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Lacuna Coil – Broken Crown Halo

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“Broken Crown Halo” (2014) es el séptimo disco de estudio de Lacuna Coil, y llega en un momento muy particular para los italianos, porque justo cuando comienzan a cosechar los frutos de su trabajo, sufren un duro golpe que cambia el esquema original de la banda. El abandono del guitarrista Cris Migliore y del baterista Cristiano Mozzati anunciado en febrero, modifica la formación con la que los conocemos casi desde fines de los 90’s, pero nos dejan como herencia el sonido característico con el que compusieron un álbum heavy con aires pop, rasgos nü metal y toques góticos.

Sabemos que las cosas más simples son las más fáciles de explicar, y un ejemplo de esto son las 11 canciones que componen este disco. Empezando con las tres primeras, que son el manifiesto perfecto  de un trabajo que refleja la madurez absoluta que ha adquirido el grupo a lo largo de los años y tres ejemplos del clásico estilo de la banda, el que parecía haber desaparecido con los más recientes “Shallow Life” (2009) y “Dark Adrenaline” (2012).

LACUNA COIL 01Así, “Nothing Stands In Our Way” abre como una típica canción de Lacuna Coil, potente y con una interesante combinación entre la voz melódica de Cristina Scabbia y la agresividad de Andrea Ferro para terminar con una batería rápida y pesada. “Zombies” empieza con casi toda su artillería, hasta que la acción instrumental es interrumpida con fuerza y velocidad por la voz de Ferro, a la que más tarde se une Scabbia, creando una canción muy americana con una estructura nü metal bastante evidente. La última de este trío inicial es “Hostage To The Light”, donde la calidad de la vocalista le entrega el rol protagonista en una canción que, comparada a las dos anteriores, resulta más lenta, suave y un poco monótona.

“Victims” es una canción en la que nos damos cuenta rápidamente que la era de oro del metal gótico de los años 90 fue una gran influencia para Lacuna Coil, así como “Die & Rise”, con un buen inicio, donde una fuerte y pesada voz de Ferro aporta rapidez y dinamismo. En medio de una atmósfera oscura, que por momentos los hace sonar como Korn, nos encontramos con una breve parte cantada en italiano, la única de todo el disco.

“I Forgive (But I Won’t Forget Your Name)”, nos hace recordar trabajos como “In A Reverie” (1999) y “Unleashed Memories” (2001), porque aquí la banda logra combinar de manera eficaz la modernidad LACUNA COIL 02con los sonidos más clásicos del género. En “Cybersleep” nos encontramos con una Cristina Scabbia impresionantemente expresiva, que logra crear una atmósfera casi apocalíptica en torno a la letra, y seguimos con “I Burn In You”, abriendo con aires orientales que aparecen unidos a la voz femenina en algunas estrofas. En “In The End I Feel Alive” los lombardos logran crear un coro bastante pegajoso, que por momentos nos encontraremos repitiendo una y otra vez.

La encargada de cerrar el disco es la melancólica “One Cold Day”, impregnada de emoción, que se transmite a través de una profunda línea vocal y se transforma en el medio perfecto para recordar y rendir tributo al difunto Claudio Leo. De esta manera, con un metal gótico a la vieja usanza, pero perfectamente empleado, se despide un álbum compuesto e interpretado por músicos con una visión muy clara y precisa, pero faltos de inspiración a ratos. Algunos verán “Broken Crown Halo” como una apuesta segura, mientras que para otros puede ser la confirmación del trabajo que viene haciendo la banda desde hace ya un tiempo y la mejor manera de volver al ataque en un momento tan delicado y significativo de su carrera. Lo que sí está claro, es que esta es una prueba más de que el grupo italiano es capaz de producir un material de calidad con regularidad, apuntando con claridad y presentando un sonido característico valorado y reconocido en todas las latitudes.

