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Chemtrails Over The Country Club Chemtrails Over The Country Club

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Lana Del Rey – “Chemtrails Over The Country Club”

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Para ser una artista con un sonido tan distintivo, Lana Del Rey es uno de los nombres más impredecibles de la música actual. Con cada nuevo álbum y tema, recurre a un lugar conocido, al mismo tiempo inquietando sobre cuál será su siguiente paso, y “Chemtrails Over The Country Club”, no es la excepción, pero sí es una de sus cartas más honestas. A lo largo de su carrera, Lana ha estado en constante búsqueda de la nostalgia, ya sea de un Estados Unidos que “solía” amar, las estrellas de Hollywood que creció imitando o incluso historias que nunca vivió, pero en este disco hay una nostalgia distinta, centrada en sus propias experiencias y su pasado sin esa fama que tanto ansiaba, cuando se “sentía libre, lejos de la industria.

Lo anterior queda retratado rápidamente en la potente “White Dress”, que no sólo es de las mejores piezas del disco, sino que de su catálogo. La artista ya no anhela la década de los 50 o 60, sino que extraña su propia juventud. Bajo una minimalista melodía de piano, que va aumentando en crescendo según avanza su historia, Del Rey entrega un tipo distinto de susurro; su voz es suave como lo es usualmente, pero la distorsión hace que parezca un ahogado grito. “Me hacía sentir como un Dios, repite una y otra vez sobre su adolescencia, la misma de la que pasó huyendo a esa edad. Y es precisamente el sentimiento que acompaña el disco, que rápidamente deja a la música como una acompañante secundaria ante el confesionario tono del material; ya no hay personajes glamurosos en los que esconderse, esta es Lizzy Grant con todo y sus flaquezas.

La pieza titular es otro punto alto, con su voz liderando la potente melodía y sintiéndose moderna, pese a su referencia retro. Colaborando nuevamente con Jack Antonoff, la cantante crea uno de sus temas más atmosféricos para retratar el corazón del álbum. “Bajo las estelas químicas sobre el club de campo”, es una frase propia de alguien como Lana, quien puede reducir una teoría conspirativa a una relajante tarde de verano. Mención especial a ese outro, que es uno de los más eufóricos y emocionantes de su catálogo. Superar a “Norman Fucking Rockwell!” de 2019 jamás iba a ser fácil; de hecho, termina quedando un tanto detrás de este, sin embargo, logra salir de su sombra para ser su propio proyecto independiente. Hay claras similitudes, sólo basta escuchar “Wild At Heart”, que samplea “Happiness Is A Butterfly”, pero esta placa deja aún más las pretensiones y los grandes arreglos en los instrumentales en favor de una experiencia más cohesiva, aunque con menos momentos impactantes.

En menos una década, Lana ha lanzado siete discos, y esta compacta productividad puede notarse en la repetición de algunos sonidos, donde temas como “Tulsa Jesus Freak” y “Yosemite” pudieron ser fácil de “Lust For Life” (2017), pero la ambientación folk y americana del álbum es clara y distintiva, rindiendo homenajes a figuras como Joni Mitchell en el espectacular cover de “For Free” con Weyes Blood y Zella Day. Fuera de estos lugares comunes, “Chemtrails Over The Country Club” hace un increíble trabajo en presentar la música que la inspiró, como en “Wild At Heart”, eufórica pieza de americana, donde los setenta son palpables en las cuerdas y sus potentes vocales, o en la emocionante “Not All Who Wander Are Lost”, que bien pudo salir de la misma Stevie Nicks, sintiéndose un cálido abrazo generacional, en el que su voz sirve de consuelo ante la locura del mundo. Y, por si su afinidad por el country no quedó clara, llega el dueto con Nikki Lane. Por último, “Dance Till We Die” es una imagen sonora de su portada, donde celebra el compañerismo de sus amigas y a aquellas musas que la han inspirado, con un mensaje de consuelo a sus seguidoras.

Hay pocas artistas que logran tener una paleta tan homogénea, pero que sorprenden en cada canción. En gran parte es porque Lana Del Rey es una increíble relatora, algo que se expande en “Chemtrails Over The Country Club”. Sus sonidos pueden ser similares, pero la narradora varía cada nota y coro presente. Para el final del disco, aun quedan muchas dudas sobre hacia dónde se dirige, pero también es una invitación a averiguarlo, en un recorrido que hace un tiempo ya se siente como el propio.


Artista: Lana Del Rey

Disco: Chemtrails Over The Country Club

Duración: 45:28

Año: 2021

Sello: Interscope / Polydor


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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