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John Zorn – “The Garden Of Earthly Delights”

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Quienes tienen la osadía de acometer con oído crítico la activa biografía musical de John Zorn, entran en un territorio de reglas extrañas, donde innumerables y desconocidas posibilidades se entremezclan para crear un universo sonoro tan inmenso como confuso. Inclasificable, por decir lo menos, Zorn es sin lugar a dudas un artista conocedor de la potencia de la fusión musical basada siempre en conceptos amplios y dialogantes. Es por ello que no resulta extraño verificar la abundancia de puentes que con su saxofón ha establecido hacia el mundo musical. Jazzista de formación, el norteamericano ha conectado los sonidos y las emociones en complejos y simbólicos trabajos de estudio desde hace más de 35 años.

“The Garden Of Earthly Delights” (El Jardín de las Delicias) es un disco inspirado en la obra de uno de los máximos representantes de la pintura flamenca del siglo XVI, conocido como El Bosco. Dicho trabajo es un óleo de un gran contenido simbólico, que detalla a través de figuras extrañas, cómicas y satíricas para la época, la transitoriedad de la vida humana representada en el Edén, el Jardín de las Delicias y El Infierno. De este modo, Zorn nos presenta un disco complejo y dramático, repleto de imaginería histórica, donde la trama sonora y las composiciones construyen elaborados esquemas musicales con ejecuciones atrevidas e impecables.

La placa se inaugura con “Angels And Devils”, una composición repleta de formas musicales provenientes del jazz fusión, donde lo caótico toma vuelo en medio de guitarras distorsionadas, asonadas de batería que bien juegan con la tensión instrumental que aporta un teclado perfectamente ejecutado. Elementos polares y antagónicos toman fuerza y dan paso a “The Infernal Machine”, tema que comienza apaciguado y calmo, despuntando a medio camino hasta provocar un crescendo sonoro donde el bajo toma protagonismo al llenar el espacio musical, mezclándose con una guitarra muy próxima al metal. “The Dragon Tree” se muestra misteriosa y enigmática; el tenso diálogo producido entre los instrumentos activa el corazón, pues es una pieza llena de aceleraciones. “Paean To The Prince Of Hell” señala un respiro y un descanso, es el tema que marca la transición desde el ensueño del Edén hacia el Jardín de las Delicias, es decir, hacia aquel espacio donde el humano ha sucumbido en el pecado y se dirige hacia la perdición de su existencia. “Music Of The Flesh” presenta una floydiana introducción de más de tres minutos, avanzando y y elevándose a un clímax que bien recuerda los mejores solos de batería de John Bonham en Led Zeppelin o de Ginger Baker en Cream. Su epílogo y tercera parte está dado por la serenidad y la tranquilidad instrumental.

“Eve And Adam” se encuentra perfectamente musicalizada, en la medida que los sonidos expresan la contradictoria naturaleza humana, o sea, entre el milagro de la existencia y la radicalidad de sus culpas. Una pieza reflexiva, donde la guitarra y el teclado hablan por sí solos. “Mirror Image”, por su parte, es energía pura con slides de guitarras estremecedores y rotundos, con una batería enérgicamente azotada para dar vida a una composición llena de ritmos y de sentido musical. A ratos se aproxima a una identidad blusera en la medida que la guitarra pareciese hablar y expresarse, sin palabras, obviamente. “The Garden Of The Earthly Delights” representa el centro o punto de llegada del concepto que Zorn intenta ilustrar. Misterio, lentitud, introspección, calma y sigilo la caracterizan y la sitúan en uno de los puntos más altos del trabajo. “The Circuit” es agilidad y caos; distorsión y estremecimiento; fusión y vanguardia. “Out Of The Eternal Sphere” representa el epílogo del camino; es la única canción donde una voz recorre las notas y lo hace para instalar un coro desgarrador y adolorido. Sin duda, la imagen del Infierno aparece nítida y clara.

Representar conceptos venidos de las artes visuales y transformarlos en sonidos y melodías es un trabajo que no cualquiera realiza de manera rotunda y creíble. Experimentos de esta naturaleza existen por montones, desde las abundantes referencias de Pink Floyd en sus primeros años, hasta las actuales musicalizaciones que Muse ha aportado al campo del rock. La banda Sigur Rós y el aclamado Thom Yorke ciertamente van en la misma senda. Pues bien, sin ánimo de más grandilocuencia y megalomanía, John Zorn nos entrega una placa adecuadamente ejecutada desde lo instrumental, pero probablemente lo más relevante no sea eso, sino la capacidad y sensibilidad del multifacético artista para transformar en sonido aquello que vemos. Es este un disco que, sin lugar a dudas, aportará una experiencia estética a quien lo oiga.

