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Atonement Atonement

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Killswitch Engage – “Atonement”

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Hoy en día, en la época del streaming, donde un single es más importante que un álbum, cuesta generar altas expectativas respecto a estos últimos como ocurría antaño. Generalmente, sólo se logra cuando existe un silencio compositivo por años (como Tool o Rammstein, por nombrar dos casos icónicos recientes), o cuando los teasers demuestran algún cambio en la dirección musical del artista. Este estado de situación significa que para estos es mucho más difícil destacar a través de un LP como en épocas pasadas, pues no sólo debe ser un trabajo de calidad, sino que, además, novedoso. Y es en esto último donde cae el nuevo disco de Killswitch Engage. “Atonement” es un trabajo correcto, pero lánguido; posee buenas canciones, pero nada superlativo o que llame mayormente la atención.

El sonido del quinteto de Massachusetts sigue intacto, sin embargo, no hay ningún tema que salga del patrón a estas alturas clásico y eso produce que su escucha termine siendo algo aburrida si es que no se es un fan a ultranza de la banda. Lo anterior que no lleve a equívocos: el álbum es de excelente factura. La agresividad y emotividad de Jesse Leach, junto con el talento compositivo de Adam Dutkiewicz produjeron buenos temas, pero falta el elemento que los distinga del resto del catálogo de la banda. Este sería el caso de “Unleashed” o “As Sure As The Sun Will Rise”, por nombrar algunas canciones, en donde la composición es impecable, pero no es nada que no se haya escuchado antes.

En un ejercicio de extrema sinceridad, cuesta encontrar puntos altos en este disco por lo mismo reseñado: no hay nada equivocado o fuera de lugar, pero tampoco nada que sobresalga. Ni siquiera en la colaboración con el ex cantante Howard Jones en “The Signal Fire”, aunque correcto, funciona más que nada como un guiño para los viejos fans de la época dorada de Killswitch Engage, poseyendo inclusive una estructura muy similar a algunos temas de “The End Of Heartache” (2004).

En ese mismo plano, la furia cuasi thrash de “The Crownless King”, con la leyenda viviente Chuck Billy como invitado en las voces, logra quizá lo más distintivo. El riff principal evoca algunos parajes del catálogo de los mismos Testament, (principalmente “The Gathering” de 1999), aunque lejos de ser un mero homenaje, siendo un tema entretenido, que sobresale por su fuerza, ubicándolo dentro de lo prominente. En esta lógica de temas agresivos, “Bite The Hand That Feeds” es un buen término del disco, con texturas complejas y un breakdown poderoso, ad hoc para allanar el espacio a la voz de Leach. Ciertamente que funcionará si la banda decide incluirlo dentro de su setlist regular.

En cuanto a las texturas melódicas, como a lo largo de su carrera, estas se encuentran presentes de buena forma. El mejor ejemplo es la emotividad de “I Am Broken Too”, donde la pulcritud de Leach apoya con fuerza el mensaje positivo que contiene su letra, y que es central en el constante proceso de superación de la depresión y ansiedad que sufre el vocalista. No obstante, no se puede decir lo mismo de “Ravenous”, con un coro que aparece algo forzado. En cualquier caso, sigue siendo un sólido prototipo del disco. “Take Control” muestra un interesante trabajo en guitarras, las cuales fluyen sin tantos retoques, mérito de una mezcla correcta. Acá también, y al contrario de “Ravenous”, la dualidad melódica/agresiva de la banda juega a la perfección. Sigue esa misma senda “I Can’t Be The Only One”, con tintes para ser un exponente de este álbum en las presentaciones en vivo.

En suma, el derrotero por el cual camina “Atonement” es definitivamente el lugar y espacio seguro. Sin grandes pretensiones, la banda continúa el guión de su extenso catálogo, añadiendo más repertorio al mismo. Ciertamente, tiene méritos, puesto que el talento es innegable y la calidad compositiva se mantiene incólume, y esto puede ser bueno para los fans acérrimos, pero demás está decir que, para la escena guiada por el gancho de los singles, el disco pasará inadvertido.


Artista: Killswitch Engage

Disco: Atonement

Duración: 39:01

Año: 2019

Sello: Metal Blade / Sony


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Discos

DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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