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Kurt Vile – B’lieve I’m Goin Down…

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Decir las cosas con honestidad y de frentón es una cualidad que, así como aumenta en su valor, pareciera también abundar en su extrañeza, y Kurt Vile ha hecho de este principio la base fundamental de su carrera. Es difícil llegar a dilucidar si este peculiar personaje compone música para su público o si es un ejercicio personal para plasmar de alguna forma su inquieto mundo interior. Lo cierto es que su gracia radica en la capacidad que demuestra para hacer música a partir de intrincados monólogos internos, plasmados en una lírica sencilla pero no por ello superficial. Es en esta línea donde, al situar sus discos en orden cronológico, la evolución que ha sufrido a través de los años es evidente, demostrando desde “Wakin On A Pretty Daze” (2013), su anterior producción, haber rozado un estado de madurez que se viene a consolidar en “B’lieve I’m Goin Down…”, donde se presenta a un Kurt que pareciera estar encontrando la paz consigo mismo, allí, radicada en el equilibrio entre el caos interno, la ironía y la conformidad, todo esto materializado en agudas descripciones de la propia realidad.

KURT VILE 01Es así como esta producción abre con “Pretty Pimpin”, escogida también como carta de presentación de este disco al ser lanzada como sencillo. Esta primera pieza está marcada por la seguridad que entrega el ser sincero con uno mismo, aceptando el desastre interno y asumiéndolo casi como el encanto de la vida; mensaje que es coherente con la línea que lleva la guitarra principal, casi desafiante. En esta misma línea le sigue “I’m An Outlaw”, agregando un sonido con clara influencia oriental, quizá para acentuar la extrañeza misma de su temática, que exclama en uno de sus versos encontrarse “solo en una multitud, en la esquina”.

En “That’s Life, Tho (Almost Hate To Say)” el cantautor baja un poco la guardia y desenmascara su faceta más melancólica, acentuando el toque de resignación ante las cosas tristes de la vida cuando ya suelen volverse parte de la cotidianeidad. “Wheelhouse”, por su parte, abre con una línea de guitarra que pareciera hablar por sí sola, dando lugar a una cálida pero breve bienvenida, para luego introducirse en un diálogo interno más tenso, que da paso a la voz de Vile y que se sostiene durante el transcurso de todo el tema. La tensión sufre una suerte de resolución cuando suenan los acordes de la siguiente pista, “Life Like This”; con un tono mucho más seguro y desafiante, esta se vuelve casi una declaración de principios. ¿Cuál es el costo de vivir con la sensibilidad a flor de piel y manejarlo con ese dejo de resignación? Quizá es la enseñanza clave a lo largo del trabajo de Kurt Vile, y que en esta entrega viene a cuajar de forma más clara y mucho más madura.

KURT VILE 02“All In A Daze Work” retorna a un punto de dura melancolía, sin embargo, esta es rápidamente compensada con la siguiente pista, “Lost My Head There”, donde se incorpora el teclado, encargado de protagonizar el toque más alegre que la caracteriza. “Bad Omens” el único tema instrumental del disco, donde regresa el teclado que se había perdido en “Stand Inside”, pero esta vez con un tono mucho más tenso y retraído. “Kidding Around” es el retorno de la ironía con que parte este disco, y que se pierde un poco en las pistas intermedias. Quizá para aproximar que el final se acerca y no dar un cierre tan abrumador a la producción –lo que efectivamente se consolida en el último track-, “Wild Imagination” es una canción relajada y bastante sencilla, donde se construye este interlocutor imaginario, y de alguna forma se resume en palabras concisas todo lo que se divagó en extenso a lo largo del disco.

Una producción inteligentemente construida, tanto por el orden de sus pistas como por la coherencia interna de cada una de estas, donde voz y acompañamiento instrumental mantienen un diálogo sincronizado, potenciándose entre sí. Se reafirma que Vile se da la libertad de hacer lo que se le viene en gana, pero no por ello se permite ser desprolijo, y es en “B’lieve I’m Goin Down…” donde saca a relucir esa elegancia, esa refinación que entrega la madurez y el aprender a decir las cosas de forma coherente y delicada, pero no por ello exenta de la bruta realidad. Es así como nos demuestra que no hace falta poseer una voz privilegiada, ni recurrir a complejas retóricas, cuando lo que se tiene entre manos es la sensatez que otorga el contemplar la vida propia y los continuos cuestionamientos internos con ironía y honestidad, algo en lo que Kurt Vile se graduó como especialista ya varios discos atrás.

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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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