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Leonard Cohen – “You Want It Darker”

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Antes de tener noticia sobre su fallecimiento, el último disco de Leonard Cohen se escuchaba de antemano como un conjunto de sonidos rituales referidos a la muerte. Algo que, si bien no ha sido una novedad en las casi cinco décadas de su trayectoria como músico, esta vez pesa de una forma única que acaba siendo profética. Y es que los guiños a este asunto se venían advirtiendo con anterioridad: días antes a la publicación del álbum, Cohen confesaba a The New Yorker “estar preparado para morir”. Quizá no sea extraordinario que un hombre de 82 años se encuentre tan cerca de la muerte, pero sí lo es la visión con que se es consciente de este hecho y la tranquilidad con que se asume. Nos hace pensar inevitablemente en lo ocurrido con David Bowie y la publicación de “Blackstar”; no todos tienen ni tendremos la entereza de escribir nuestro propio epitafio.

leonard-cohen-01Luego está la divulgación de la carta enviada por Cohen a Marianne Ihlen durante los últimos días de vida de quien fuera uno de sus más grandes amores, a quien conociera en la isla de Hidra en el mar Egeo durante la década del sesenta, y además musa inspiradora de canciones como “So Long, Marianne” y “Bird On A Wire”. En la misiva el poeta escribe: “Bien, Marianne, hemos llegado a este tiempo en que somos tan viejos que nuestros cuerpos se caen a pedazos; pienso que te seguiré muy pronto. Que sepas que estoy tan cerca de ti que, si extiendes tu mano, creo que podrás tocar la mía”.

Y en medio de todo esto tenemos la lucidez de “You Want It Darker”, el decimocuarto álbum de estudio, testamento y último legado de un trabajo que se publica a menos de un mes de su deceso. Y tal como en su antecesor, “Popular Problems” de 2014, el blues es un ritmo predominante sobre el cual bailan las últimas reflexiones de su autor. Un aura litúrgica y ceremonial se despliega a lo largo de todas las composiciones, empezando por la homónima del disco, en parte gracias a la colaboración del coro de la Sinagoga Shaar Hashomayim. En ella repite sosegadamente “Estoy listo, Señor”, mientras que en los versos y outro se alude al término hebreo “Hineni”, cuya traducción se entiende como “estoy aquí” en el contexto de un diálogo con Dios. Ese toque fúnebre pero sutil de los coros de voces masculinas se vuelve a repetir en “It Seemed The Better Way”, uno de los temas más notables del conjunto de nueve canciones.

leonard-cohen-02Las referencias bíblicas continúan en “Treaty”, acompañada por un piano delicado que ampara los vaivenes de un estado melancólico, en donde –con la maestría de siempre– Leonard Cohen logra hacer convivir lo terrenal con lo divino. Su calidad como compositor y poeta se evidencia en temas como “Leaving The Table”, donde sobre una guitarra blusera reflexiona acerca de la terminación de un conflicto, sobre la madurez y liberación que se encuentra al dejar ir ciertos rencores para tener paz. Otro de los temas recurrentes en las líricas de Cohen es el amor y las relaciones de pareja, y en “If I Didn’t Have Your Love” se evoca una serie de imágenes desoladoras con el fin de ejemplificar lo que hubiese sido su vida sin la presencia de la persona amada. En comunión con esto, “Traveling Light” trae al recuerdo su relación afectiva con Marianne Ilhen, logrando emotivas alegorías sobre la soledad: “Supongo que solo soy alguien que ha renunciado a ti y a mí”. La introducción vocal del coro femenino también revive una de sus melodías emblemáticas, “Dance Me To The End Of Love”.

Cerrando el disco encontramos acentos proféticos, como en “Steer Your Way”, publicado el 20 de junio de 2016 como poema en The New Yorker: “Dirige tu camino más allá de un altar y del centro comercial / Dirige tu camino a través de las fábulas de la creación y la caída / Dirige tu camino más allá de los palacios que se elevan por encima de la putrefacción / Año tras año, mes tras mes, día tras día, pensamiento tras pensamiento”, para finalizar con un arreglo orquestal en “String Reprise / Treaty”, en donde como desenlace Cohen recita versos del tema “Treaty”,  dejando en el aire un sentimiento nostálgico que bien puede ser interpretado como una de las más hermosas despedidas. Pareciera que nada sobra ni falta, tanto a nivel individual como general. Todos los aspectos característicos de su trabajo a lo largo de los años están y se hacen notar en cada una de las canciones que poseen un peso propio. Las reflexiones sobre la existencia, el amor y el desamor, las alusiones religiosas, la melancolía, la ausencia. Se trata abiertamente del epílogo, la escena última, íntegra y lúcida, de un artista que forja su espacio en el recuerdo y acepta con sabiduría el tránsito final.

