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Le Butcherettes – A Raw Youth

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Las influencias siempre serán un factor importante para una banda, más cuando se está en el proceso compositivo de un nuevo álbum. Muchas intentan buscar su sonido emulando a sus pares, mientras que otras adoptan elementos de distintos lugares, para incorporarlos en su música e innovar en cuanto a mezclas de estilos o similares. Le Butcherettes se ha caracterizado por esto último, ya que su amplia experiencia como banda invitada de muchos artistas ha permitido que Teri Gender Bender, su creadora y único miembro permanente, pueda aprender y perfeccionarse con mentores de la talla de The Dead Weather, pasando por Yeah Yeah Yeahs, hasta Melvins. Y fue precisamente la banda liderada por Buzz Osborne la que influyó en Teri para crear “A Raw Youth” luego de la última gira que hicieron juntos, y que los llevó a editar el split “Chaos As Usual” (2015). En estas experiencias, la banda encuentra una madurez musical, además de una actitud punk dispuesta a arrasar con todo a su paso, lo que transforma a este álbum en un combo sonoro de principio a fin.

LE BUTCHERETTES 01La actitud rebelde que reza el titulo queda en evidencia de manera inmediata con “Shave The Pride”, donde la banda saca a relucir toda la influencia de Melvins, en una canción llena de potentes riffs y plasmada en el sello característico de Teri durante estos años; el teclado se hace presente durante gran parte del disco, pero sorprende enormemente en “My Mallely”, donde toma un mayor protagonismo y brinda una actualización a su sonido. Este instrumento, como nunca, se transforma en algo recurrente, haciendo que suene completo y dándole continuidad a la obra, como se puede apreciar en “Reason To Die Young”, track que completa una obertura muy rica en sonidos y estilos. “La Uva” tiene a Iggy Pop recitando una sicodélica poesía, apoyada en un teclado que de manera notable “entierra” a la versión agresiva de Le Butcherettes, como si de un funeral se tratará.

Es en este punto del álbum donde se produce un renacer, con un pop de carácter dulce en “Sold Less Than Gold”, con el teclado siguiendo su protagonismo, pero a la vez minimizando el sonido hacia algo más puro. El bajo se hace presente de una manera muy destacable con la incorporación de Jamie Aaron Aux, quien se luce en “Stab My Back”, una canción llena de actitud, que demuestra la gran química existente en esta nueva formación del grupo, complementándose con Chris Common en la batería. El sonido garage más primitivo de Teri se manifiesta en “They Fuck You Over”, con mucha distorsión y un regreso al estilo de los tiempos iniciales, cuando sólo eran un dúo.

Las influencias que Teri recogió en la última gira, donde además compartió escenario con Antemasque debido a su gran amistad con el músico Omar Rodríguez-López, se recogen en “Witchless C Spot”, track con una esencia muy grunge. Otra de las características en las composiciones de Teri Gender Bender es la locura y la atonalidad; “The Hitch Hiker” y “Lonely & Drunk” se presentan como tracks llenos de riffs de guitarra, teclados con mucho pitch y la insana voz de Gender, todo bajo el marco de un sonido muy experimental. Llegando hacia el final, Teri vuelve a demostrar la gran influencia que ejerció Buzz Osborne sobre ella en el último tiempo, en la canción “Oil The Shoe If The Critter Knew Any Better”, que rememora a Melvins tanto en su largo título LE BUTCHERETTES 02(característica importante en la banda de Osborne), como en su sonido, con un coro que se destaca como un gran cierre para el álbum. La particularidad presente en la conclusión es cómo el disco termina, pero encuentra, en la última canción, una salida, como un lúgubre desvanecimiento. “My Half”, con la ayuda de John Frusciante, pone el punto final al disco con un sonido experimental, con un bajo que se despliega con efectos, mientras que Frusciante ejecuta un solo que despide a la banda en lo alto.

