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Lifehouse – Almería

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Consolidados en la escena desde hace más de diez años y con siete placas bajo el brazo –considerando su primer disco como Blyss–, se nos presenta Lifehouse, la banda californiana de rock alternativo que destaca por sus arreglos melosos, suaves y para nada estruendosos. Esta agrupación, acostumbrada a posicionarse en los primeros puestos de los rankings y radios norteamericanas, con canciones que eventualmente son adoptadas –hasta casi predispuestas- para ser utilizadas en series tipo “Smallville”, entró a los estudios de grabación a mediados del año pasado para entregarnos “Almería”, último trabajo en donde se tomaron y plasmaron sutilmente sonidos del llamado lejano oeste, y que significó de alguna manera un primer intento para experimentar, evolucionar y, en general, distinguirse de sus anteriores producciones.

LIFEHOUSE 01Este álbum fue producido por Jude Cole y grabado en los estudios de Box Canyon, California. El lugar no fue elegido al azar, y es que Almería es una ciudad española en la que, dada la geografía desértica del lugar, se rodaron muchas de las películas llamadas spaghetti western, en su mayoría italianas y españolas que abrazaban aquel género popular de antaño, donde nos narraban las hazañas de vaqueros, pistoleros y forajidos. Y para registrar su material, buscaron un ambiente que estuviera ah doc con esta tónica tan específica. Así es como llegaron a lo más cercano que pudieron encontrar y que presentaba un panorama tan árido como el de aquellas producciones cinematográficas. “Almería” consta de diez canciones, además de la existencia de una edición especial que integra tres temas adicionales y un bonus track.

“Gotta Be Tonight” marca la apertura de esta placa, y desde el primer momento se hacen notar las influencias que la moldearon. No se aleja de la línea estilística general de la banda, pero sí perfila un excelente inicio que cumple con el acometido de dar nuevos aires a esta reciente creación. “Between The Raindrops” es el primer sencillo de este álbum, con la colaboración de la cantante británica de pop Natasha Bedingfield. Este aporte crea una atmósfera –dada la delicadeza que posee la voz de la intérprete- que coquetea con el country contemporáneo. Sigue “Nobody Listen”, track que se acerca tal vez demasiado al pop utilizando recursos propios de este estilo.

En “Moveonday” la voz de Wade aparece más robusta, el bajo de Bryce Soderberg delinea firmemente cada melodía e incluso adquiere el mismo protagonismo que los potentes arreglos salidos de la guitarra de Ben Carey. A la mitad de la reproducción está “Slow Motion”, que inicia con unos prometedores y repetitivos arpegios; continúa lenta y pacífica, y realmente podría transformarse en el soundtrack de alguna película americana con temática country/moderna/romántica. Continuando, aparece “Only You’re The One”, pieza que encuentra su clímax en los coros, donde lo que destaca por sobre todo es Wade, quien alcanza sus registros más altos en toda la placa. “Where I Come From” sigue en esta lista, apegándose a la estructura que posee todo lo que ya va procesado a lo largo de los casi cuarenta minutos de reproducción. La inclusión de violines le da un toque aún más melodioso y dulce a esta composición.

LIFEHOUSE 02Otra colaboración se presenta en “Right Back Home”, y es con Peter Frampton que esta obra adquiere más dinamismo. Además de la incorporación de este genio de la guitarra, aparecen elementos más característicos del blues, y se convierte inmediatamente en el track más poderoso de este repertorio. “Barricade” y “Aftermath” configuran el final de este registro, y lo hacen con toda la emotividad posible. Acá se aprecian componentes muy parecidos a lo que podría pertenecer al gospel, pero nunca demasiado distanciado de la corriente que fluye por cada canción de este “Almería”.

Desde hace mucho que se esperaba algún cambio aunque fuera mínimo en las creaciones de esta banda norteamericana. Y es que después de seis discos, cada uno de los integrantes de Lifehouse fue adquiriendo influencias y enfoques creativos que les permitieron dar el primer paso que todo artista debe dar y que es inevitable: las experimentaciones y reinvenciones. Según Jason Wade, era el momento de que sus sonidos evolucionaran y fueran capaces de trabajar sin reglas ni directrices, lo que significó más libertad creativa. Ahora, si bien no es algo exorbitante, sí se agradece y aprecia esta pequeña renovación. Siguen, y seguro seguirán siendo parte de esta corriente de bandas dulzonas y por qué no, de rock romántico.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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