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El Álbum Esencial: “The Dark Side Of The Moon” de Pink Floyd

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The Dark Side Of The Moon

No hay que ser seguidor de Pink Floyd para reconocer que “The Dark Side Of The Moon” marca uno de los momentos más altos en la historia del rock, metiéndose de lleno en ese selecto puñado de álbumes que todos deberían escuchar por lo menos una vez en la vida. Es tan así, que, si bien podemos estar todos de acuerdo en que los rankings no definen la grandiosidad de un álbum, no es menos cierto que funcionan como indicadores duros a la hora de evaluar un fenómeno musical. En esta línea, es imposible pasar por alto que al hablar de “The Dark Side Of The Moon” lo estamos haciendo de un disco con más de 45 millones de copias vendidas en todo el mundo, que además tiene la particularidad de haberse instalado majaderamente en el top 200 de Billboard desde su lanzamiento en 1973 hasta 1988, para luego (como si no hubiera sido suficiente) volver a meterse el año 2009. Si esto no es un indicador de vigencia y transversalidad, entonces nada lo es.

Sin embargo, los méritos que hacen de “The Dark Side Of The Moon” un álbum único, exceden largamente sus cualidades estadísticas. En lo concerniente a la banda, el disco marcaría sin duda una suerte de renacimiento. Después de debutar en 1967 con un fantástico larga duración bajo el liderazgo de Syd Barret, la inesperada salida del crazy diamond del cuarteto pondría en jaque el futuro de este, obligando al conjunto a entrar en un largo período de reinvención musical que no fue fácil. La experimentación sonora con marcados tintes de psicodelia y folk se tomaron la identidad de los londinenses y, si bien con el tiempo discos como “A Saucerful Of Secrets” (1968), “Ummagumma” (1969) y “Meddle” (1971) probarían ser imperecederos, lo cierto es que a principios de los setenta el conjunto comenzaba a hacerse difícil de seguir.

Por fortuna, una de las características de la banda siempre fue la capacidad de ir constantemente revaluando su propuesta. En esta línea, “The Dark Side Of The Moon” en ningún caso fue un accidente. La idea de aventurarse en un álbum de identidad lírica compacta, donde esto fuera incluso más relevante que la oferta sonora, hace rato se había apoderado de la mente de Waters, al punto que una de las cosas que demoró la salida del álbum tuvo que ver justamente con que Pink Floyd sintiera que el concepto se había logrado. Y dicho concepto era importante, sin duda la banda de sonido tenía que estar a la altura. Asentados durante ocho meses en los estudios Abbey Road y con Alan Parsons como ingeniero en sonido, echaron mano al uso de loops, samples de conversaciones grabadas en el estudio, sintetizadores análogos y la técnica del multi track recording para dar vida al trabajo que definitivamente haría de la banda un fenómeno reconocido a nivel mundial.

Para iniciar el viaje, el diseñador Storm Thorgerson nos regala una portada inmortal. De interpretaciones múltiples, la carátula de “The Dark Side Of The Moon” es el primer signo de que los cuarenta minutos de música que vienen de la mano de esta portada no son cosa trivial. “Speak To Me” funciona como obertura e incluye varios guiños a fragmentos que aparecerán a lo largo del disco. Corre como una sola pieza con “Breathe”, simbolizando el inicio de la vida, que estaría marcado por la batería de Nick Mason (a modo de latido cardiaco). Por su parte, el etéreo y acogedor ambiente de “Breathe” dominado por la guitarra de David Gilmour, abre las líricas del álbum (dejando de lado el pequeño fragmento de conversación de “Speak To Me”) en una imagen que evocaría al padre hablándole a su hijo recién nacido para que respire y lo haga sin miedo, no olvidando disfrutar la vida.

“On The Run” llega a sacudir la calma del corte anterior, destacando desde el inicio por una secuencia de sintetizador repetida de forma reverberante a altísima velocidad, representando de forma sublime el agobiante estrés al que nos vemos enfrentados en la inmisericorde maquinaria del día a día. La canción crece de forma sostenida a lo largo de sus casi cuatro minutos, explotando para dar paso a “Time”, uno de los cortes más celebrados de esta placa. Reconocible desde el primer segundo gracias al coro de relojes que abre el tema y el característico rototom con que Mason acompaña la introducción, “Time” se desarrolla directa y contundente, guiada de manera impecable por la avasalladora guitarra de Gilmour. Tratándose del único track firmado por los cuatro integrantes del conjunto, tiene además el mérito de abordar con elegancia uno de los tópicos más inquietantes de la existencia humana, la mortalidad y el sentido de trascendencia.

