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King Gizzard & The Lizard Wizard – “Flying Microtonal Banana”

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Durante la última década, el rock psicodélico ha vivido una especie de boom mediático, teniendo como principal cuna las tierras australianas. Al relacionar género y país, quizás lo primero que se viene a la cabeza es la sonoridad de Tame Impala o Pond, quienes, adentrándose en los mares del pop, son referentes en miles de radios. Pero no todo está perdido ante la plastificación sónica en la tierra de los canguros, porque el sonido experimental y lisérgico más under ha sabido sobrevivir gracias al trabajo de King Gizzard & The Lizard Wizard, quienes tras el aclamado “Nonagon Infinity” (2016) vuelven con una propuesta mucho más vanguardista, desafiando los límites sonoros de occidente mediante la elaboración de melodías microtonales en “Flying Microtonal Banana”, su noveno disco en tan solo siete años de vida.

Las primeras alucinaciones son generadas gracias a la propuesta minimalista invocada en “Rattlesnake”, creando una atmósfera envolvente que turba todos los sentidos cual tormenta de arena, dejándonos a merced del elixir sónico de los reptiles oriundos de Melbourne. Es interesante que el siguiente tema, si bien posee clara continuidad, es a su vez un cambio drástico, pues “Melting” incorpora elementos más latinos a la sonoridad del ensamble alucinógeno de KG&TLW. Los diálogos entre sintetizadores y guitarras pareciesen teletransportar a playas carnavalescas, dejándonos confiados de que todo seguirá igual de calmado. Pero no es lo que ocurre, porque dos baterías agresivas al unísono –elemento característico de la banda– son la base de “Open Water”, y es acá donde la galante aparición de la zurna (instrumento de viento proveniente de medio oriente) sumado a la perfecta armonía generada entre las tres guitarras eléctricas, hacen de este el mejor momento del viaje.

El momento de máxima experimentación llega con “Sleep Drifter” y “Billabong Valley”.  Es en ambos tracks –especialmente en el segundo– donde mayor provecho técnico se logra en la utilización de instrumentos modificados para lograr las místicas escalas microtonales, propias de la música oriental. Además, hay que destacar que el segundo es el único tema en donde Ambrose Kenny-Smith (tecladista) remplaza en voces a Stu Mackenzie, líder y dueño de la guitarra, a quien llaman “banana voladora”. Reduciendo en cierta medida los niveles de exploración sensorial, pero aumentando los de misticismo, “Anoxia” nos lleva a un estado de equilibrio psicotrópico con un rock acido que nos remonta a los 60.

Ya en el último tercio del tour, amagues entre doom metal y fuzz rock se fusionan en nombre de la psicodelia para dar vida a “Doom City”, que entre tartamudeos intencionados y fraseos quebradizos nos desorienta al sumergirnos en terrenos más oscuros, para nuestra buena suerte. Siguiendo esta estética, gritos de mutantes abren y cierran el trance apocalíptico de “Nuclear Fusion”. Los contrapuntos de las baterías irradian la rítmica de penetrantes y alucinógenas melodías, mientras los teclados pareciesen dar las alarmas de la catástrofe radioactiva que se avecina. Lamentablemente, las apocalípticas señales no hacen más que presagiar el final del ritual, dando paso a “Flying Microtonal Banana”, corte instrumental que retoma los aires experimentales y que demuestra la compenetración melódica existente entre los siete miembros de la banda, dejando claro que son lo más cercano que existe a una big band del ácido lisérgico.

Utilizar la microtonalidad en el mundo de occidente siempre es un desafío y King Gizzard & The Lizard Wizard lo logra superar con creces. Siguiendo la senda de otro rey (el carmesí), la realeza australiana hace malabares sin complicarse entre sonidos convencionales y vanguardistas, entregando un acto de magnificencia sensorial. Considerando la calidad del presente material y que este es recién el primero de 5 lanzamientos prometidos por el conjunto para este año, es fácil ilusionarse y generar expectativas frente a los meses venideros, aunque cualquier especulación es débil frente a la versatilidad y genialidad de estos siete hechiceros. Pero si es que se pude asegurar algo, es que confirmaran, sin mayor cuestionamiento, por qué son dueños del trono de la experimentación y psicodelia contemporánea.

