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Lifehouse – Almería

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Consolidados en la escena desde hace más de diez años y con siete placas bajo el brazo –considerando su primer disco como Blyss–, se nos presenta Lifehouse, la banda californiana de rock alternativo que destaca por sus arreglos melosos, suaves y para nada estruendosos. Esta agrupación, acostumbrada a posicionarse en los primeros puestos de los rankings y radios norteamericanas, con canciones que eventualmente son adoptadas –hasta casi predispuestas- para ser utilizadas en series tipo “Smallville”, entró a los estudios de grabación a mediados del año pasado para entregarnos “Almería”, último trabajo en donde se tomaron y plasmaron sutilmente sonidos del llamado lejano oeste, y que significó de alguna manera un primer intento para experimentar, evolucionar y, en general, distinguirse de sus anteriores producciones.

LIFEHOUSE 01Este álbum fue producido por Jude Cole y grabado en los estudios de Box Canyon, California. El lugar no fue elegido al azar, y es que Almería es una ciudad española en la que, dada la geografía desértica del lugar, se rodaron muchas de las películas llamadas spaghetti western, en su mayoría italianas y españolas que abrazaban aquel género popular de antaño, donde nos narraban las hazañas de vaqueros, pistoleros y forajidos. Y para registrar su material, buscaron un ambiente que estuviera ah doc con esta tónica tan específica. Así es como llegaron a lo más cercano que pudieron encontrar y que presentaba un panorama tan árido como el de aquellas producciones cinematográficas. “Almería” consta de diez canciones, además de la existencia de una edición especial que integra tres temas adicionales y un bonus track.

“Gotta Be Tonight” marca la apertura de esta placa, y desde el primer momento se hacen notar las influencias que la moldearon. No se aleja de la línea estilística general de la banda, pero sí perfila un excelente inicio que cumple con el acometido de dar nuevos aires a esta reciente creación. “Between The Raindrops” es el primer sencillo de este álbum, con la colaboración de la cantante británica de pop Natasha Bedingfield. Este aporte crea una atmósfera –dada la delicadeza que posee la voz de la intérprete- que coquetea con el country contemporáneo. Sigue “Nobody Listen”, track que se acerca tal vez demasiado al pop utilizando recursos propios de este estilo.

En “Moveonday” la voz de Wade aparece más robusta, el bajo de Bryce Soderberg delinea firmemente cada melodía e incluso adquiere el mismo protagonismo que los potentes arreglos salidos de la guitarra de Ben Carey. A la mitad de la reproducción está “Slow Motion”, que inicia con unos prometedores y repetitivos arpegios; continúa lenta y pacífica, y realmente podría transformarse en el soundtrack de alguna película americana con temática country/moderna/romántica. Continuando, aparece “Only You’re The One”, pieza que encuentra su clímax en los coros, donde lo que destaca por sobre todo es Wade, quien alcanza sus registros más altos en toda la placa. “Where I Come From” sigue en esta lista, apegándose a la estructura que posee todo lo que ya va procesado a lo largo de los casi cuarenta minutos de reproducción. La inclusión de violines le da un toque aún más melodioso y dulce a esta composición.

LIFEHOUSE 02Otra colaboración se presenta en “Right Back Home”, y es con Peter Frampton que esta obra adquiere más dinamismo. Además de la incorporación de este genio de la guitarra, aparecen elementos más característicos del blues, y se convierte inmediatamente en el track más poderoso de este repertorio. “Barricade” y “Aftermath” configuran el final de este registro, y lo hacen con toda la emotividad posible. Acá se aprecian componentes muy parecidos a lo que podría pertenecer al gospel, pero nunca demasiado distanciado de la corriente que fluye por cada canción de este “Almería”.

Desde hace mucho que se esperaba algún cambio aunque fuera mínimo en las creaciones de esta banda norteamericana. Y es que después de seis discos, cada uno de los integrantes de Lifehouse fue adquiriendo influencias y enfoques creativos que les permitieron dar el primer paso que todo artista debe dar y que es inevitable: las experimentaciones y reinvenciones. Según Jason Wade, era el momento de que sus sonidos evolucionaran y fueran capaces de trabajar sin reglas ni directrices, lo que significó más libertad creativa. Ahora, si bien no es algo exorbitante, sí se agradece y aprecia esta pequeña renovación. Siguen, y seguro seguirán siendo parte de esta corriente de bandas dulzonas y por qué no, de rock romántico.