Y si de mortalidad se trata, el cierre de la primera cara de la placa termina graduando al registro en estos menesteres. Haciendo gala de una capacidad de improvisación vocal francamente excepcional, Clare Torry hace de “The Great Gig In The Sky” uno de esos cortes imposibles de ignorar. Único e irrenunciable (originalmente titulado “The Mortality Sequence”), logra expresar sin inconvenientes el dolor y paz que acompañan el proceso de la muerte. Sin embargo, no hay descansos en este viaje, ya que rápidamente la segunda cara del larga duración nos golpea con otra canción inmortal. Es el turno de “Money”, tema que, compuesto por Waters con el objeto de abordar el flagelo del dinero y la avaricia, no sólo incluye una de las líneas de bajo más reconocibles de los setenta, sino que además se da el lujo de completar la base rítmica del track con un loop de cajas registradoras, monedas y papel roto, para luego cerrar distorsionado y catártico. Brillante, sin duda alguna.

“Us And Them” baja las revoluciones, dejando al saxofón de Dick Parry como guía y protagonista de este maravilloso corte acerca del sinsentido de la guerra, donde el eco en la voz de Gilmour funciona tan bien a la hora de dar identidad a este track, que debería tener una mención adicional en los créditos. A continuación, “Any Colour You Like” repite casi sin cambios la estructura armónica de “Breathe”, sin embargo, a diferencia del primero, evita por completo las voces, entregándose del todo a generar atmósferas, haciendo uso y abuso del teclado sintetizado. Ya para ir tomando la recta final, “Brain Damage” habla del lado oscuro de la luna por primera vez en todo el trabajo, apuntando directamente a la figura de Syd Barret. Se trata de un tema de evidentes tintes psicodélicos, amablemente acompañado por guitarras, sintetizador y arreglos vocales, a través del cual Waters intenta reivindicar el derecho a ser distintos.

Hacia el final, “Eclipse” nos confronta con lo banal de la existencia. El órgano Hammond y los acompañamientos vocales funcionan de manera perfecta para enrostrarnos que nada de lo que hacemos o somos es finalmente tan importante. Al cierre, sólo nos queda el latido (último signo de vida al terminar esta travesía) y la paradoja con que la banda decide dejarnos, que dice “There is no dark side in the moon really / Matter of fact it’s all dark”. Sobrecogedor y liberador en igual medida.

“The Dark Side Of The Moon” se instalaría finalmente como un fantástico viaje a través de las problemáticas más universales que enfrenta un individuo a lo largo de su vida, logrando transcurrir de forma seductora y fluida desde la primera señal de vida de “Speak To Me” hasta el último latido que cierra el álbum. De hecho, la principal virtud de este trabajo terminaría siendo precisamente la excelente manera en que logra fluir a lo largo de sus cuarenta minutos. Se trata de un disco que, abordando temáticas tremendamente complejas, logra hacerlo de forma muchísimo más amigable, directa y efectiva que lo que venía haciendo la banda en sus trabajos anteriores. Este es el momento en que el conjunto terminaría de explotar, adquiriendo esa capacidad única de crecer en simpleza, sin sacrificar en nada la profundidad de su propuesta. El tiempo (y los siguientes discos) confirmaría que el giro había sido el correcto. Hoy, tal como hace décadas, la vida sigue siendo un camino difícil de recorrer, pero por fortuna siempre tendremos esta inmortal banda sonora para recordarnos que no hacemos el recorrido solos.


Artista: Pink Floyd

Disco: The Dark Side Of The Moon

Duración: 42:59 minutos

Año: 1973

Sello: Harvest Records / Capitol Records


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