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Karen O & Danger Mouse – “Lux Prima”

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Existen diferentes contextos en los cuales la música se puede concebir y transmitir, desde el sentido vanamente comercial, hasta una vereda más personal y subjetiva, donde las canciones adoptan un papel mucho más artístico y dejan de ser simples sonidos para generar una experiencia multisensorial. Dentro de todas las colaboraciones que se producen actualmente, una de las más sorpresivas es la de la frontwoman de Yeah Yeah Yeahs, Karen O, y el aclamado productor Brian Burton, más conocido como Danger Mouse, quienes entregan con “Lux Prima” un trabajo que permite conjugar los elementos musicales de una manera más allá de una sencilla estructura sonora. De una manera sofisticada, este álbum nos lleva por un viaje donde ambos artistas exploran diversas vetas musicales, yéndose hasta lo más profundo de un túnel donde los sintetizadores toman una parte importante del protagonismo, sin quitar el espacio a la potente voz de Karen, la verdadera alma mater de este trabajo.

El track inicial, con el mismo nombre del LP, supone entender de que irá todo en el resto de la obra, pero lo cierto es que ambas mentes se las arreglan para ir abordando diferentes estilos entre una canción y otra. Con cambios de ritmo, desfile de instrumentos y un aura de misticismo que rodea los acordes, este trabajo va tomando un sentido más cinematográfico a medida que avanza, augurando la oscuridad que transmiten los arreglos sinfónicos y encontrando la luz en los pasajes donde O interviene, iluminando el camino nubloso y denso que la lúgubre y elegante instrumentalización aporta.

Las influencias sacadas de las décadas del sesenta y setenta están siempre presentes, pero no por eso el álbum deja de sonar fresco, como en la poderosa “Woman”, donde nos vamos directamente hasta los días de voz fuerte y clara que la cantante vivió junto a su banda de origen. Si cada canción funciona como una estrella por separado, la constelación que conforma “Lux Prima” se va armando progresivamente con composiciones consistentes, con resultados simplemente sublimes.

A pesar de que existen ciertos ripios muy mínimos, los clichés que Burton acostumbra a incorporar en sus producciones acá están presentes de manera mínima, aunque eso puede llegar directamente al hecho de que había pasado un buen tiempo sin recibir un trabajo de esta magnitud por parte del productor. Aunque está trabajando constantemente en muchos de los álbumes más importantes (con artistas desde Adele hasta Parquet Courts), Danger Mouse se toma licencias que pueden resultar peligrosas para cualquier otro, sin embargo, gracias a la decisión y compromiso que imprime en su estilo, terminan por ser completamente beneficiosas. Ya lo ha mencionado el músico en varias ocasiones: su estilo responde netamente a ser un autor de nicho, donde, más que adaptarse a los contextos, los adopta para usarlos dentro de su mundo, a su manera, para entregar “la versión de…” más que intentar incursionar en experimentos que podrías ser fallidos.

Al momento de llegar a “Nox Lumina”, el track que cierra el álbum, lo primero que pasa por la cabeza es un cierto sentimiento de gusto a poco, ya que la forma tan delicada y ambiciosa en que se desarrolla el proyecto hace que el deseo de una secuela sea algo casi inevitable. En días donde un álbum muchas veces apunta a ser el pasaje para irse de gira, “Lux Prima” es más bien una obra que no es necesariamente material para tener en vivo, ya que es un viaje completo que se debe disfrutar de principio a fin, sin interrupciones extras que afecten al relato. Con un crecimiento en avanzada con cada escucha, este trabajo apunta sin duda a ser uno de los más destacados del año, ya que, si bien no ofrece nada nuevo, sí entrega algo muy interesante, que es el concepto de colaboración mediante la exploración de un terreno completamente diferente a los trasfondos originales; un viaje cuyo destino hace inevitablemente querer regresar al punto de inicio y así vivirlo una y otra vez.


Artista: Karen O & Danger Mouse

Disco: Lux Prima

Duración: 40:42

Año: 2019

Sello: BMG


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Txakur – “Itaca”

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Itaca

Como su carta de presentación, Txakur apareció en 2018 con “La Era De La Información”, un EP donde dibujó paisajes electrónicos cargados a las atmósferas con un implícito mensaje de trasfondo, presente en detalles como sus samples y letras. Sin embargo, esta especie de prueba de fuego –que pasó, por cierto– dotó al proyecto de Ariel Acosta (Martín Pescador, Baikonur) de una madurez que se cocinó lentamente hasta “Itaca”, su primer largo bajo este proyecto electrónico que habla más allá de sus beats.

Curiosamente, la elección de la electrónica para plasmar sus inquietudes musicales pareciera no ser al azar. Un cuidadoso trabajo en las programaciones y mezcla hacen de “Itaca” un interesantísimo proyecto, que, a diferencia de su muestra anterior, se asoma como un disco más personal e íntimo, que nace de una nostalgia extraña, evocando sus teclas, pero que, al mismo tiempo, sigue una clara línea política en algunas de sus líricas. Y el inicio es demoledor: cuesta no prestar atención a la hipnótica “Diamantes”, que empieza con plena voz y un sinte galopante, perdiéndose en las programaciones. “Itaca” va al choque, pero en un sentido más contemplativo, por lo que es necesario prestar atención a sus detalles si lo que queremos disfrutar son acabadas líneas de sinte y ritmos.

La tendencia dice que la electrónica está hecha para la pista de baile, sin embargo, hace rato que esa idea no se queda en la práctica y son cada vez más populares los proyectos que invitan a una pista de baile interior, introspectiva y más oscura. Es también la elección de las máquinas lo que nos dice que la invitación es a reflexionar y que, a la vez, es ventana de un imaginario donde esas teclas nos recuerdan una sociedad polvorienta; un estilo medio Vangelis con “Blade Runner”.

En “Itaca”, Txakur habla de edificios, la ciudad, y reflexiona en torno a la sociedad distópica de las apariencias, como en “Kiasu”, y también se encarga de crear paisajes más personales con canciones sensibles en dueto, como “Corazón Del Humedal” junto a Fakuta, o “Claustro” con Kinética. Sin duda, los puntos altos de este disco aparecen justamente en aquellos detalles, en cómo se funde la voz fina con los beats y el cuidado trabajo de producción.

Fernweh se le llama al trastorno del viajero, sentir nostalgia por lugares en los que no ha estado, de viajar y moverse. “Fernweh” es también el último track de “Itaca”, que hacia el final se pierde en un crescendo hasta desaparecer, como si fuera una especie de bote abandonando una isla en medio del océano. Una isla llena de beats hipnóticos, repetitivos y densos, pero que a la vez guardan el sentimiento de canciones que, pese a estar plagadas de máquinas, conservan aún el toque humano y la sensibilidad y honestidad de la composición.


Artista: Txakur

Disco: Itaca

Duración: 40:23

Año: 2021

Sello: LeRockPsicophonique


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