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King Gizzard & The Lizard Wizard – “Flying Microtonal Banana”

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Durante la última década, el rock psicodélico ha vivido una especie de boom mediático, teniendo como principal cuna las tierras australianas. Al relacionar género y país, quizás lo primero que se viene a la cabeza es la sonoridad de Tame Impala o Pond, quienes, adentrándose en los mares del pop, son referentes en miles de radios. Pero no todo está perdido ante la plastificación sónica en la tierra de los canguros, porque el sonido experimental y lisérgico más under ha sabido sobrevivir gracias al trabajo de King Gizzard & The Lizard Wizard, quienes tras el aclamado “Nonagon Infinity” (2016) vuelven con una propuesta mucho más vanguardista, desafiando los límites sonoros de occidente mediante la elaboración de melodías microtonales en “Flying Microtonal Banana”, su noveno disco en tan solo siete años de vida.

Las primeras alucinaciones son generadas gracias a la propuesta minimalista invocada en “Rattlesnake”, creando una atmósfera envolvente que turba todos los sentidos cual tormenta de arena, dejándonos a merced del elixir sónico de los reptiles oriundos de Melbourne. Es interesante que el siguiente tema, si bien posee clara continuidad, es a su vez un cambio drástico, pues “Melting” incorpora elementos más latinos a la sonoridad del ensamble alucinógeno de KG&TLW. Los diálogos entre sintetizadores y guitarras pareciesen teletransportar a playas carnavalescas, dejándonos confiados de que todo seguirá igual de calmado. Pero no es lo que ocurre, porque dos baterías agresivas al unísono –elemento característico de la banda– son la base de “Open Water”, y es acá donde la galante aparición de la zurna (instrumento de viento proveniente de medio oriente) sumado a la perfecta armonía generada entre las tres guitarras eléctricas, hacen de este el mejor momento del viaje.

El momento de máxima experimentación llega con “Sleep Drifter” y “Billabong Valley”.  Es en ambos tracks –especialmente en el segundo– donde mayor provecho técnico se logra en la utilización de instrumentos modificados para lograr las místicas escalas microtonales, propias de la música oriental. Además, hay que destacar que el segundo es el único tema en donde Ambrose Kenny-Smith (tecladista) remplaza en voces a Stu Mackenzie, líder y dueño de la guitarra, a quien llaman “banana voladora”. Reduciendo en cierta medida los niveles de exploración sensorial, pero aumentando los de misticismo, “Anoxia” nos lleva a un estado de equilibrio psicotrópico con un rock acido que nos remonta a los 60.

Ya en el último tercio del tour, amagues entre doom metal y fuzz rock se fusionan en nombre de la psicodelia para dar vida a “Doom City”, que entre tartamudeos intencionados y fraseos quebradizos nos desorienta al sumergirnos en terrenos más oscuros, para nuestra buena suerte. Siguiendo esta estética, gritos de mutantes abren y cierran el trance apocalíptico de “Nuclear Fusion”. Los contrapuntos de las baterías irradian la rítmica de penetrantes y alucinógenas melodías, mientras los teclados pareciesen dar las alarmas de la catástrofe radioactiva que se avecina. Lamentablemente, las apocalípticas señales no hacen más que presagiar el final del ritual, dando paso a “Flying Microtonal Banana”, corte instrumental que retoma los aires experimentales y que demuestra la compenetración melódica existente entre los siete miembros de la banda, dejando claro que son lo más cercano que existe a una big band del ácido lisérgico.

Utilizar la microtonalidad en el mundo de occidente siempre es un desafío y King Gizzard & The Lizard Wizard lo logra superar con creces. Siguiendo la senda de otro rey (el carmesí), la realeza australiana hace malabares sin complicarse entre sonidos convencionales y vanguardistas, entregando un acto de magnificencia sensorial. Considerando la calidad del presente material y que este es recién el primero de 5 lanzamientos prometidos por el conjunto para este año, es fácil ilusionarse y generar expectativas frente a los meses venideros, aunque cualquier especulación es débil frente a la versatilidad y genialidad de estos siete hechiceros. Pero si es que se pude asegurar algo, es que confirmaran, sin mayor cuestionamiento, por qué son dueños del trono de la experimentación y psicodelia contemporánea.

