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When You See Yourself When You See Yourself

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Kings Of Leon – “When You See Yourself”

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Explorando un nuevo y contemporáneo formato, y luego de cinco años desde su último larga duración, Kings Of Leon lanza su nuevo disco “When You See Yourself”. Es la octava producción discográfica del grupo, la que, tal como “WALLS” de 2016, fue producida por Markus Dravs. El trabajo, que tomó dos años, llegó el 5 de marzo, luego de conocer previamente los singles “The Bandit” y “100,000 People”, donde el primero es una clara demostración de que siguen fieles a su identidad. Una vez más la pandemia afecta los tiempos, y en este caso hizo que el grupo retrasara el lanzamiento del LP, transformándose en una oportunidad para profundizar en sus arreglos, como si de pronto el título del álbum se impusiera con un llamado a la reflexión y perfección.

Se podría esperar que, luego de este tiempo de pausa e intimidad creativa, Kings Of Leon sorprendiera con un trabajo fuerte e innovador, pero, siendo justos, aunque han desarrollado una gradual evolución desde su primer disco, no se han destacado nunca por abordar caminos nuevos y arriesgados en sus producciones. Y es así como en este nuevo material recurren a su ya clásica y característica esencia sureña, sin embargo, con altos toques de sobriedad.

En “When You See Yourself” se advierte un cambio sutil respecto a discos anteriores; se escucha una armonía y fusión instrumental que habla de la depuración de un producto bien hecho, destacando, además, cierta introducción de teclados y sintetizadores, como en el caso de “A Wave” y en la anteriormente mencionada “100,000 People”. Acá hay una propuesta más melódica, muy indie y sin estridencias y, mientras se recorre el disco, la moderación hace añorar ineludiblemente sus últimas tres producciones, que viajan por distintas intensidades, con un desgarro vocal propio de sus raíces, y que es precisamente el que magnetiza a sus seguidores.

El arranque, con el tema “When You See Yourself, Are You Far Away”, predispone a una atmósfera imperturbable y a medida que avanza es agradable, pero nada sorprende demasiado, manteniendo cierta uniformidad que lo hace perder carisma, fuerza y la necesaria cuota de guitarra y rock que ya no está. De forma casi imperceptible se llega a “Claire & Eddie”, con un country híbrido, que desencanta en la mitad del tema para pronto cerrar con “Fairytale”, un acústico que se envuelve en su propio letargo.

Los Followill declaran estar en una etapa madura luego de años de fragilidad, y confiesan que este proceso creativo los ha llevado a profundos momentos de introspección personal y grupal, que hoy adquieren más sentido y vigencia frente al contexto pandémico. Este estado emocional de sintonía es el que los lleva a crear este LP, que no logra fascinar del todo y donde no hay suficientes rasgos distintivos entre canción y canción para emocionarse y viajar con ellas, convirtiéndose así en acordes a ratos totalmente olvidables.

Si “When You See Yourself” obedece a la evolución del grupo y a un momento donde se sienten compenetrados y conectados, se podría pensar que la serenidad los calmó tanto, que su producto musical ingresó a una dimensión neutral, de buen sonido, pero sin latido. Cuando se ama el rock, se sabe que la madurez no es sinónimo de aburrimiento; la buena ejecución musical no está disociada de la pasión, y hoy Kings Of Leon con su vuelta a las pistas muestra una reposada energía que, lejos de cautivar, está bastante por debajo de las expectativas.


Artista: Kings Of Leon

Disco: When You See Yourself

Duración: 51:26

Año: 2021

Sello: RCA Records


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Tomahawk – “Tonic Immobility”

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Tonic Immobility

Ocho años tuvieron que pasar para que Mike Patton, Duane Denison, John Stanier y Trevor Dunn volvieran a estar juntos en un disco de Tomahawk. Y qué mejor que esta pandemia para que el supergrupo regrese con “Tonic Immobility”, un álbum que, mediante la característica urgencia y agresividad del cuarteto, logra ejecutar una fotografía del indescriptible, oscuro, incierto y agotador panorama actual. Lograr retratar una realidad como aquella se lee una tarea sencilla considerando el background de sus integrantes, y lo cierto es que efectivamente se traduce de esa manera, ya que el sucesor de “Oddfellows” (2013) no duda en poner todas sus cartas sobre la mesa para apostar en una fórmula ganadora, la que de manera segura va avanzando por estructuras diferentes en uno de los discos sonoramente más arriesgados y complejos que nos ha entregado Patton en su carrera.

