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Lou Barlow – Brace The Wave

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La idea de una carrera solista, por lo general, persigue el ideal de desmarcarse de un sonido cultivado en la banda madre, para explorar nuevos estilos y dejar fluir la creatividad sin exponerse al duro análisis de la opinión pública, ni tampoco dar pie para que la frase “su estilo ha cambiado” esté en boca de todos luego de un nuevo trabajo discográfico. Lou Barlow sí que sabe de proyectos alternos; además de su trabajo en Dinosaur Jr., el músico ha cosechado éxitos con Sebadoh y una carrera solista que ha pasado por varios nombres. Amparado bajo su nombre real, el oriundo de Dayton, LOU BARLOW 01Ohio, entrega en “Brace The Wave” una magistral obra lo-fi, estilo que ha desarrollado desde sus inicios, llegando a considerársele uno de sus pioneros.

Ese sonido lo-fi que tanto lo caracteriza queda manifestado desde el primer track del álbum, “Redeemed”, logrando capturar e introducir la premisa general de este trabajo: un disco íntimo y casi amateur. Durante todas las canciones, el músico va contando historias, dejando la sensación de que le canta personalmente al oyente, como si éste lo tuviera a su lado en una habitación. A pesar de su esencia más “básica”, los instrumentos como el teclado logran acompañar a la guitarra de una manera amena y sólida, con estructuras muy complementadas con el coro de cada canción, como se puede apreciar en “Nerve” y “Moving”.

Es evidente cómo Barlow intenta salir de toda esa distorsión y furia presente en los álbumes de Dinosaur Jr. Al igual que su compañero de banda, J Mascis, intenta explorar en sonidos más acústicos y cercanos al country, como en “Pulse” y “Wave”, track que se define como una versión “desenchufada” de Dinosaur Jr., algo que se nota en la forma que la canción se desarrolla.

Esa paz que reina el álbum hasta este punto se mantiene en “Lazy”, aunque se ve interrumpida por estruendosos acordes que le entregan una intensidad notable, manteniendo el ritmo en “Boundaries”, LOU BARLOW 02donde el teclado se impone hacia el final, mezclándose con la crudeza de la guitarra eléctrica. La tranquilidad regresa, para despedir el disco, con “C + E” y “Repeat” siendo las encargadas de aquello, aunque funcionan más que nada como un encore, ya que el verdadero final es el track anterior, que pone el broche de oro a este combo sonoro de baja fidelidad.

Cuando un músico es versátil, se puede pasear por todos los estilos y sonidos que quiera. Le ha pasado a la gran mayoría, y Lou Barlow no es la excepción. Si bien mantiene un sello acorde a sus dos proyectos más importantes, la intimidad de este disco le permite ratificar su honor como uno de los compositores más destacados de la música indie, cosa que ha sido elogiada por los pares de su época. Los 90 fueron años donde todos perseguían la misión de entregar un mensaje mediante el caos y la distorsión, por ello no sorprende que hoy en día, muchos años después, todos esos –alguna vez- jóvenes estén entregando discos tan íntimos y relajados, y más importante aún, sin perder el sello que los caracteriza, demostrando porqué son los pioneros de un estilo que cambió los parámetros de cómo hacer música.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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