Por tercera vez consecutiva, luego de “Sin Sin Sin” (2011) y “Cry Is For The Flies” (2014), Le Butcherettes entrega uno de los trabajos más destacables del año. Está claro que el sonido de la banda no hace más que evolucionar, complementándose de diversos elementos y logrando, en este álbum, una madurez musical de la que difícilmente se alejarán. Teri Gender Bender ha sacado adelante este proyecto contra viento y marea, por lo que la inspiración que vaya encontrando en el camino beneficiará tanto a la cantante como a los fans, quienes esperarán atentos a la llegada del próximo trabajo de la banda.

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El Álbum Esencial: “Undertow” de Tool

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Undertow

La portada de todo álbum debiese generar impresiones anticipadas sobre el contenido que este alberga. Bajo esa lógica, ver esa especie de caja torácica roja –que en primera instancia tendría a una mujer obesa y desnuda dentro de ella, pero fue censurada– delante de un fondo negro, no puede más que desconcertar. Si a eso se le suma el intrigante título, “Undertow” (“Resaca” en inglés), esto sólo pude verse potenciado. La estética visual de todo esto simplemente respondía a la proyección del vivo reflejo de la música de Tool. Agonía y desconcierto, no existe otra forma de describirles.

Sin duda alguna, aquello que encierra esta criptica iconografía y perfora nuestro cerebro desde los oídos es difícil de clasificar para la época, o incluso hoy por hoy. A mediados de los 90, todo lo que sonara más o menos distorsionado solía ser etiquetado de grunge o, en el mejor de los casos, como rock alternativo. Pero acá había una diferencia: el uso que se dio a la oscuridad. No hablamos del manto de sombras melancólicas que rodeaba al común de la música de la denominada Generación X, sino que de una penumbra mucho más densa que se manifestaba mediante una catarsis brutal. Pese a su crudeza y visceralidad, también encontramos niveles de introspección y sutileza muy alejados de los márgenes de la escena de la costa oeste estadounidense.

Es habitual que los álbumes debut de una banda expongan una continuidad estética en referencia a los demos, cosa que acá no ocurre. “Undertow”, para ser el primer larga duración, es sumamente complejo, pues marca un temprano punto de inflexión en el trabajo de los oriundos de Los Angeles, cosa que en otras agrupaciones ocurre entrada la discografía. Hay acá una sonoridad mucho más oscura, la que comienza a reemplazar progresivamente el rock más frontal y acelerado presente en el EP “Opiate” (1992). Los temas de tres minutos en donde se lograba apreciar la influencia hardcore que posee la banda, comenzaron a alargarse hasta los seis o más debido a un aumento de versatilidad en las estructuras de cada canción, en donde los pasajes instrumentales empezaron a tomar cada vez mayor relevancia. Comenzaban así a ganarse paulatinamente la etiqueta de “progresivos” y vaya que lo merecían.

Aunque pudiese ser paradójico, la guitarra de Adam Jones no se caracteriza por exponer las destrezas sobrehumanas con las que se está habituado en la mayoría de las bandas denominadas como metal progresivo, aun así, demuestra una técnica inconfundible, en donde el juego entre tonalidades densas y frecuencias que bordean la estridencia entregan diferentes matices a las composiciones. “Bottom”, tema en donde colabora el eterno Henry Rollins, es quizás el más claro reflejo de esto. Por su parte, el trabajo en el bajo de Paul D’Amour suena de forma penetrante y aguerrida, batallando el protagonismo rítmico y melódico en cada compás. La potencia y misticismo de “Flood” se debe en gran medida a la labor de este instrumento. Mismo misticismo que –con vidente de por medio– rodea la salida del bajista tras una gira por Europa promocionando el disco. En el futuro no lejano, sería el británico Justin Chancellor quien se haría cargo de las frecuencias bajas hasta la actualidad.

