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José González – Vestiges & Claws

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El de José González, este cantautor de nombre común, es un caso atípico en la escena musical de hoy. Con este tercer disco de estudio, “Vestige & Claws”, viene a confirmar su propuesta despojada  y simple, de canciones con letras optimistas pero consistentes, que hablan de crecer, de avanzar en la vida y de que todo puede ser mejor. Es un caso atípico, porque la música de este hijo de argentinos exiliados en Suecia es alegre, llena de energía y matices, con claros momentos de intensidad capaces de producir mucha euforia en la audiencia. Paradojalmente, este efecto se consigue con muy pocos instrumentos, con clara predominancia de la guitarra. El resto de la musicalización es tenue, pero jamás ausente, con percusiones suaves y sutiles punteos de cuerdas, que elaboran una atmósfera exquisita y evocativa, muy coherente con los versos que susurra.

JOSÉ GONZÁLEZ 01Se aprecia, además, la producción con un criterio espontáneo: todo el sonido es muy directo y crudo, pero al ser de pocos instrumentos, el resultado es claro y transparente. Y esto es una virtud, porque la experiencia de escuchar el disco es muy entretenida, ya que fluye naturalmente; con cada tema se construye un todo homogéneo, temático, atractivo. Queda muy claro que “Vestiges & Claws” es un rompecabezas que, mirado en perspectiva, se torna en un  solo mensaje, habiendo una clara unidad que relaciona a todas las canciones, unidad que está compuesta por la lírica y la música.

Existe cierta idea preconcebida (o derechamente el prejuicio) de que un cantautor acústico es más bien aburrido y discursivo en su música. Probablemente el duro público rockero es escéptico de aquellas propuestas que privilegian la guitarra de palo y la falta de protagonismo de la batería, pero José González borra de un plumazo todos los prejuicios, porque es evidente que en sus canciones hay alegría, continuidad y momentos cumbres que hacen que revisar su obra sea una experiencia muy singular y que vale muchísimo la pena. Dos buenos ejemplos de esto son las canciones “Stories We Build, Stories We Tell” y Leaf Off / The Cave”. Ambas son alegres, con esas melodías que te siguen todo el día y en las cuales es posible incluso apreciar la saturación en la grabación de las guitarras acústicas, transmitiendo la pasión y el compromiso que hay detrás de estas composiciones. “What Will” está en la misma línea, con intensos rasgueos de guitarra, aunque con una línea melódica más reiterativa e hipnotizadora. También destaca mucho la canción que abre el disco, “With The Ink Of A Ghost”, un hermoso tema que nos evoca paisajes naturales y el goce de las cosas simples, de los detalles cotidianos.

JOSÉ GONZÁLEZ 02Mención aparte merece el mensaje de este disco. Aunque algo ya se ha mencionado en esta reseña en ese sentido, es necesario recalcar que los textos de González son muy inspiradores. Hay ambición poética en lo que dice y, al igual que en lo musical, las letras de estas canciones pueden considerarse como un todo; la persona va unida al mundo natural y la tarea es trascender, abogar por las causas comunes y la comunidad. La estupenda “Every Age” da cuenta de esta temática: en su última estrofa nos invita a “tomar el sueño de construir un mundo mejor, tómate tu tiempo, haz un hogar y construye un lugar que pueda incluirnos a todos”. Este es un ejemplo demostrativo de las inquietudes de González y la misión que nos encomienda.

José González representa una forma de ver y hacer música propia de los años 70. Es un folk alegre y optimista, pero reflexivo y evocativo a la vez. En su voz y letras nos recuerda mucho al Paul Simon de la era de Simon & Garfunkel, y toda la camada de cantautores venidos de una época en que todo era más fácil e inocente, hasta llegar a la ingenuidad. Y hoy en día necesitamos gente que nos recuerde que la vida también puede ser simple y luminosa. Este artista viene a ocupar un espacio vacío en la escena musical de hoy, ya que vivimos una sobrecarga de estímulos y mensajes; el mundo actual es tan complejo e inasible, que se agradece mucho que un mensaje artístico nos devuelva la inocencia y simpleza que perdimos hace rato, y lo hace de manera alegre y optimista, sin ningún lamento o lloriqueo de épocas pretéritas en las cuales “todo era mejor”. Por el contrario, es un mensaje lleno de esperanza y futuro, es un llamado a ser mejores personas, a pasarlo bien y a disfrutar el mundo natural, los seres queridos y las cosas simples de la vida. Lo que encontramos en “Vestiges & Claws” es un aporte imprescindible a la escena musical de estos tiempos.

Discos

Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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