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Lacuna Coil – Broken Crown Halo

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“Broken Crown Halo” (2014) es el séptimo disco de estudio de Lacuna Coil, y llega en un momento muy particular para los italianos, porque justo cuando comienzan a cosechar los frutos de su trabajo, sufren un duro golpe que cambia el esquema original de la banda. El abandono del guitarrista Cris Migliore y del baterista Cristiano Mozzati anunciado en febrero, modifica la formación con la que los conocemos casi desde fines de los 90’s, pero nos dejan como herencia el sonido característico con el que compusieron un álbum heavy con aires pop, rasgos nü metal y toques góticos.

Sabemos que las cosas más simples son las más fáciles de explicar, y un ejemplo de esto son las 11 canciones que componen este disco. Empezando con las tres primeras, que son el manifiesto perfecto  de un trabajo que refleja la madurez absoluta que ha adquirido el grupo a lo largo de los años y tres ejemplos del clásico estilo de la banda, el que parecía haber desaparecido con los más recientes “Shallow Life” (2009) y “Dark Adrenaline” (2012).

LACUNA COIL 01Así, “Nothing Stands In Our Way” abre como una típica canción de Lacuna Coil, potente y con una interesante combinación entre la voz melódica de Cristina Scabbia y la agresividad de Andrea Ferro para terminar con una batería rápida y pesada. “Zombies” empieza con casi toda su artillería, hasta que la acción instrumental es interrumpida con fuerza y velocidad por la voz de Ferro, a la que más tarde se une Scabbia, creando una canción muy americana con una estructura nü metal bastante evidente. La última de este trío inicial es “Hostage To The Light”, donde la calidad de la vocalista le entrega el rol protagonista en una canción que, comparada a las dos anteriores, resulta más lenta, suave y un poco monótona.

“Victims” es una canción en la que nos damos cuenta rápidamente que la era de oro del metal gótico de los años 90 fue una gran influencia para Lacuna Coil, así como “Die & Rise”, con un buen inicio, donde una fuerte y pesada voz de Ferro aporta rapidez y dinamismo. En medio de una atmósfera oscura, que por momentos los hace sonar como Korn, nos encontramos con una breve parte cantada en italiano, la única de todo el disco.

“I Forgive (But I Won’t Forget Your Name)”, nos hace recordar trabajos como “In A Reverie” (1999) y “Unleashed Memories” (2001), porque aquí la banda logra combinar de manera eficaz la modernidad LACUNA COIL 02con los sonidos más clásicos del género. En “Cybersleep” nos encontramos con una Cristina Scabbia impresionantemente expresiva, que logra crear una atmósfera casi apocalíptica en torno a la letra, y seguimos con “I Burn In You”, abriendo con aires orientales que aparecen unidos a la voz femenina en algunas estrofas. En “In The End I Feel Alive” los lombardos logran crear un coro bastante pegajoso, que por momentos nos encontraremos repitiendo una y otra vez.

La encargada de cerrar el disco es la melancólica “One Cold Day”, impregnada de emoción, que se transmite a través de una profunda línea vocal y se transforma en el medio perfecto para recordar y rendir tributo al difunto Claudio Leo. De esta manera, con un metal gótico a la vieja usanza, pero perfectamente empleado, se despide un álbum compuesto e interpretado por músicos con una visión muy clara y precisa, pero faltos de inspiración a ratos. Algunos verán “Broken Crown Halo” como una apuesta segura, mientras que para otros puede ser la confirmación del trabajo que viene haciendo la banda desde hace ya un tiempo y la mejor manera de volver al ataque en un momento tan delicado y significativo de su carrera. Lo que sí está claro, es que esta es una prueba más de que el grupo italiano es capaz de producir un material de calidad con regularidad, apuntando con claridad y presentando un sonido característico valorado y reconocido en todas las latitudes.

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El Álbum Esencial: “La Voz de los ’80” de Los Prisioneros

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La Voz de los 80

Jorge González dijo una vez que el primer disco de una banda toma mucho tiempo porque el proceso parte desde que naces hasta que cumples edad para grabarlo, mientras que para el segundo sólo cuentas con un par de meses debido a la presión del sello. “Corazones” (1990), en rigor el primer trabajo de Jorge como solista, goza de un sonido pulcro y de una genialidad compositiva totalmente atemporal, “La Cultura de la Basura” (1987) cuenta con atisbos de experimentación y materializa el virulento sarcasmo social de la agrupación, y “Pateando Piedras” (1986) representa el cénit creativo del grupo produciendo un trabajo de alta calidad, que los posicionó como un suceso de masas. Pero es “La Voz de los ’80” el que encapsula esa energía primal, rudimentaria y cruda, que rompió con todo lo establecido como signo de una catarsis a nivel nacional en un país sumido en una gris dictadura.

Son diez cortes nacidos en la adolescencia de tres jóvenes de San Miguel que aplanaban las calles de la capital chilena entre interminables conversaciones sobre la música y su entorno. Nacieron como una banda de colegio, tocando en festivales escolares muchas veces con instrumentos prestados, sin embargo, su equipamiento más valioso eran sus canciones, creaciones que son la consecuencia de una mezcla ecléctica entre lo mejor de la música juvenil de la época, léase The Cars, Depeche Mode, New Order o The Clash, con la tradición auditiva de cualquier casa de clase media, como Raphael, Camilo Sesto o Salvatore Adamo. La sensibilidad pop con la aspereza del rock al servicio de letras inteligentes, llenas de sarcasmo, que se derraman en un disco que en la actualidad parece un compilado de grandes éxitos.

