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Lingua Ignota – “CALIGULA”

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No es fácil confrontar una obra cuando esta contiene un carácter tan personal y exigente, lo que compromete aún más el rol que cumple el auditor a la hora de receptar y descifrar el mensaje que el autor entrega en su trabajo. Con un nivel de compromiso más que elevado para los estándares actuales, Kristin Hayter desentraña un capítulo más de su proyecto Lingua Ignota, abordando la imperante misoginia que nubla nuestra sociedad en un total de once tracks que componen “CALIGULA”, obra que se aventura en mezclar un sinfín de estilos, pasando desde el metal, la música sinfónica, la ópera, el noise y a cuanta locura más sea necesaria para darle forma a un disco horripilante, inquietante y oscuro en su vereda sonora, pero sentido, frágil, y delicado en los momentos más íntimos que contiene. “La vida es cruel y el tiempo no cura nada”, es el mantra que Hayter utiliza haciendo una secuela parcialmente indirecta de su álbum “All Bitches Die” (2017), donde el trauma originado por los abusos se torna en la fuerza principal que motiva el relato de la trama durante todo su desarrollo.

Si algo es claro, es que el mensaje general de este álbum responde al hecho de que esta es una venganza que las mujeres han buscado eternamente, por lo que Hayter no tiene reparos en replicar diversos manifiestos contra la sociedad patriarcal en canciones como “DO YOU DOUBT ME TRAITOR”, “IF THE POISON WON’T TAKE YOU MY DOGS WILL” o la poderosísima “BUTCHER OF THE WORLD”, donde sus desgarradores gritos generan una tensa y destructora amalgama de sonidos sobre un solemne, aterrador y muy apropiado sampleo de “Music For The Funeral Of Queen Mary” de Henry Purcell, conocida principalmente por su aparición en la banda sonora de “A Clockwork Orange” (Stanley Kubrick, 1971) y que aquí cobra un papel importante dentro de todos las matices y capas que tiene el álbum. Y es que, en sólo tres canciones, ya se entiende de que este es un trabajo de difícil escucha, donde el compromiso es necesario para sentirse movido por una obra que lo que menos que hará es pasar desapercibida.

La música de “CALIGULA” es inquietante, pero a la vez deja adentrarse en una profundidad que traspasa lo horroroso o fuera de lugar que puede ser su estructura, donde todo se transforma igual que en una película, tomando distintas piezas dentro de un rompecabezas general que expone todo el panorama. La voz perfectamente puede pertenecer a un álbum de black metal, mientras que la instrumentación encuentra diferentes capas, haciéndola tambalear entre el soundtrack para una película de horror y la épica instrumentación nórdica que resuena entre los poco ortodoxos movimientos sinfónicos que aparecen como relámpagos en una tormenta, con patrones melódicos que se van repitiendo en diferentes puntos del LP.

El protagonismo compartido, sin embargo, se lo lleva el piano y su a la vez frágil y poderosa representación, la que permite definir muy bien los principios de un disco que va contra toda representación de la sociedad falocéntrica en su mensaje, dejando de lado los riffs, las guitarras, y todo elemento característico de la música más pesada, destruyendo todos los cánones de esta hasta sus cenizas.

Existe todo un sentimiento de ansiedad dentro de la apocalíptica atmósfera que Lingua Ignota gesticula con su desgarrador canto en cada uno de los movimientos que forman una sola canción de más de 66 minutos, porque “CALIGULA” podrá estar separado en once partes, pero finalmente su espíritu es uno solo, dejando clara esa revelación de la mujer contra todos los abusos, la injusticia y violencia que ha sufrido desde el origen de los tiempos. “Que tus enemigos sean muchos, que tus días sean pocos”, es una de las tantas declaraciones que la autora hace contra la basura humana que representan los abusadores, rematando en “SPITE ALONE HOLDS ME ALOFT” con un mensaje claro y directo en torno a ellos: “Mátalos a todos, mátalos a todos, mátalos a todos”. Más claro imposible, la violencia debe ser invertida y el abuso de poder que el hombre ejerce sobre la mujer es algo que se debe pagar con la más cruda de las penas.

Ni todos los elogios del mundo podrían hacerle justicia a un disco como este, el que llega en un momento preciso con la necesidad de visibilizar la violencia contra la mujer, principalmente en espacios como el arte, donde se puede retratar y exponer toda la problemática existente en una escala mucho más visceral y directa. El machismo es un concepto que se debe reducir hasta sus cenizas, y es importante el ejercicio que Lingua Ignota realiza desde una vereda más oscura y extrema, comúnmente ligada a géneros exclusivamente masculinos, como el black metal, death metal, o cualquier variable que se nutra desde una construcción social en base al odio, la venganza y la violencia contra un enemigo siempre presente.