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Converge & Chelsea Wolfe – “Bloodmoon: I”

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Bloodmoon: I

Hay veces en que las colaboraciones no terminan de cuajar, y otras en que suena a algo completamente diferente a lo que se podría esperar. También existen casos en que el trabajo final representa un exacto ensamble de elementos entre los involucrados, situación más que aplicable al intenso “Bloodmoon: I”, el debut del proyecto informalmente del mismo nombre, en donde tenemos a dos pesos pesados de la oscuridad: Converge y Chelsea Wolfe. Abordar este trabajo era cosa sencilla con sus antecedentes, ya que la banda se acompañó de la artista en 2016 para una presentación en el festival Roadburn, donde reinterpretaron su catálogo con el componente delicado y, a la vez, poderoso que entrega Wolfe. Al reinterpretar esas composiciones era seguro que algo más saldría, y desde 2019 se comenzó a gestar definitivamente esta colaboración que no escatima recursos en ningún segundo de su oscuro, asfixiante y demandante recorrido.

Desde el primer track, “Blood Moon”, podemos ver como la dinámica entre el frontman Jacob Bannon y Wolfe son el condimento principal de un disco que refleja muy bien la incorporación de los distintos involucrados en su desarrollo. Sumado a la agrupación y la cantante, también participan otros nombres, como Stephen Brodsky de Cave In y Ben Chisolm, quien colabora frecuentemente con la responsable de “Hiss Spun” (2017) en sus proyectos, los que aportan cada uno una visión diferente a la panorámica general que supone el LP.

Por parte de la agrupación, Bannon no sólo desarrolla muy bien la interpretación dramática que se requiere, sino que logra compaginarse con el guitarrista Kurt Ballou en la esencia lúgubre y densa que recorre un disco que, con un relato consistente, se sostiene en cuatro pilares fundamentales para su desarrollo. Esto, porque al mencionado track que inicia el álbum se suman otras canciones como “Viscera Of Man”, “Lord Of Liars” o “Crimson Stone”, cada una funcionando como un pilar que sostiene la obra como tal, concentrando a la misma vez todos los elementos que desfilan de manera esporádica entre cada corte. Independiente de la dualidad entre voces masculina y femenina que se da en la dinámica del disco, el componente que une todos los aportes es la intensidad propia de un disco de Converge, lo que desaparece en contadas ocasiones para dejar al misticismo de Wolfe como protagonista absoluto del relato.

En ese sentido, “Bloodmoon: I” refleja una fórmula que deja entrever que lo mejor está por venir; indudablemente la numeración en el título intuye que podría haber más en el horizonte, y la confianza que logran entre todos para desarrollar el LP es francamente mágica. Un disco de escucha lenta, con mucha atención, y que probablemente tomará más de un intento para cautivar a los más esquivos, tal como suele pasar con prácticamente todas las obras de los involucrados. Eso sí, las crudas emociones reflejadas en sus once composiciones demuestran la honesta intención de texturizar, rearticular y darle forma a un rock gótico que fusiona elementos del doom, folk, hardcore e incluso punk, dando como resultado un sonido sustancioso, con cuerpo y un carácter que va en directa relación con el trabajo lírico.

Puede que “Bloodmoon: I” sea el trabajo más liviano de Converge, pero indudablemente es el más consistente en cuanto a estructura y exploración de sonidos, mostrándonos otra faceta de una banda que ha sabido reinventarse para transitar por distintos géneros en sus años de carrera. Un disco así habría sido imposible sin el aporte fundamental de Chelsea Wolfe, ya que es gracias a su interpretación que se llega a esos paisajes cinemáticos y de tintes apocalípticos, los que finalmente son el perfume esencial de esta obra que, más allá de ser una colaboración sin norte seguro, logra desarrollarse de una manera íntegra y respetuosa como un trabajo colaborativo bajo una idea común, mirada desde diferentes puntos de vista.


Bloodmoon: IArtista: Converge & Chelsea Wolfe

Disco: Bloodmoon: I

Duración: 58:44

Año: 2021

Sello: Epitaph / Deathwish


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