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Hinds – “The Prettiest Curse”

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The Prettiest Curse

Llevar las influencias musicales en la manga puede resultar en molestas comparaciones. En el caso de Hinds, la sombra de bandas como The Strokes se ha vuelto en una constante, pero en su último disco, “The Prettiest Curse”, el cuarteto español amplía sus sonidos y mira hacia una audiencia más amplia, con un material distintivo que celebra el trabajo y carisma de la agrupación. Con producción de Jenn Decilveo (Beth Ditto, Bat For Lashes), la banda deja de lado su clásico sonido garage pop por una paleta más expansiva y colorida. Esto se percibe rápidamente en la apertura “Good Bad Times”, un explosivo giro al power pop con relucientes guitarras y percusión, liderada por el juego vocal entre Carlotta Cosials y Ana Perrote.

Sus personalidades relucen en “Just Like Kids (Miau)”, una crítica a los sexismos y prejuicios que han enfrentado en la industria: “¿Puedo decirte algo sobre tu banda? Estoy seguro de que te encantaría escuchar mi consejo. El sarcástico corte es acompañado de un instrumental dulzón que enaltece la actitud pasivo-agresiva de la composición, en un giro que apela a una mayor audiencia, pero que se presenta como un paso natural más que una necesidad de satisfacer al mainstream. Otra agradable sorpresa son las primeras letras en español de la banda, presentando un arriesgado spanglish que puede resultar molesto para unos y disfrutable para otros. Este juego cultural se materializa musicalmente en la cautivante “Come Back And Love Me <3”, un romántico homenaje a sus raíces, girando hacia bossa nova en la disonancia más grande del “The Prettiest Curse”, pero que se gana un espacio gracias a la constancia en sus vocales. El uso de su lenguaje nativo es una herramienta más que bienvenida, haciendo que su sonido sea más distintivo.

Los elementos del garage no son olvidados por completo, y canciones como “Burn” son ejemplos fieles a su sonido original, donde las chicas se unen en un rugiente estribillo que culmina en un outro a cargo del guitarreo electrónico clásico. Sin embargo, sus estructuras son mucho más pulidas que antes y la técnica en estas logra destacar, como en “Take Me Back”, un tema clásico del repertorio de la agrupación, pero con una evolución que deja brillar cada elemento, con un solo que funciona como el golpe emocional del disco en una nostálgica y atrapante melodía.

Si bien este es un disco de cambios, el elemento principal sigue siendo las voces de de Cosials y Perrote. Mucho de “The Prettiest Curse” es liderado por la personalidad que sale de sus vocales, logrando cambiar el tono en que cada canción es percibida, desde la irónica “Just Like Kids”, la sensual “Come Back And Love Me”, o “Riding Solo”, que presenta un pegajoso coro creado para estadios, en uno de los sonidos más expansivos del álbum. Y es que gran parte del trabajo presenta himnos dignos de cantar en vivo, donde “Boy” es el matrimonio perfecto de los elementos pop y rock del disco, así como también del inglés y español, con un dulce estribillo sepultado en fuertes guitarras.

La batalla más grande que enfrenta el disco es precisamente la magnitud sonora que tiene como objetivo. Al optar por melodías más cercanas al pop, muchos de estos elementos son barridos por las fuertes guitarras propias del garage. Este choque melódico amenaza con opacar la mejor carta de la agrupación: el peculiar, pero inescapable estilo vocal que narra las composiciones. Por esto, la pieza final, “This Moment Forever”, es un apreciado momento donde el instrumental descansa para darle protagonismo a la potencia de sus voces, despidiéndose con el momento más intimo del disco, pero no menos cautivante.

La idea de que los giros hacia el pop reflejan una reducción del sonido original se ha convertido en una narrativa obsoleta, en especial en el caso de Hinds, quienes logran usar estos elementos para construir su propia identidad. Este cambio puede asustar a los fans más puritanos, pero el espíritu de sus primeros discos está presente en “The Prettiest Curse”, si es que no más amplificado. Las guitarras son más brillosas y los vocales presentan más confianza, sin embargo, el encanto original no ha disminuido ni un poco.


Artista: Hinds

Disco: The Prettiest Curse

Duración: 32:45

Año: 2020

Sello: Lucky Number / Mom + Pop Music


https://open.spotify.com/album/5EAxNmYYdSAswaDuqPTiYN

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