La capacidad que tuvo Claudio Narea, Jorge González y Miguel Tapia para retratar a su generación, el momento político y la cultura pop, es el gran valor que hace a este disco permanecer en el tiempo. La juventud que aparece en “Brigada de Negro”, esa que nada en alcohol y tabaco, es casi tan difusa como la sombría línea de bajo de González que serpentea por toda la canción, mientras Narea marca el ritmo con sus acordes y Tapia promueve una batería marchante, que narra la hipocresía juvenil de una felicidad hedonista que difícilmente era la realidad de la clase media asolada por la política neoliberal de los Chicago Boys. Parte de esa atmósfera aparece en “La Voz de los ’80”, canción que remece con la energía rabiosa de un trío que se quería comer al mundo desde el primer momento. A pesar de que cada obra esté anclada a su época, lo importante es cuando esta trata temas tan universales que se van repitiendo generación tras generación.

El primer larga duración de Los Prisioneros es un disco que siempre será joven, porque refiere a los temas que vive cada chiquillo o chiquilla desde que esta etapa de la vida humana emergió como una forma cultural en sí misma, después del destape mundial en los años 50. Tanto el relato del despertar sexual que se palpa en “Eve-Evelyn”, como la posterior desolación amorosa de carácter invernal de “Paramar”, son impulsivas y encaran la frustración amorosa con un relato original, el mismo que sale disparado de los parlantes de manera un poco más furiosa en “Mentalidad Televisiva”. Y ¿si la chica que perdió su imaginación para instalar un video tape ahora la perdiera para instalar la última actualización de YouTube, Snapchat o Instagram? Son los temas que, entre la ingenuidad y suspicacia, instalan esas verdades que siempre vamos a vivir, estemos en la época que estemos.

Esa aterrizada visión que ostentaba el trío siempre los hizo ver como algo distinto en un panorama musical un tanto agreste. En la primera mitad de los 80 la música de guitarras era marginal en nuestro país, el rock estaba relegado a encuentros que, si bien cimentaron gran parte de lo que después se expresaría en el underground criollo en estilos más extremos como el thrash o el punk, se veían aplastados por la culturalidad de un régimen que impuso firmemente su manera de ver la realidad, contexto clave para entender letras como “Latinoamérica Es Un Pueblo Al Sur De Estados Unidos” y “No Necesitamos Banderas”, que recogen elementos foráneos como el reggae y el ska para alinearlos a nuestras características locales. Esto choca de frente con la postura del sonido imperante en el mundo universitario dominado por el Canto Nuevo, forjado desde las raíces propias de nuestra música, y no al revés, como en el caso del rock.

Las letras pomposas y repletas de metáforas, adornadas con la complejidad de los acordes de una guitarra acústica, no podía ser más distinto al mensaje directo de “Sexo” o de “¿Quién Mató A Marilyn?” que, tomando elementos de la cultura pop, prefiguran un mensaje directo, conciso y simple de entender, aunque no por ello menos contundente. Es por eso que “Nunca Quedas Mal Con Nadie”, grabada el 6 de diciembre de 1984 –mismo día en que Jorge cumplía 20 años–, emerge como una crítica tanto a ese movimiento como también a la liviandad de las bandas que compartieron un terruño que Los Prisioneros nunca quisieron habitar. Aparato Raro, Cinema, Valija Diplomática, Emociones Clandestinas, seguidos de un largo etcétera, se subieron al carro del nuevo rock chileno y recibieron un mejor trato de las emisoras locales, cosa que no pasó con los de San Miguel, precisamente por lo filudo de su lírica.

Famoso por sus frases para el bronce, el otrora vocalista de la banda expresó: “Pocas veces nos hicieron una crítica en un diario, y las veces que lo hicieron, era para decirnos que éramos pésimos, lo último, que sonábamos mal, que no servíamos para nada y que éramos una moda no más”. El tiempo no se ha cansado de probar lo equivocado que estaban los tabloides del momento. Desde aquella foto tomada en la Vega Central en la que se ve a tres muchachos sosteniendo sus instrumentos, hasta esa camisa apuñalada como carta abierta a un amor imposible que vino a cerrar la primera etapa del grupo después de la vuelta a la democracia, Los Prisioneros marcaron a fuego la historia de nuestro país.

Su valor no está condicionado por el mero hecho de retratar a una generación que vivió momentos sombríos ­–lo que ya sería un mérito–, sino que recae en cómo tres miembros de esas escuelas numeradas, en las que les enseñaban humildad y resignación, lograron establecer un mensaje que resuena hasta el día de hoy y que se mantiene totalmente vigente. Eso habla tanto de la inteligencia de sus letras, como de una sociedad que siente un romanticismo exacerbado por muchos elementos de la cultura de épocas pasadas, sobre todo en lo que se refiere a los años 80; no por nada se sigue escuchando en la radio casi la misma música que alguna vez llamó la atención de Narea, Tapia y González.

En la actualidad, Chile sigue teniendo problemas limítrofes (“no necesitamos banderas, no reconocemos fronteras”), sigue luchando contra el machismo (“…y les sigues el juego, y les das tu dinero, y te sientes muy hombre y me río en tu cara de tu estupidez”) y seguimos presa del cinismo ahora exacerbado por las redes sociales (“pretendes pelear y sólo eres una mierda buena onda”). Los Prisioneros cambiaron la forma de ver la realidad, pero parece que somos nosotros los que no hemos cambiado tanto.


Artista: Los PrisionerosLa Voz de los 80

Disco: La Voz de los ’80

Duración: 40:22

Año: 1984

Sello: Fusión / EMI Music


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