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American Dream American Dream

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LCD Soundsystem – “American Dream”

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Es casi una obviedad decirlo, pero la música, cuan amplia es, ha generado infinidad de cruces y mezclas de estilos, y una de ellas es el dance punk. Surgido (o catalogado caprichosamente) en los setenta con nombres como The Pop Group o Gang Of Four, tuvo su revival en los 2000, particularmente en Nueva York, teniendo como punta de lanza a LCD Soundsystem. Tres discos le bastaron a los dirigidos por James Murphy para colocarse en lo alto de las listas antes de disolverse, no sin antes dar un apoteósico concierto de despedida. Hace dos años, Murphy deslizó la idea de una reunión y este año fueron más allá en su ímpetu, y grabaron su cuarto álbum de estudio luego de siete años: “American Dream”.

El regreso de la banda no estuvo exento de opiniones encontradas, unas celebrando y otras declamando que el quiebre y show de despedida fueron una estrategia meramente comercial, pero si los conjuntos van a volver después de toda esta turbulencia de la forma que LCD Soundsystem lo hizo, tal vez vale la pena. “Oh Baby” abre los fuegos con una mezcla entre la supuesta rendición a “Dream Baby Dream”, de los también neoyorkinos Suicide, y una réplica a la estructura musical de “Dance Yrself Clean”, que también sirve como apertura para “This Is Happening” (2010), in crescendo mediante. “Other Voices” le cede el mando al bajo, creando una melodía y una cadencia entre sucia en su ejecución y perfecta en su resultado, predecible en base a lo que conocemos de la banda, pero efectiva en el mismo ítem.

Uno de los aspectos que más llaman la atención, es el giro a lo crudo y hasta tribal de algunas canciones, como “I Used To” o “How Do You Sleep?”, influenciado por el post punk que muchas veces ha inundado el catálogo de la banda, como aquel cover de “No Love Lost” de Joy Division. Donde sí se siente la rudeza del nuevo sonido es en “Emotional Haircut”, un trallazo de post punk mezclado con industrial marcial a lo Death In June, condimentado por coros pop, por lo que la fórmula se mantiene. “Change Yr Mind” es un flashback a prácticamente toda la discografía de LCD Soundsystem, donde se mezclan las guitarras, los sintetizadores y las baterías, muchas veces interpretadas en vivo y otras veces programadas, pero siempre potentes. “Tonite” tiene potencial para ser single; nuevamente un regreso a sus raíces, pero esta vez desde la vereda más synthpop, con una línea de bajo sintético envidiable y un pulso que cabe y requiere ser reproducido indefectiblemente en cualquier pista de baile.

Si hay algo que está presente en todos los discos de LCD Soundsystem es el mencionado in crescendo, esa capacidad de crear tensión y apilar capas de sonido hasta lanzar una potencia que deriva en muchos resultados posibles, desde el indie rock, el punk y la música de baile. “Call The Police” es un ejemplo de lo primero: una pulsión de bajo que, si bien no resalta, dirige la canción, la encauza y la entrega a un final de distorsión. El track que le da el nombre al álbum propone un descanso en materia de beats por minuto, una suerte de vals aderezado por sintetizadores modulares y texturas etéreas.

El colofón de este álbum corre por cuenta de “Black Screen”, un ladrillo de doce minutos que transita con total tranquilidad entre el krautrock, el synthpop y el ambient; una canción sorpresivamente sombría en su música y en sus letras, melancólicas por sobre todo, quizás porque el disco entero tiene referencias a artistas como David Bowie (con quien colaboró en la percusión de dos canciones en su último disco, “Blackstar”, y quién le deslizó la idea de reunir a LCD Soundsystem), Alan Vega de Suicide o Lou Reed en el aspecto más abrasivo, todos ellos fallecidos hace poco. “American Dream” provoca sentimientos encontrados: no es su mejor disco, es distinto, es sombrío, denso si se quiere, pero muestra a un James Murphy abierto a explorar nuevos horizontes, siempre desde la perspectiva musical que puso a LCD Soundsystem en la élite de la música alternativa.

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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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