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Kim Gordon – “No Home Record”

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En su primera experiencia solista, Kim Gordon da con un disco abstracto y cambiante, mostrando una faceta aún más experimental que la realizada por la estadounidense en Sonic Youth, y eso no es poco. Con influencias en la electrónica, el noise e incluso el trip-hop, “No Home Record” es un verdadero rompecabezas sonoro, que vuelve a poner en el radar a una artista que no tiene miedos al momento de entrar al estudio. Gordon es pura experimentación, arte y contracultura.

Con “Sketch Artist” comenzamos a entender la búsqueda musical de este nuevo trabajo: una pieza acida, que juega con beats y sintetizadores, abriendo un disco que incomoda, pero absorbe, sacando a relucir el concepto de artista por sobre el de rockera. Aunque este último no queda en el olvido, ya que en el álbum hay canciones como “Air BnB”, que tiene todo para haber sido fácilmente parte de la época “Goo” (1990) de Sonic Youth. Uno de los eventos más trascendentales para entender este trabajo es el retorno de Kim a Los Ángeles; su nueva vida en California caló hondo al momento de componer y escribir, dándole una paleta de colores muy distinta a la que tenía en la gran manzana. En “Paprika Pony” mezcla beats de hip-hop mientras explora su identidad y lo femenino, siempre bajo un punto de vista crítico.

“Murdered Out”, cuarta canción de la placa, fue lanzada en 2016, por lo que sorprende que forme parte del disco tres años después de su publicación, aunque el estilo y la impronta obligan a que esté en el registro, dándonos a una Kim que canta sobre contracultura, automóviles y carreteras, todo mientras es acompañada en la batería por Stella Mozgawa de Warpaint. La segunda parte del LP hace de este viaje uno mucho más críptico e indescifrable. Prácticamente sin seguir ninguna regla, la ex bajista de Sonic Youth (transformada en guitarrista para este álbum) da con un lado B experimental que comienza con “Don’t Play It”, para luego pasar a “Cookie Butter”, la canción más hipnótica del disco. En ella la artista florece en su totalidad, dando con seis minutos de psicodelia y distorsión que acompañan un monólogo crudo y personal. Es Gordon sin miedos ni limites, permitiéndose ser más libre que nunca, sin tener que encasillar u obligarse a sonar de una forma, cosas que, según sus propias palabras, sí tuvo que hacer con Sonic Youth.

Con “Hungry Baby” volvemos al noise y al rock más estructurado, aunque con secciones de improvisación y distorsión promovidas principalmente por las guitarras de Kim. “Earthquake” sirve como un bálsamo entre tanta crudeza y política, así la neoyorquina deja de lado los fundamentos del disco para sumergirse en una pieza oscilante y sombría, pero que en sus letras derrocha puro amor y ternura. El final del disco llega con “Get Yr Life Back”, una oda al fin del capitalismo y lo oscuro del sistema en el que vivimos, mostrándola asertiva y lúcida. A fin de cuentas, la mayor parte del trabajo habla sobre eso, transformándolo en un álbum de época, dando con situaciones y temáticas que muestran el inconformismo de una parte de la población que ya comienza a sentirse asqueada de tanto consumismo y “progreso”.

“No Home Record” termina siendo un disco extremadamente personal, mostrando a una Kim Gordon sin ningún filtro. Es ella en todas sus facetas, siendo artista, activista, rockera y mamá. Una primera publicación solista que cumple con las expectativas y que la desliga de todo lo anteriormente mostrado, permitiéndole nuevamente renovarse sin caer en la nostalgia o en la falta de creatividad.


No Home RecordArtista: Kim Gordon

Disco: No Home Record

Duración: 39:20

Año: 2019

Sello: Matador Records


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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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