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Bright Eyes – “Down In The Weeds, Where The World Once Was”

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Down In The Weeds Where The World Once Was

Tras un receso de nueve años y con una serie de proyectos bajo el brazo, Conor Oberst ha reunido a la banda que lo vio convertirse en uno de los compositores insignia de la mirada adolescente apocalíptica de los noventa. A más de veinte años de su debut, junto a los multiinstrumentistas Mike Mogis y Nate Walcott, la prosa de Oberst ha crecido inevitablemente junto al cantante, quien en “Down In The Weeds, Where The World Once Was” vuelve a su zona de confort para examinar un presente que pareciera haber advertido durante años.

Parece difícil continuar con un proyecto tras casi una década de pausa, en especial para uno encargado de retratar la angustia del presente, pero “Down In The Weeds, Where The World Once Was” logra retomar desde donde se dejaron las cosas, con una química entre el trío difícil de replicar. “Pageturners Rag” sitúa rápidamente la ambientación del disco, con un sutil y melancólico inicio representando los inicios de bar de la banda, con voces familiares como la de la ex esposa de Oberst, quien introduce al grupo y una conversación con la madre del vocalista. Desde este punto, no se alejan de los espacios conocidos, pero logran reflejar el paso de los años a través de una composición madura.

A diferencia de los sonidos de su trabajo en solitario, el regreso de Bright Eyes trae consigo el dramatismo en sonido y composición que los destacó desde un comienzo. “Dance And Sing” presenta triunfantes cuerdas a cargo de Walcott, contrastando con desgarradoras vocales. Adornado con una orquesta y un coro, el tema presenta a la pérdida como temática fundamental y la necesidad de avanzar a pesar de esta: “Ahora todo lo que puedo hacer es seguir bailando”, canta con un optimismo no presente antes. Y es que la madurez alcanzada con los años se refleja en sus letras, donde su pesar ya no lo consume, sino que es comprendido como uno de naturaleza universal.

“Mariana Trench” trae un sonido contemporáneo y de rock convencional, en otra mirada positiva mientras relata los altos y bajos de la vida. En este sencillo brillan los invitados, con Flea (Red Hot Chili Peppers) y Jon Theodore (Queens Of The Stone Age) destacándose como colaboradores. Musicalmente el disco fluye entre las composiciones vulnerables y acústicas de Oberst, y la grandiosidad de los instrumentos a cargo de los otros dos miembros. “Just Once In The World” comienza con un desnudo instrumental acústico, que rápidamente es acompañado por percusión y una melódica segunda voz a cargo de la cantautora Miwi La Lupa. Para el final, la canción se acerca a la ambientación festiva y barroca que recorre el resto del álbum, con cítaras, pianos y la percusión de Theodore cobrando protagonismo. “Stairwell Song” representa de mejor manera la paleta sonora del disco, con un cinemático final adelantado por el mismo compositor, en un guiño a sus oyentes que reconocen sus clichés.

Durante el disco, Oberst batalla por no caer en el autodesprecio y mantener la universalidad de los dolores, pero sus pérdidas son palpables, como la imagen de su ex esposa presente en el inicio y en “Hot Car In The Sun”, donde el compositor confiesa sus pensamientos suicidas en el corte más simple y honesto. La muerte de su hermano también pesa en el álbum, donde su fantasma lo visita en “Tilt-A-Whirl”, siendo una meditación de la soledad en un sonido reminiscente de los comienzos del conjunto. “Calais To Dover” es un homenaje al fallecido Simon Wright, amigo de la banda, en un contaste choque entre la tristeza y la brillante melodía. Mientras que “One And Done” presenta uno de los momentos más oscuros del disco, tanto en lírica como en musicalización, y donde la participación de Flea le agrega dinamismo a los continuos breaks barrocos.

“Comet Song” cierra “Down In The Weeds, Where The World Once Was” de la forma circular que Conor deseaba, representando a través de la metáfora de la vida de un cometa los dolores en común, en otro explosivo instrumental que se consume tal como la figura retratada. “Te estás acercando, incluso mientras desapareces”, se repite así mismo y a los oyentes en un eufórico cierre antes de regresar a la escena del bar del inicio. Para el final, es claro que Bright Eyes sigue un sonido cómodo y pulido, confirmando que su esencia está lejos de perderse, pero el paso del tiempo les ha permitido evolucionar su mirada del mundo, donde la pérdida y la angustia son imposibles de ignorar, aunque su naturaleza es tan colectiva como personal.


Artista: Bright Eyes

Disco: Down In The Weeds, Where The World Once Was

Duración: 54:45

Año: 2020

Sello: Dead Oceans


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