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Laura Marling – “Semper Femina”

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El reconocimiento de lo femenino se ha vuelto campo de lucha política en tiempos donde se han hecho evidentes las necesidades de mayor equidad y de erradicar al machismo. He ahí que las figuras femeninas, sean biomujeres o drag queens, adquieren una relevancia trascendente por la mera presencia. En tiempos de pedir cambios, cada lugar se hace territorio factible de ser conquistado, y las trayectorias se hacen cada vez más valiosas.

Por eso, el último disco de Laura Marling no debe ser estrictamente directo en torno a las temáticas políticas que se tocan para ser extremadamente político en sí. “Semper Femina” muestra nueve canciones de excelente producción, y de letras que ilustran simples historias de mujeres. Mujeres enamoradas, mujeres siendo amigas, mujeres en problemas, mujeres iluminadas. Mujeres en un sentido amplio; “siempre mujer”, como dice la traducción literal del título del disco, originalmente en latín, y con un matiz: la frase “Semper Femina” se encuentra en el poema “Eneida” de Virgilio, donde dice “Varium et mutabile semper fémina”, traducido como “vólatil y caprichosa siempre la mujer”. Laura Marling usa personajes veleidosos, volátiles, mutantes, siempre en pos de mostrar la complejidad de lo femenino.

Laura ha dicho varias veces que no siente que le corresponda hablar explícitamente de política, pero quizás sin darse cuenta está haciendo en la práctica una labor importante por partida doble: encarna a distintas mujeres y ella misma, con seis discos editados a los 27 años, encarna una excelencia que redunda en ejemplo para una industria que muchas veces se queda en fórmulas probadas, en vez de cambiar y evolucionar, como hace Marling.

“Semper Femina” es mucho mejor que “Short Movie” (2015) porque no tiene aires de disco de transición, y también arriesga más en los arreglos para las distintas composiciones. Si antes Laura estaba cerca de Bob Dylan o del primer Bon Iver en los recursos folk que utilizaba, ahora toma rutas paralelas dentro de lo orquestal y el jazz, tal como hacen Joanna Newsom o Julia Holter. Para alguien que partió con una guitarra de palo, siendo directa y autosuficiente, este paso es enorme, igual que darse cuenta de que lo que falló con “Short Movie” fue que no logró que la producción reflejara lo que ella necesitaba. Mientras tantos artistas caen en el ego de creerse más grandes que sus errores, Marling llamó a Blake Mills (John Legend, Band Of Horses) para producir este álbum, y la apuesta pagó con texturas exquisitas, con detalles cálidos y un sonido que se compenetra con su voz. El mejor ejemplo de esto es el track que abre el disco, “Soothing”, imposible de ignorar.

Laura vuelve a la frase de Virgilio en “Nouel”, otro de los temas más destacables de “Semper Femina”, donde le canta a una intérprete y dice “Oh Nouel, duele como el infierno cuando le temes tanto a morir. Semper femina, yo también”, para luego tomar por el lado positivo el sentido “volátil y cambiante” que Virgilio veía como problemático para las mujeres. En uno de los mejores discos del año, Laura Marling no sólo entrega un sonido impecable y lleno de matices que remiten a contrabajos, guitarras y cuerdas en su máxima expresión, sino que también nos muestra un abanico de mujeres que se quieren, que se temen, que se admiran y que se apoyan. Para una artista que a veces peca de autoindulgente, “Semper Femina” no sólo es un triunfo propio, sino que para la música en general al dejar en claro la relevancia de lo femenino, esta vez, en los audífonos y parlantes de un mundo que todavía está en la modorra patriarcal.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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