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Japanese Breakfast – “Jubilee”

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Jubilee

Michelle Zauner lleva un tiempo esperando una oportunidad como esta, un momento en el que la atención esté completamente sobre ella para entregar su placa definitiva, donde se consolide lírica y sónicamente. “Jubilee”, su tercer disco bajo el nombre de Japanese Breakfast, aparece como un punto cúlmine en su carrera, como un testamento de una nueva fuerza del indie a considerar. Todo comienza con “Paprika”, una patada a la puerta tras casi cuatro años de silencio desde el lanzamiento de su último álbum, “Soft Sound From Another Planet”, y es también un adelanto de los nuevos sonidos y temáticas que explorará en el álbum, con trompetas que guían una llegada mucho más alegre de lo que se le recuerda.

A diferencia de sus materiales anteriores, “Jubilee” busca alejarse de la pérdida y tristeza. Rítmicas guitarras eléctricas, synths ochenteros, cuerdas y trompetas reflejan un disco más relajado, pero no por eso menos complejo. “Be Sweet” es el himno definitivo del álbum, su tema más cercano al pop clásico, el que creó en colaboración con Jack Tatum de Wild Nothing. Existe un sentido de exploración casi adolescente en este tema, donde sólo pide la amabilidad y honestidad de la otra persona: “Se dulce conmigo, quiero creer en ti, quiero creer en algo”, expresa en el pegajoso coro. La sensación juvenil se replica en “Kokomo, IN”, un tema más confesionario donde utiliza elementos del folk para contar un imaginario adolescente. Aquí Zauner luce sus talentos líricos, creando una carta a una versión más joven de sí misma y convirtiéndose en la compañía que hubiera deseado tener en esa época.

“Posing In Bondage” cierra la primera mitad del disco y lo hace de manera espectacular. A diferencia las anteriores, esta canción se acerca más al art pop en una constante composición que sorprende a cada segundo por los detalles de su producción. Las cuerdas la convierten en un tema ideal para una noche solitaria, que fácilmente podría aparecer en un capítulo de “Twin Peaks”. La soledad y el deseo por una conexión significativa se pueden percibir en los espacios en vacío de la canción, dando lugar a la construcción de más tensión en un atmosférico final y cerrando bien el primer tramo de “Jubilee”, bloque donde se encuentran los tracks que apuntan a convertirse en éxitos.

El resto de las canciones exploran una mayor diversidad sonora e instrumentales más oscuros, como en la atrapante “Sit”, que comienza con distorsiones cercanas al noise, pero que pronto dispersa el ruido para un angelical trance. La segunda parte también presenta mejor su punto de vista como mujer en la industria. “Savage Good Boy”, en colaboración con Alex G, cuestiona el poder de los billonarios y se posiciona desde el lugar de un hombre poderoso, sin embargo, sus personajes son complejos, donde, lejos del dinero, quieren regresar a casa con su ser amado.

“Jubilee” tiene un ambiente más positivo, pero hay puntos que recuerdan a la música anterior de Japanese Breakfast. En “In Hell” maldice su propia suerte y lamenta la pérdida de su perro y, pese a lanzarlo ahora, el tema se escribió en sus eras anteriores, lo que explica la disonancia temática con el resto de las canciones. A pesar de esto, pasa desapercibido con un instrumental lleno de trompetas y synths que lo homogenizan con el resto del material. También existe un momento barroco en “Tactics”, donde se acerca más a contemporáneas como Angel Olsen, en la que es quizás la única balada como tal del disco.

Lejos de ser un cierre temático como tal, “Posing For Cars” es un tema para lucir sus dotes como músico, con un brillante solo de guitarra, finalizando el álbum en uno de sus puntos más altos. “Sólo soy una mujer con soledad. Sólo soy una mujer con necesidades”, expresa en su carta de amor, donde las palabras no logran expresar todo lo que se siente y es su instrumento el que refleja toda la complejidad de sus sentimientos. De esta forma, “Jubilee” puede parecer menos complejo que otras placas de Japanese Breakfast, sin embargo, es quizás el material donde mejor refleja su punto de vista como artista, reconectándose con una adolescencia perdida y reexaminándola con la experiencia del presente. En su tercer acto, Zauner se va a lo grande y aprovecha cada oportunidad de explorar sus límites como compositora, narradora y músico.


Artista: Japanese Breakfast

Disco: Jubilee

Duración: 36:59

Año: 2021

Sello: Dead Oceans


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