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Lorde – “Solar Power”

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En un mundo donde la información avanza aceleradamente, es comprensible la necesidad de desconectarse para escapar de una sociedad cada vez más autoconsumida por la inmediatez y la presión de cumplir expectativas. Bajo esos parámetros, la música no se ha visto ajena de aquello, y para un artista referente para la juventud como Lorde, eso genera una elección entre dos caminos bien claros: abrazar lo establecido y convertirse en una variante más de lo esperable, o ir contra la corriente optando por el desarrollo de una propuesta lejana a algoritmos o cánones preestablecidos. La neozelandesa opta por esta última con “Solar Power”, su tercer álbum de estudio, que la trae de regreso luego de su auto exilio tras completar la gira del aclamado “Melodrama” (2017), concentrándose en una movida arriesgada, pero no por eso menos efectiva, tanto lírica como musicalmente hablando.

Desde la recepción de los singles “Solar Power” y “Stoned At The Nail Salon” quedó claro que la artista iría por una vereda completamente diferente en este trabajo, optando por una visión optimista y luminosa sobre la vida en general, capturando en lo que llama un “disco de verano” todas las sensaciones de esa vida alejada del ajetreo, siempre en un aura bañada por el sol y por el agua refrescante de la playa. Esa vibra de libertad reconfigura muy bien los códigos de la era hippie con múltiples guiños a The Mamas & The Papas o el estructurado pop de ABBA, con una línea sonora fuertemente apoyada en la guitarra de Jack Antonoff (quien también sirvió como productor del LP) y un constante recorrido por líricas complejas e introspectivas, recalcando en todo minuto que, pese a las autorreferencias en ciertos puntos, esto no se trata de ella, tal como parte en “The Path” recitando decididamente: “Si buscas una salvadora, no soy yo”.

Atrás queda la producción más artificial presente en hitazos que son parte de “Pure Heroine” (2013) o su sucesor, dando así la bienvenida a un sonido mucho más orgánico, desarrollado y centrado completamente en sus elementos comunes, y en la forma en que Ella Yellich-O’Connor va relatando distintas historias de una manera distendida y mucho más madura que lo tenso o dramático de sus obras anteriores. De ahí se libera una serie de ejemplos, como “Fallen Fruit”, “Dominoes” o “The Man With The Axe”, donde llueven referencias a Laurel Canyon, el movimiento hippie o el pop de los 60 y 70, siempre de una forma que es capaz de encajar con las letras reflexivas o superficiales. Son esas reflexiones sobre la fama o la industria del wellness las que conviven con la tristeza al reflexionar sobre la devastación del mundo y la naturaleza, mensajes que saltan desde un punto a otro durante el disco sin mayores problemas. Si una cosa está claro, es que acá hay de todo.

Independiente de su estructura sencilla, este disco presenta múltiples puntos de vista en el ámbito cultural, social, medioambiental o espiritual. Puede que no haya canciones para la pista de baile, pero sí las hay para reflexionar, para abordar la naturaleza absurda de la vida moderna y sobre cómo debemos ir avanzando hacia nuevas configuraciones personal y colectivamente hablando. Ese elemento es algo perceptible incluso en momentos como “Big Star” o la satírica “Mood Ring” que, cuando todos piensan que echa abajo los conceptos del disco, lo que en realidad hace es aportar una imagen del panorama que está mal dentro de todo lo que este álbum establece, y es precisamente ahí donde está la gracia. No por nada “Oceanic Feeling” incluye una frase en directa alusión a “The Path” cuando Lorde canta: “Sabré cuando haya llegado el momento de quitarme la sotana y unirme al coro”, cerrando de manera cíclica el círculo que representa “Solar Power” y su recorrido por distintas sensaciones, pensamientos personales y miradas de la realidad.

Finalmente, todo se trata de los cuestionamientos, de cómo nos vemos afectados por los sucesos de nuestras propias vidas y nuestro alrededor. Siempre hay que buscar la forma de aceptarlo, de cómo responder esas preguntas que a veces parecen no tener respuesta. Sin duda que la pandemia ha generado una especial sobrecarga en la introspección con varias obras, sobre todo en la vereda del pop, pero mientras vemos a Billie Eilish simplemente haciendo el disco que quiso hacer, St. Vincent concentrándose en las influencias musicales que la moldearon, pero que pocas veces se notaban en su trabajo, o a Halsey reivindicando de una manera muy conceptual el poder de la maternidad, está claro que la sola idea de la estrella pop está obsoleta. Con ese mismo ejercicio, Lorde nuevamente sorprende entregando un trabajo donde aborda las temáticas que quiere y cómo quiere, estableciendo de una vez la línea que ya estaba tanteándose en “Melodrama” y dejándola como una de las compositoras más importantes de su generación, esa que a veces se le critica de superficial, pero que, en el fondo, tiene una consciencia por la sociedad y el entorno mucho más aterrizada.