Bastan solamente 12 canciones para que el regreso del conjunto cumpla las expectativas en términos de experimentación y un manejo implacable de las texturas, algo que Tomahawk domina sin mayores problemas a través de las guitarras, un sello esencial en toda la discografía del proyecto. “SHHH!” muestra de entrada ese sonido con sello propio, el que, mediante los catárticos y confrontadores fraseos de Patton, recupera esa agresividad que se desenvuelve lejos del azar o la casualidad, sino que se construye gracias a la quirúrgica precisión que ejerce cada instrumento dentro de la fórmula, algo que con “Valentine Shine” va avanzando sin contratiempos ni descanso alguno. Es tan solo el segundo track del álbum y ya podemos escuchar el característico bajo de Trevor Dunn llevándose sigilosamente la atención del track.

Esa diversidad que irradia la banda no pasa solamente por los estilos variados que se van cubriendo, donde las reminiscencias al hard rock o el post-hardcore están más que claras, sino que también sobre cómo se van edificando las estructuras sonoras de una manera cooperativa y con un patrón fijo, sin caer en el auto plagio o la monotonía. Así es como el disco avanza con urgencia por canciones como “Predators And Scavengers” o “Doomsday Fatigue”, donde nuevamente Dunn es el encargado de marcar el pulso junto a John Stanier en la batería, y una letra donde derechamente se menciona al COVID-19 y el sentimiento fatigante que inunda a prácticamente la mayoría de la población mundial: “Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy / ¿Qué te está alcanzando, mamá? / ¿Un puño cerrado o mano abierta?”.

“Business Casual” es otro ejemplo de Tomahawk siendo Tomahawk, con letras que bordean entre la ironía y la poesía, con un constante ritmo de acecho y esa siempre presente tensión que anticipa la gran explosión, una que tarda en llegar, por cierto, ya que “Tattoo Zero” nos presenta a aquel Patton en su faceta crooner relatando una historia con intermedios de furia. Todo esto siempre acompañado de la filosa y punzante guitarra de Duane Denison, quien se luce en varios pasajes con una curva melódica que le da una cara completamente diferente al disco, e incluso sintiéndose como una versión de la banda con leves tintes prog, quizás sin esa majestuosidad o elegancia del estilo, pero sí con la misma precisión y carácter. “Fatback”, por su parte”, continúa esa marcha, una que en este punto ya encontró su norte, aunque no pareciera tener rumbo fijo y simplemente se encarga de mostrar su potencia a toda velocidad.

“Howlie”, el interludio de “Eureka” y “Slidewalker”, presentan la sección más “calma” de “Tonic Immobility”, en donde la marcha reduce un poco su velocidad, pero manteniendo la intensidad necesaria para sorprender con algunos cambios de ritmo y estructura, sin dudar en pasar de un estado a otro, siempre con el impecable trabajo de Denison en la guitarra llevándose el peso atmosférico de la canción, mientras que el resto de la banda acompaña a su ritmo el relato que pasa del esquema loud/quiet/loud a un terreno mucho más complejo. Tras el paso de “Recoil”, es “Dog Eat Dog” la encargada de poner punto final al quinto LP del conjunto, con una letra mucho menos profunda que el resto del disco, pero con una intensidad igual de compleja que lo que la banda mostró durante esta nueva aventura en el formato larga duración.

Indudablemente los clichés siempre estarán presentes, pero eso no necesariamente debe ser algo malo. Muy por el contrario, Tomahawk sabe cómo explorar el concepto de “supergrupo” con una ética de trabajo colaborativa, en donde cada integrante impone su sello para el beneficio del otro, con cada uno teniendo su momento a lo largo del disco para brillar y darle paso al resto para hacer lo suyo. Aunque se critique la sobre exposición de Mike Patton con tantos proyectos (además de este y el ya conocido LP de Mr. Bungle, hay un disco de Dead Cross listo para publicarse), cada una de sus aventuras tiene una naturaleza que la caracteriza más allá de su voz, siendo el único elemento que se repite entre una y otra. Pese a la demora ocurrida entre “Oddfellows” y “Tonic Immobility”, Tomahawk presenta una evolución natural en base a la experiencia, haciendo que su sonido pase de ser una novedad a una formula inconfundible.


Artista: Tomahawk

Disco: Tonic Immobility

Duración: 39:22

Año: 2021

Sello: Ipecac Recordings


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