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Norman Fucking Rockwell Norman Fucking Rockwell

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Lana Del Rey – “Norman Fucking Rockwell!”

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En 2011, Lizzy Grant lanzó la canción que la convertiría en la estrella con la que siempre soñó ser. Como Lana Del Rey presentó “Video Games”, un minimalista track acompañado de un visual lleno de imágenes alusivas a la nostalgia del estilo de vida californiano. El sencillo tomó por sorpresa a la audiencia y a críticos por igual, quienes se rindieron ante la misteriosa cantante. Meses después, el escenario se volteó, la autenticidad de su persona fue cuestionada y su música fue reducida a un valor meramente estético. Esto no impidió el éxito de “Born To Die” (2012), asegurándole una fanaticada fiel que se maravillaba con su estrella sacada del pasado. Con cuatro discos bajo el brazo, Lana Del Rey se convirtió en una de las figuras más discutidas de la década, y hoy, con su último trabajo, presenta el material más liberador de una las artistas más singulares e incomprendidas de los últimos años.

El anuncio del quinto álbum de Lana Del Rey, “Norman Fucking Rockwell!”, fue fiel a los ismos que se han generado en torno a su persona. Con un título que sólo podía ser suyo, referenciando al icónico pintor, y con una campaña de lanzamiento que duró meses en concretarse, el álbum parecía llevar toda su esencia, pero desde sus primeros sencillos quedó claro: “Norman Fucking Rockwell!” sería distinto. El primer adelanto, “Mariners Apartment Complex”, es la progresión cinemática de quien se ha ido construyendo a través de su discografía. Dejando de lado los elementos trip hop de su debut y de “Lust For Life” (2017), los elementos oscuros de “Ultraviolence” (2014) o la glamorosa instrumentación de “Honeymoon” (2015), el nuevo sencillo deja de lado la idea de un personaje y la esencia de su persona es más palpable que nunca. “Soy tu hombre”, repite en el coro, entregando la seguridad que tanto buscaba en sus primeros lanzamientos.

Las primeras notas del tema titular nos adelantan la magnificencia a la que aspira. El paso de los violines al piano del productor Jack Antonoff nos ofrece una calma pocas veces percibida en la música de la cantante; donde antes había tristeza e inseguridad, ahora existe confort y serenidad, combinando melódicas vocales y el ingenio de su prosa: “Me cogiste tan bien, que casi dije ‘te amo’”, es quizás la frase más Lana Del Rey alguna vez escrita. Es en el segundo sencillo, “Venice Bitch”, donde se encuentra el despegue del álbum, donde en muchos sentidos tiene todos los elementos tradicionales de una de sus canciones, pero tal canción es algo distinto a cualquier cosa que haya realizado. Con una duración de más de nueve minutos, el sencillo combina distintos elementos del pop psicodélico y del soft rock, con un exquisito solo de guitarra. Los mismos elementos que antes fueron reducidos a estética están presentes, pero esta vez no hay duda: la composición y el contenido son protagonistas.

Los tracks emocionales abundan dentro del disco, pero siempre con un guiño esperanzador. “Fuck It, I Love You”, presenta una de las instrumentaciones más tradicionales de rock dentro del disco, pero con una lírica digna de una balada, con una Lana culpándose a sí misma y viendo una oportunidad en el amor, sonriendo a través de las lágrimas. Por su parte, “Love Song” es una de las odas más románticas en su discografía; muchas veces el retrato de sus relaciones ha sido criticado por la toxicidad retratada en estas, sin embargo, el corte presenta una relación más madura, donde el amor ayuda a ambos a construirse. Algo similar ocurre en “California”, donde Lana Del Rey ofrece la comodidad que antes buscaba con desesperación, ya sea un mensaje para su pareja o para su fanaticada, la calma voz de Grant ofrece un espacio seguro. “Hope Is A Dangerous Thing For A Woman Like Me To Have – But I Have It” presenta una de las composiciones más crudas de su carrera, con la producción más desnuda del disco, aunque termina asegurando esperanza dentro de lo caótico de su universo.

Para alguien que ha basado su carrera en torno a la idealización de la vida estadounidense, la decisión de abandonar aquella bandera parece un acto desafiante. Tras la elección de Donald Trump como presidente, Lana Del Rey abandonó el uso de banderas estadounidenses en sus visuales, su preocupación por el país al que tanto ha retratado comenzó a afectar la forma en que componía. “The Greatest” es uno de los momentos más magnos en su carrera, donde todos los elementos que la caracterizan logran combinar en una perfecta melodía. El sencillo es –como muchos de sus mejores momentos– un himno de una generación que percibe preocupantes cambios a su alrededor; un retrato de lo que significa seguir viviendo ante la adversidad de la vida.

Los tracks vacilan entre las perfectas melodías creadas a través de la complicidad de las guitarras y el piano, guiadas por las vocales más expresivas en la carrera de Lana Del Rey. “Norman Fucking Rockwell!” es un momento definitorio en la carrera de la cantante, no porque sus elementos hayan cambiado radicalmente, sino porque la misma esencia que ha presentado en sus materiales anteriores es ahora más clara que nunca. Aquellos elementos referidos como banales por sus primeros detractores son recuperados con firmeza en algunas de las composiciones más honestas del año, demostrando que Lana Del Rey va más allá de su valor estético, y este álbum la presenta más realizada que nunca, asegurándole un podio dentro de las compositoras más importantes de la década.


Artista: Lana Del Rey

Disco: Norman Fucking Rockwell!