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Ulver – “Flowers Of Evil”

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Flowers Of Evil

Como parte del desarrollo personal, es importante considerar la integración de las distintas dimensiones que tenemos, y no reprimir lo que pueda surgir como parte de la experiencia de vida junto a las inquietudes que, al ser abordadas, nos impulsan a un mejor entendimiento. Extrapolar esto al analizar la carrera del músico y productor Kristoffer Rygg resulta muy orgánico, debido a que, a través de su propia extensión llamada Ulver, ha permitido que cada etapa de la agrupación haya asimilado de manera sorprendente y soberbia géneros que no son habituales en coexistir dentro de una extensa discografía. Resultado de lo anterior, su último álbum, “Flowers Of Evil”, es un nuevo paso dentro de la tendencia a la reinvención de la banda oriunda de Oslo.

Remontarse a su época de origen es un ejercicio muy interesante, pues nos encontramos con “The Black Metal Trilogie”, un período comprendido entre la innovación para el movimiento black metal al incluir voces limpias y matices folk, “Bergtatt – Et Eeventyr I 5 Capitler” (1995) y la crudeza de “Nattens Madrigal” (1997). Todo un compendio de la etapa más brutal de Ulver y un acercamiento a las influencias que, radicalmente, tendrían mayor protagonismo durante la experimentación que fue pavimentando un largo recorrido que, en su decimosegundo larga duración, se alza atrevido desde la inmersión a través de ligeras capas ambientales que abren el material.

Esta es nuestra canción”, es parte de un verso de “One Last Dance”, la que, junto a “Russian Doll”, se desenvuelven enigmáticas y aguardan hasta la adhesión de una percusión precisa, apoyada por unas líneas de bajo que marcan el ritmo y deja a la atmósfera fluir orgánicamente a nivel sensorial con una intensidad controlada. Los apacibles arreglos de piano brindan espacio a la protagonista absoluta de los tracks: la voz de Rygg, quien, después de la invitación para adueñarse de estos sonidos, abre paso a la pista de baile con “Machine Guns And Peacock Feathers” y su atrevida vibra synth-pop, que bebe de la década de los ochenta, en un enérgico acierto.

Las transiciones durante “Flowers Of Evil” son sutiles. Los detalles que contiene el álbum gozan de ambientes sombríos, mutando al desenfado. Sintetizadores con sentido de urgencia a densos matices de música industrial trascendiendo a un tramo hipnótico, como en “Hour Of The Wolf” y “Little Boy”. Ninguna variación llega a un punto de ebullición, sino que se estructuran como acompañamientos elegantes, con rítmica limpia, como en “Nostalgia”, y aún durante una narrativa grisácea, Ulver consigue un exquisito brillo gracias a melodías de cuerdas, delicadamente conjugadas para erizar la piel, como bien queda demostrado en “A Thousand Cuts”.

Lo único que podría frenar el disfrute de la evolución de Ulver sería una actitud obtusa frente al curso natural que alienta un proceso creativo. Indudablemente, “Flowers Of Evil” se aleja incluso de su predecesor, el aclamado “The Assassination of Julius Caesar” (2017), el cual apuntaba a la epicidad con ambientes tan experimentales como bellos. Conocer esta nueva arista de los noruegos resulta novedoso para su carrera y, si bien el salto es convencional en cierto nivel, lo desafiante de arriesgarse sigue construyendo un buen legado y un atractivo porvenir.


Artista: Ulver

Disco: Flowers Of Evil

Duración: 37:51

Año: 2020

Sello: House Of Mythology


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