Si bien, en los instrumentos de cuerdas no podemos apreciar una técnica elevada como lo demandaría el género progresivo, aquello sí se puede hallar en la percusión. Probablemente, la rítmica que impone Danny Carey es el componente más experimental de la propuesta de Tool en sus inicios. Aunque aún no incorporan estructuras demasiado complejas como en posteriores discos, es notoria la variabilidad de los tiempos y la sagacidad con la que se pasea por la batería. Prueba de ello son temas como “Intolerance” o “Swamp Song”. Punto aparte también es el poderoso registro vocal del hoy endiosado Maynard James Keenan, clave para dar forma al tema homónimo del disco, en donde es capaz de saltar de fraseos melodiosos a desgarradores gritos, pasando por diabólicos arrullos con una facilidad inexplicable. Además, durante la promoción del álbum ya comenzaba a dar cuenta de esta particular visión del espectáculo, dado su singular desplante escénico.

Pese a que Tool suele ser clasificado como metal progresivo, en “Undertow” lo vanguardista está en mantener elementos minimalistas al alero de una gran sensibilidad instrumental. Es cosa de escuchar temas que quizás pasan más desapercibidos, como “Crawl Away” o “Swamp Song”, para dar cuenta de aquello, y ni hablar de temas como “4°” y “Flood”, que empezaban a dar pequeños, pero ahora evidentes indicios del camino que la banda tomaría en sus posteriores discos. Quien haya escuchado los casi 16 minutos de “Disgustipated” y diga que no es vanguardista, debe comenzar a cuestionar sus concepciones del mundo.

En cuanto a sencillos, el primer LP de la banda nos entrega “Sober” y “Prision Sex”, los cuales fueron acompañados de perturbadores videoclips promocionales, dirigidos por el mismo Adam Jones. El primer tema, en un ejercicio sublime de minimalismo al ser guiado por una secuencia repetitiva de tan sólo dos acordes, nos habla de la adicción del alcohol –incorporando la concepción cristiana del pecado–. Mientras tanto, el segundo relata la brutalidad de la violación infantil. Este último, dado lo tétrico de las imágenes y la crudeza de su letra, fue duramente censurado por las cadenas televisivas de música, pero como ha ocurrido a lo largo de la historia, el morbo ante lo prohibido sólo ayuda a atraer nuevos adictos e incrementar el peso de los cultos.

Así es como “Undertow”, con todos sus componentes, establece los cimientos de la catedral que posteriormente construiría Tool, dando pie para un largo legado que sigue influenciando a un sinfín de bandas de diversos estilos. Si bien, suele ser denostado por ser el disco menos experimental de la banda y, por ende, el con menos teorías conspirativas alrededor de él, su sonido más duro ha ayudado a consolidar a un grupo no menor de fanáticos de esta obra, quienes incluso profesan que este es el mejor de todos los lanzamientos del grupo. Pero ¿puede segmentarse la discografía de Tool y no comprenderla como un todo? ¿Hay realmente un mejor Tool? Preguntas tan complejas como sus respuestas y el objeto al que apuntan.

De todas formas, sí se puede asegurar algo: ser fan de Tool es probablemente uno de los actos de masoquismo más grandes dentro de la ya auto flagelante vida de los melómanos –podría incluirse dentro de esta patología el ser fan de Radiohead; si se es de ambos, el diagnostico debe ser crítico–. Y es que sentir atracción por aquello que no logramos comprender, por aquello que nos desestabiliza mentalmente por no poder apropiárnoslo, debe ser uno de los males más viejos de la historia de la humanidad. Aquel primer trago de la banda, sin duda, ha generado una resaca que sigue palpitando en nuestras cabezas. Lo único que se espera es mantenerla hasta que Maynard y compañía nos entreguen una nueva dosis de su tan ansiado licor.


Artista: ToolUndertow

Disco: Undertow

Duración: 69:13

Año: 1993

Sello: Zoo Entertainment


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