Solar PowerArtista: Lorde

Disco: Solar Power

Duración: 43:09

Año: 2021

Sello: Universal


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Halsey – “If I Can’t Have Love, I Want Power”

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If I Can't Have Love, I Want Power

Es imposible no cruzar la situación mundial con cada disco que aparece en las plataformas de streaming y ver si las angustias, nudos, indignaciones y debilidades aparecen en el sonido, en las letras, en alguna parte; ver si las emociones de los individuos también llegan a ser las del arte. En general lo han sido, y por ello el último par de años, contra todo pronóstico, ha entregado consistencia de múltiples orígenes, pero pocos artistas se plantean de forma tan honesta ante las vulnerabilidades como Halsey, y si su apertura prepandémica en el implacable “Manic” (2020) ya removía cimientos, era una aventura morbosa, pero innegable ver cómo la letrista más clara en el pop iba a enfrentar este contexto.

Lo primero que se nota es que el pop ya le quedó chico, con su definición artística abriéndose al rock, la electrónica y lo industrial en su cuarto álbum, “If I Can’t Have Love, I Want Power”, donde, pese al gran sonido que se alcanza, son las canciones y lo que estas cuentan lo que más brilla. Sí, es un disco producido y coescrito con la dupla maravilla de soundtracks y Nine Inch Nails, Trent Reznor y Atticus Ross, pero como el propio autor de “Broken” dijo, las canciones ya venían con todos estos elementos impresos desde los primeros demos de Halsey, quien se enfrentó al síndrome del impostor e hizo el disco que siempre quiso hacer.

Paseándose entre pop de cámara (“The Tradition”), pop industrial (“Bells In Santa Fe”), rock alternativo (“Easier Than Lying”) y un trip hop seductor (“Lilith”), Halsey ocupa menos de 15 minutos en instalar un camino que, más que tomarse un sonido, lo utiliza al servicio de los temas que canta, entre el terror y la atracción a los desastres que pasan en la vida, a las malas decisiones, a la falta de seguridad en sí misma. Halsey siempre ha hablado de estos temas, pero hábilmente da un paso atrás en el nivel de transparencia y detalle. Si en álbumes anteriores regalaba detalles que convertían las emociones en situaciones específicas para sí, ahora las canciones son más universales, más generales, sin abandonar el filo de la verdad con la que están escritas. “Girl Is A Gun” o “I Am Not A Woman, I’m A God” no son sólo los tracks más probables como singles del disco, sino que también muestran cómo Halsey no abandona la precisión en su composición sólo por usar sentimientos generales.

“If I Can’t Have Love, I Want Power” fue definido por su creadora como una muestra de las sensaciones que su embarazo y la posición de lo femenino como algo digno de subvertir o de interpelar, pero esto no es tan logrado en las canciones, como sí lo es probablemente en la película que acompaña a este lanzamiento (lamentablemente, no disponible en Chile). Lo que sí se logra es entregar esas sensaciones en constante choque, que tan familiares resultan en un contexto crudo como es el de una pandemia que sigue extendiéndose. Halsey, de todas maneras, también logra otra revolución: volverse artista inclasificable, eligiendo referencias del rock, e incluso colaboraciones desde ese mundo, como Dave Grohl en la intensa “Honey”, Lindsey Buckingham en la preciosa “Darling”, Dave Sitek en la garbagesca “You Asked For This”, y Dino Palladino con un bajo lleno de groove en “Lilith”.

Lo que brilla en un álbum preciso, universal, potente, feminista, aunque también desde la individualidad innegable de los encierros y las reflexiones, es la forma en que Halsey escarba en las emociones. En “If I Can’t Have Love, I Want Power” encontramos parte de las canciones que mejor describen la confusión de estos tiempos, en clave pop, en clave rock, y en la que quiera, porque demuestra en su cuarto capítulo que no hay elemento más importante que la composición y la honestidad de hacer lo necesario para evitar encierros. De esos, ya tenemos suficientes.


If I Can't Have Love, I Want PowerArtista: Halsey

Disco: If I Can’t Have Love, I Want Power

Duración: 42:52

Año: 2021

Sello: Capitol


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