Duración: 67:38

Año: 2019

Sello: Polydor / Interscope


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Iggy Pop – “Free”

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Free

Puede parecer extraño que un artista que ha hecho literalmente lo que se le ha antojado a lo largo de su carrera, publique como primer single de su nuevo trabajo de estudio un corte que únicamente proclama “Quiero ser libre”. Sin embargo, este supuesto sinsentido es sólo una prueba más de que la figura de Iggy Pop en realidad nunca ha sido tan fácil de descifrar. Es más, uno de sus sellos ha sido justamente aventurarse desde siempre (a veces con éxito y otras veces no tanto) en cuanto estilo musical le ha parecido atractivo (proto punk, garage rock, post punk, new wave, electrónica, hardcore, música de identidad francesa, entre otros). Es en esta dinámica, que el músico nos invita nuevamente a romper esquemas, firmando un álbum cuya característica principal es transitar a través de una pausada clave sonora de cargada identidad jazz, estilo que, sin ser completamente extraño para él (algo de esto había en “Avenue B” de 1999 y “Préliminaires” de 2009), marca uno de esos momentos musicales que por su sola naturaleza obligan a detenerse y escuchar con atención.

Dentro de las muchas particularidades que tiene “Free”, destaca el hecho de que la mayor parte de las canciones no son de autoría de Iggy, lo que hace de este disco un ejercicio de casi completa interpretación. La firma de los tracks recae fundamentalmente en Leron Thomas (trompeta), dejando un discreto espacio para Pop –autor de los temas que abren y cierran el registro– y dos poemas, el primero de ellos escrito por Lou Reed (“We Are The People”) y el segundo por Dylan Thomas (“Do Not Go Gentle Into That Good Night”). ¿Impacta esto la credibilidad la propuesta? En lo absoluto; de hecho, el álbum es tan consistente, que incluso los cortes que de antemano uno podría aventurarse a decir que fueron escritos por Iggy, ya que llevan su sello estilístico, en realidad están firmados por Thomas. En cuanto a lo musical, si bien se trata de un álbum dominado por los cortes de espíritu jazz, también hay lugar para momentos que reviven el lado más caricaturesco de la Iguana.

Es en la primera de estas identidades sonoras donde sin duda se encuentra lo mejor del álbum. “Free”, de naturaleza pausada y contemplativa, nos advierte desde el inicio acerca de los maravillosos paisajes sonoros que dominarán la oferta, y “Sonali”, por su parte, se inscribe como uno de los imperdibles del álbum. Musicalmente intrincada y de percusiones adictivas, se da el lujo de combinar reflexiones de corte existencial en base a metáforas en el estilo de “The Passenger”, con paisajes musicales que rememoran los sonidos que nos dejó el Duque Blanco en su último larga duración. “Page”, a su vez, aporta lo suyo atrapando una atmósfera musical de espíritu casi celestial para revelarnos un Iggy frágil y cercano. Sin embargo, es en la trilogía final con “We Are The People”, “Do Not Go Gentle Into That Good Night” y “The Dawn” donde, vestido de crooner, Iggy termina por comerse el registro. Es en este momento, además, donde más sentido terminan haciendo los aportes de Noveller y Thomas, añadiendo intensidad a cortes de abierta naturaleza minimalista. Un deleite.

Fuera de los pasajes que dominan la identidad del registro, se encuentran momentos totalmente rescatables y otros que, por desgracia, sólo le quitan prolijidad a esta nueva entrega. En el primero de estos grupos se ubica “Loves Missing” y “Glow In The Dark”. El primero de ellos sobresale gracias a la sentida e íntima interpretación de Iggy en los vocales, mientras que el segundo viene a graduarse como el eslabón perdido entre “Post Pop Depression” (2016) y el disco que nos convoca. Sin embargo, es con “James Bond” y “Dirty Sánchez” donde entramos en una vereda más conflictiva, básicamente porque se trata de temas que no respetan en nada el espíritu del resto del álbum. Así y todo, “James Bond” logra ser una aventura perdonable, ya que, aún sonando fuera de lugar, nos deleita con una funky y contagiosa línea de bajo y un espectacular clímax hacia la mitad del track. No se puede decir lo mismo de “Dirty Sánchez”, que además de caer fuera de lugar, se queda corto en lo lírico (convengamos que escuchar a Iggy cantando de “tetas” y “vergas” a esta altura no tiene nada de novedoso) y en lo musical.

El mencionado “Post Pop Depression” provocó varios fenómenos interesantes: por un lado, parte del público empezó a sentir que quizás era buena idea que la Iguana aprovechara el éxito de ese lanzamiento para cerrar su carrera. Sin embargo, a Iggy le pasó algo muy distinto. Luego de terminar la gira de promoción del álbum, se sintió vaciado, con deseos de refugiarse y desaparecer; según sus propias palabras, con deseos de ser libre. Y para Iggy la libertad claramente no es retirarse, sino que tiene que ver con decir cosas, no sabe hacerlo de otra forma, desde siempre ha sido así. Probablemente hace cuarenta años los medios que elegía para expresarse eran indudablemente más físicos, hoy día ya no necesita hacerlo de esa forma: con el tiempo, Pop ha aprendido a golpearnos de otras maneras, como por ejemplo prestando su voz para lanzar un álbum sentido y extrañamente íntimo, casi completamente alejado de lo que esperábamos de él. Puede haber alcanzado los 72 años, pero claramente entregarse al silencio no es uno de los planes del padrino del punk. Tenerlo con nosotros sigue siendo una fantástica sorpresa.


Artista: Iggy Pop

Disco: Free

Duración: 33:44

Año: 2019

Sello: Caroline International / Loma Vista


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