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Lorde – “Solar Power”

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En un mundo donde la información avanza aceleradamente, es comprensible la necesidad de desconectarse para escapar de una sociedad cada vez más autoconsumida por la inmediatez y la presión de cumplir expectativas. Bajo esos parámetros, la música no se ha visto ajena de aquello, y para un artista referente para la juventud como Lorde, eso genera una elección entre dos caminos bien claros: abrazar lo establecido y convertirse en una variante más de lo esperable, o ir contra la corriente optando por el desarrollo de una propuesta lejana a algoritmos o cánones preestablecidos. La neozelandesa opta por esta última con “Solar Power”, su tercer álbum de estudio, que la trae de regreso luego de su auto exilio tras completar la gira del aclamado “Melodrama” (2017), concentrándose en una movida arriesgada, pero no por eso menos efectiva, tanto lírica como musicalmente hablando.

Desde la recepción de los singles “Solar Power” y “Stoned At The Nail Salon” quedó claro que la artista iría por una vereda completamente diferente en este trabajo, optando por una visión optimista y luminosa sobre la vida en general, capturando en lo que llama un “disco de verano” todas las sensaciones de esa vida alejada del ajetreo, siempre en un aura bañada por el sol y por el agua refrescante de la playa. Esa vibra de libertad reconfigura muy bien los códigos de la era hippie con múltiples guiños a The Mamas & The Papas o el estructurado pop de ABBA, con una línea sonora fuertemente apoyada en la guitarra de Jack Antonoff (quien también sirvió como productor del LP) y un constante recorrido por líricas complejas e introspectivas, recalcando en todo minuto que, pese a las autorreferencias en ciertos puntos, esto no se trata de ella, tal como parte en “The Path” recitando decididamente: “Si buscas una salvadora, no soy yo”.

Atrás queda la producción más artificial presente en hitazos que son parte de “Pure Heroine” (2013) o su sucesor, dando así la bienvenida a un sonido mucho más orgánico, desarrollado y centrado completamente en sus elementos comunes, y en la forma en que Ella Yellich-O’Connor va relatando distintas historias de una manera distendida y mucho más madura que lo tenso o dramático de sus obras anteriores. De ahí se libera una serie de ejemplos, como “Fallen Fruit”, “Dominoes” o “The Man With The Axe”, donde llueven referencias a Laurel Canyon, el movimiento hippie o el pop de los 60 y 70, siempre de una forma que es capaz de encajar con las letras reflexivas o superficiales. Son esas reflexiones sobre la fama o la industria del wellness las que conviven con la tristeza al reflexionar sobre la devastación del mundo y la naturaleza, mensajes que saltan desde un punto a otro durante el disco sin mayores problemas. Si una cosa está claro, es que acá hay de todo.

Independiente de su estructura sencilla, este disco presenta múltiples puntos de vista en el ámbito cultural, social, medioambiental o espiritual. Puede que no haya canciones para la pista de baile, pero sí las hay para reflexionar, para abordar la naturaleza absurda de la vida moderna y sobre cómo debemos ir avanzando hacia nuevas configuraciones personal y colectivamente hablando. Ese elemento es algo perceptible incluso en momentos como “Big Star” o la satírica “Mood Ring” que, cuando todos piensan que echa abajo los conceptos del disco, lo que en realidad hace es aportar una imagen del panorama que está mal dentro de todo lo que este álbum establece, y es precisamente ahí donde está la gracia. No por nada “Oceanic Feeling” incluye una frase en directa alusión a “The Path” cuando Lorde canta: “Sabré cuando haya llegado el momento de quitarme la sotana y unirme al coro”, cerrando de manera cíclica el círculo que representa “Solar Power” y su recorrido por distintas sensaciones, pensamientos personales y miradas de la realidad.

Finalmente, todo se trata de los cuestionamientos, de cómo nos vemos afectados por los sucesos de nuestras propias vidas y nuestro alrededor. Siempre hay que buscar la forma de aceptarlo, de cómo responder esas preguntas que a veces parecen no tener respuesta. Sin duda que la pandemia ha generado una especial sobrecarga en la introspección con varias obras, sobre todo en la vereda del pop, pero mientras vemos a Billie Eilish simplemente haciendo el disco que quiso hacer, St. Vincent concentrándose en las influencias musicales que la moldearon, pero que pocas veces se notaban en su trabajo, o a Halsey reivindicando de una manera muy conceptual el poder de la maternidad, está claro que la sola idea de la estrella pop está obsoleta. Con ese mismo ejercicio, Lorde nuevamente sorprende entregando un trabajo donde aborda las temáticas que quiere y cómo quiere, estableciendo de una vez la línea que ya estaba tanteándose en “Melodrama” y dejándola como una de las compositoras más importantes de su generación, esa que a veces se le critica de superficial, pero que, en el fondo, tiene una consciencia por la sociedad y el entorno mucho más aterrizada.


