buena forma de acercarse al término de esta lista de tracks. Acá estamos ante un desenlace por partida doble. Por un lado, “Wollensak Walk” se presenta en una pieza instrumental de blues que logra evocar parajes desérticos tipo western. Simple, pero muy efectivo; al menos ese es el final lógico. Sin embargo, 20 segundos después emerge el remate oficial disfrazado de pista oculta en una apología a la música campirana del sur de EE.UU, curiosa elección viniendo de una banda europea. Es tan hermosamente inesperado como “Das Schützenfest” de Faith No More.

Este último lanzamiento mantiene la esencia que Triggerfinger ha venido cultivando desde su debut en 2004 con su producción homónima, no obstante, aquellas experimentaciones que plasman casi al final de esta placa sugieren que existe un deseo que los empuja a salir de su zona de confort. Deseo que podría impulsar o sepultar su carrera. Sin embargo, estamos ante un disco fresco y versátil, cualidades que están lejos de ser tan solo muestra de su potencial. Han demostrado que saben cómo construir atmósferas, pues la gama de estilos presentes se logra cocinar bien en esta obra, donde lo stoner, lo ochentero, lo psicodélico y la sensualidad de la voz de Block se entrelazan, dando como resultado a este gigante, este coloso.


Artista: TriggerfingerColossus

Disco: Colossus

Duración: 36:23

Año: 2017

Sello: Mascot Records


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