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Lux Prima Lux Prima

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Karen O & Danger Mouse – “Lux Prima”

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Existen diferentes contextos en los cuales la música se puede concebir y transmitir, desde el sentido vanamente comercial, hasta una vereda más personal y subjetiva, donde las canciones adoptan un papel mucho más artístico y dejan de ser simples sonidos para generar una experiencia multisensorial. Dentro de todas las colaboraciones que se producen actualmente, una de las más sorpresivas es la de la frontwoman de Yeah Yeah Yeahs, Karen O, y el aclamado productor Brian Burton, más conocido como Danger Mouse, quienes entregan con “Lux Prima” un trabajo que permite conjugar los elementos musicales de una manera más allá de una sencilla estructura sonora. De una manera sofisticada, este álbum nos lleva por un viaje donde ambos artistas exploran diversas vetas musicales, yéndose hasta lo más profundo de un túnel donde los sintetizadores toman una parte importante del protagonismo, sin quitar el espacio a la potente voz de Karen, la verdadera alma mater de este trabajo.

El track inicial, con el mismo nombre del LP, supone entender de que irá todo en el resto de la obra, pero lo cierto es que ambas mentes se las arreglan para ir abordando diferentes estilos entre una canción y otra. Con cambios de ritmo, desfile de instrumentos y un aura de misticismo que rodea los acordes, este trabajo va tomando un sentido más cinematográfico a medida que avanza, augurando la oscuridad que transmiten los arreglos sinfónicos y encontrando la luz en los pasajes donde O interviene, iluminando el camino nubloso y denso que la lúgubre y elegante instrumentalización aporta.

Las influencias sacadas de las décadas del sesenta y setenta están siempre presentes, pero no por eso el álbum deja de sonar fresco, como en la poderosa “Woman”, donde nos vamos directamente hasta los días de voz fuerte y clara que la cantante vivió junto a su banda de origen. Si cada canción funciona como una estrella por separado, la constelación que conforma “Lux Prima” se va armando progresivamente con composiciones consistentes, con resultados simplemente sublimes.

A pesar de que existen ciertos ripios muy mínimos, los clichés que Burton acostumbra a incorporar en sus producciones acá están presentes de manera mínima, aunque eso puede llegar directamente al hecho de que había pasado un buen tiempo sin recibir un trabajo de esta magnitud por parte del productor. Aunque está trabajando constantemente en muchos de los álbumes más importantes (con artistas desde Adele hasta Parquet Courts), Danger Mouse se toma licencias que pueden resultar peligrosas para cualquier otro, sin embargo, gracias a la decisión y compromiso que imprime en su estilo, terminan por ser completamente beneficiosas. Ya lo ha mencionado el músico en varias ocasiones: su estilo responde netamente a ser un autor de nicho, donde, más que adaptarse a los contextos, los adopta para usarlos dentro de su mundo, a su manera, para entregar “la versión de…” más que intentar incursionar en experimentos que podrías ser fallidos.

Al momento de llegar a “Nox Lumina”, el track que cierra el álbum, lo primero que pasa por la cabeza es un cierto sentimiento de gusto a poco, ya que la forma tan delicada y ambiciosa en que se desarrolla el proyecto hace que el deseo de una secuela sea algo casi inevitable. En días donde un álbum muchas veces apunta a ser el pasaje para irse de gira, “Lux Prima” es más bien una obra que no es necesariamente material para tener en vivo, ya que es un viaje completo que se debe disfrutar de principio a fin, sin interrupciones extras que afecten al relato. Con un crecimiento en avanzada con cada escucha, este trabajo apunta sin duda a ser uno de los más destacados del año, ya que, si bien no ofrece nada nuevo, sí entrega algo muy interesante, que es el concepto de colaboración mediante la exploración de un terreno completamente diferente a los trasfondos originales; un viaje cuyo destino hace inevitablemente querer regresar al punto de inicio y así vivirlo una y otra vez.


Artista: Karen O & Danger Mouse

Disco: Lux Prima

Duración: 40:42

Año: 2019

Sello: BMG


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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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