Solar PowerArtista: Lorde

Disco: Solar Power

Duración: 43:09

Año: 2021

Sello: Universal


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The Mars Volta – “The Mars Volta”

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The Mars Volta

Difícilmente exista banda que lo haya inventado o interpretado todo, pero es complejo poder renovarse cuando prácticamente se ha abarcado todo lo permitido dentro de las posibilidades. Ese dilema es algo que, tarde o temprano, termina aquejando a las mentes maestras del progresivo, y si Steven Wilson ha sido capaz de cambiar su orientación sonora en su material solista al diferenciarse de Porcupine Tree, Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala han hecho lo mismo para no mancillar la etiqueta de rock progresivo de The Mars Volta al adentrarse en otros sonidos con proyectos como At The Dive-In, De Facto, Antemasque, Kimono Kult, Bosnian Rainbows y un sinfín de agrupaciones. Ahora, ambos músicos deciden renovar el sonido de un nombre tan querido como este, al romper cualquier parámetro preestablecido de su fórmula y hacer algo que se diferencie considerablemente de lo ofrecido hasta ahora.

Unos cuantos adelantos bastaron para alegrar a los fans respecto al regreso de The Mars Volta, pero no así para generar muchas expectativas ante su eventual nuevo disco de estudio. La última placa del conjunto hace ya una década, “Noctourniquet”, cumplió correctamente con los estándares esperables para un disco de la dupla Rodríguez-López y Bixler-Zavala, pero se alejó de ser una de las obras más recordadas de un proyecto cuyo catálogo ha entregado joyas sonoras y creativas. Incluso en un terreno tan extenso como el progresivo, la banda ya había abarcado bastante entre las múltiples opciones posibles, por lo que este regreso discográfico da en el clavo al adentrarse en algo que, hasta ahora, no habían explorado del todo: su propia versión del pop, como asegura la banda a la hora de etiquetar las radiales y estructuralmente accesibles melodías que ofrece este trabajo homónimo.

Es curioso que, siendo su séptimo álbum, recién sea el primero titulado sencillamente con el nombre de la agrupación, pero esa decisión se justifica al desentramar lo que refleja el disco, exponiendo un ejercicio de cómo The Mars Volta es una entidad que deconstruye, analiza y reestructura los cánones de diferentes géneros para ofrecer una versión de ellos con un giro de tuerca propio, ya sea en la intensa “Graveyard Love” o las reminiscencias latinas que ofrecen tracks como “Blacklight Shine” o “Que Dios Te Maldiga Mi Corazón”, cantada en español e inglés con una sutileza propia de la voz de Cedric, capaz de invocar una fuerza interpretativa que deambula entre distintos conceptos y metáforas, muchas veces de una explicación más compleja que la necesaria, como todo brillante trabajo abstracto. Aunque las letras sean mucho menos crípticas que de costumbre, el misterio de las oraciones recitadas casi como mantras repercute perfectamente en la impecable sección instrumental del disco.

De igual forma, esa propia versión del pop que menciona el dúo es algo que no termina de cuajar en algo derechamente mainstream, y esto se debe principalmente a la influencia de artistas como David Bowie o Peter Gabriel que han citado para este trabajo, centrándose en la capacidad que ambos tienen de crear un área gris en donde se mantengan en una posición al filo de la orientación más popular, pero con los elementos viejos de su etapa progresiva siempre ahí. “Shore Story” es, por ejemplo, una composición que perfectamente puede sonar en una radioemisora junto a artistas de música más alternativa, como Beach House, The xx o el icónico proyecto Bosnian Rainbows del propio Omar, mientras que “Cerulea” podría ser el track de descanso dentro de toda la intensidad contenida en un álbum de At The Drive-In. Y si bien no es una inspiración directa, el rock alternativo moderno se puede escuchar en canciones como “Flash Burns From Flashbacks” o “No Case Gain”, donde la elegancia de The Mars Volta evita que caigan en cualquier tipo de cliché o parodia. Finalmente, ejemplos como “Palm Full Of Crux”, “Equus 3” o el cierre con “Collapsible Shoulders” y “The Requisition”, evidencian algo concreto: la banda es capaz de refrescarse sin tomar prestado de manera excesiva.

Como todo buen disco de progresivo, la séptima placa de The Mars Volta es un trabajo de cocción lenta y una digestión incluso más pausada, debido a que los más reacios a salirse de la fórmula de guitarras, batería y cambios de ritmo a toda velocidad les costará enganchar con un trabajo que no transita entre la calma y la tempestad, sino que entre la intensidad y la elegancia de la interpretación, dando como resultado un sonido más aterrizado y robusto, sin exponer muchas fracturas en el camino. La fuerza creativa del dúo está más desatada que nunca y, aunque esos elementos comunes que se encuentran en todos sus proyectos siguen inevitablemente ahí, sí se desmarca por una serie de factores como un disco de The Mars Volta, donde la mejor forma en que la banda comprueba su identidad es en demostrar su inigualable manera de interpretar.


The Mars VoltaArtista: The Mars Volta

Disco: The Mars Volta

Duración: 44:45

Año: 2022

Sello: Clouds Hill


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