Es cierto que el carácter musical de este disco no es uno que podrá llegar masivamente ante todos por igual, pero su mensaje lo es, y es ese factor tan poderoso el que hace necesaria su existencia, permitiendo que el arte retome un papel donde pueda enfrentar, desestabilizar y deconstruir, generando la inquietud necesaria ante una realidad que se mantiene invisibilizada, encubierta y más vigente que nunca.


CALIGULAArtista: Lingua Ignota

Disco: CALIGULA

Duración: 66:01

Año: 2019

Sello: Profound Lore Records


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CHVRCHES – “Screen Violence”

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Screen Violence

Con una carrera de casi una década, CHVRCHES ya debería tener su lugar asegurado en la industria, sin embargo, desde su álbum debut, “The Bones Of What You Believe” (2013), la banda ha tenido sus altibajos. Con “Screen Violence”, su cuarto disco y primero en tres años, Lauren Mayberry y compañía despejan todas las dudas en torno a su música. La nostalgia ochentera no podría estar más presente en la música actual, pero CHVRCHES encuentra su inspiración en un sonido más oscuro, cercano al synthpop de bandas como Depeche Mode y el goth rock de The Cure.

Donde otros grupos podrían sonar derivativos, el trío logra nuevamente reinventar el sonido con un enfoque moderno. Esto queda más que claro en el potente sencillo “He Said She Said”, un himno synth sobre los desafíos de no encajar en los parámetros de la sociedad. Combinando los sintetizadores clásicos con potente percusión y un drop electrónico, la banda entrega una pieza bailable para un mundo más oscuro como el de 2021.

Líricamente, también logra encapsular los temas de “Screen Violence”, donde hay un sentimiento claustrofóbico de enfrentarse sola a un mundo que no te recibe con los brazos abiertos, pero, al entregar su material más personal, Mayberry también logra crear otro tipo de himnos generacionales, donde la desesperanza es más compartida que en otros tiempos. Y es que acá CHVRCHES reimagina la banda sonora de una película de terror ochentera, donde el mayor miedo es la incertidumbre del futuro. Así es precisamente como suena “Nightmares”, que se alza como un oscuro himno de los tiempos presentes, y cómo no, si en los últimos tres años desde su pausa el mundo ha cambiado bastante. Sentimiento claro en “Final Girl”, una de las piezas centrales del disco, donde Lauren se pregunta si es ella la “chica final” en esta película, y precisamente esto responde a una de las problemáticas centrales que plantea Lauren: la misoginia. El machismo de la industria y las presiones sociales impuestas a las mujeres son temáticas que potencian esta atmósfera oscura, siendo temas que se repiten a lo largo del disco, en especial en canciones como “He Said She Said” y “Good Girls”, que cuestionan estas imposiciones.

Lauren es, sin duda, la fuerza líder de este álbum, donde su melódica voz es capaz de encajar a la perfección con los potentes synths de los instrumentales; incluso en un disco con sonidos mucho más complejos y explosivos, su voz nunca es eclipsada, sino que potencian aún más a la heroína de este viaje. En ese sentido, no hay que dejar de lado el trabajo de producción y de Iain Cook y Martin Doherty. El sonido clásico de CHVRCHES se maximiza gracias al esfuerzo del trío, quienes crean paletas mucho más envolventes y con múltiples capas, como en el caso de “Asking For A Friend” o la destacada colaboración con Robert Smith, “How Not To Drown”, donde no existen tiempos para descansos y cada minuto sorprende con un nuevo clímax sonoro.

Pese a la producción, que puede resultar más demandante para el oyente, “Screen Violence” es sorpresivamente encantador y resulta sencillo de disfrutar. Momentos como “California” o “Lullabies” son capaces de acompañar una noche solitaria o animar una fiesta post-pandemia, reforzando lo íntimo del disco, pero lo representativo de un presente compartido por tantos. Tal como contemporáneos como The 1975 o Robyn, la banda logra crear momentos bailables que de la nada paran en seco con sus cuestionamientos y dudas sobre el mundo.

“Screen Violence” no sólo termina siendo un disco que asegura a CHVRCHES como una banda establecida, sino que es también su trabajo más destacado. Complejo en su producción y perfectamente accesible para un público masivo, el trío logra encontrar el punto perfecto para el siguiente paso, con una versión maximalista de su sonido, pero que jamás se vuelve abrumador. Asimismo, es un testamento de la música que inspira un presente como el de 2021, con melodías inquietantes y claustrofóbicas, pero en constante búsqueda de una salida, y letras reveladoras y desafiantes, aunque también vulnerables e íntimas.


Screen ViolenceArtista: CHVRCHES

Disco: Screen Violence

Duración: 42:53

Año: 2021

Sello: EMI / Glassnote Records


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