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To Love Is To Live To Love Is To Live

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Jehnny Beth – “To Love Is To Live”

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Cuando David Bowie murió, su legado fue ampliamente discutido y considerado, en especial desde la coincidencia de “Blackstar” (2016) y su mensaje con la muerte del hombre que se hizo leyenda. Esa vocación de trascendencia era algo abrumante para muchos en aquel momento, y ese vacío de mortalidad seca e inquietante agobió a varios, como, por ejemplo, a Jehnny Beth, cantautora y artista, voz de Savages, quien sintió una urgencia por mostrar su valía y su declaración de intenciones como cultora de las artes. Ahí nació el proyecto “To Love Is To Live”.

Lejos de la Jehnny Beth que declaraba hace años no querer escribir canciones de amor con Savages –algo revertido en “Adore Life” (2016)–, ahora el sentido de la existencia y cómo esta es configurada por las sensaciones, entre ellas el amor, son el motivo para la profundidad del álbum debut de la francesa. Más que el amor romántico, hay una visión amplia de esa sensación que puede operar desde la perspectiva más pragmática, de amar lo que se hace, de amar mediante lo que se hace, porque el amor es una obra o una reflexión o una imposición o un contrato, o también puede ser un motor para vivir. Es este tipo de elucubraciones que, mediante referencias indirectas, pero sentidas, inundan un disco intenso y urgente.

En vez del post-punk de Savages, lo que domina “To Love Is To Live” es el uso de herramientas electrónicas más cercanas a lo industrial o al synth-pop, construyendo más en la veta de Nine Inch Nails (“How Could You”) o en un sonido orgánico desde un piano y una voz más dulce (“French Countryside”). La construcción de coherencia en el disco viene desde los temas que se tratan y también desde la fuerza de una autora que ve en las canciones su legado, consiguiendo emanar esa aura de trascendencia que operó como catalizador de este opus.

Pese a que el tracklist luce un tanto lleno de quiebres entre ritmos más frenéticos o caóticos, y otros más calmos o con un pulso más lento y profundo, sí hay una triada de tracks que dispone un discurso general que va por sobre todo: el inicio con “I Am”, el poema de Jehnny Beth leído por el actor Cillian Murphy en “A Place Above”, y el cierre con “Human”. En estos tres tracks se advierten mensajes que cuestionan el carácter humano de la humanidad, desde la mera capacidad de sentir hasta las manifestaciones más cruentas, como la guerra o el capitalismo desatado. Con ese paraguas cubriendo el disco, reflexiones como la percepción de los pecados (“We Will Sin Together”), la ingenuidad (“Innocence”), la naturaleza patriarcal que define la desfachatez de la destructividad del ser humano (“I’m The Man”) o la necesidad de trascender (“Heroine”) lucen como ideas más profundas o más específicas de lo que realmente son, y he ahí parte de la magia de lo que logra Jehnny Beth en este trabajo.

La portada mostrando a la artista como una estatua, en pose ruda, lista, concreta y combativa, lista para llegar al panteón, es una muestra más de cómo el disco se observa a sí mismo, de cómo se ve en el espejo y, en vez de ser un peso, esto lo eleva, porque se siente más como un evento que como un mero producto. Además, la autora se acompaña de nombres que son bien utilizados, sin quedarse con un protagonismo que es cien por ciento de ella. Joe Talbot de IDLES, Romy Madley Croft de The xx, Atticus Ross (quien produjo un par de tracks), y la producción del partner de vida de Beth, Johnny Hostile, son apoyos que levantan la obra sin desviar la mirada, algo complejo cuando el proyecto es tan personal y asociado a la fuerza de una artista en particular.

Jehnny Beth sale airosa de su ambición y queda enaltecida por el resultado de un esfuerzo coherente, honesto y lleno de amor por la obra, por el acto de obrar, y por tratar de dejar una huella. Aunque el disco parezca abrasivo, corrosivo o abstracto a ratos, la humanidad que destila, critica y anhelante, es lo que genera un nexo emocional que atrae a revisar “To Love Is To Live” como un todo. Y es en ese viaje evocativo, imperfecto, a veces desordenado, pero siempre urgente, es en esa trayectoria que la artista consigue demostrar cómo las complejidades del ser y estar aún en este mundo pueden ser a la vez vulnerables y poderosas.


Artista: Jehnny Beth

Disco: To Love Is To Live

Duración: 38:32

Año: 2020

Sello: Caroline International


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Discos

Angel Olsen – “Whole New Mess”

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Whole New Mess

Hace menos de un año, Angel Olsen lanzó un álbum digno de definir una carrera. “All Mirrors” (2019) se estableció como el punto donde su composición y visión alcanzó un nuevo nivel, y el dramatismo de sus letras fue ampliado por la magnitud del sonido orquestal que acompañó al disco, combinación que lo convirtieron en uno de los mejores lanzamientos del año. Cuesta creer entonces que su concepto original sea todo lo contrario. “Whole New Mess” recopila las grabaciones originales de lo que conocimos en su disco anterior, reintroduciéndonos el corazón roto de la cantautora sólo a través de su voz y guitarra, demostrando que la grandiosidad de sus canciones no depende de los elegantes arreglos, sino que de su ilimitada capacidad de retratar el dolor.

Originalmente, “Whole New Mess” vería la luz junto a “All Mirrors” como una doble invitación al mundo de Olsen, pero su lanzamiento no pudo ser más oportuno. Como mucho del mundo actual, las versiones son solitarias, nostálgicas, envueltas en una atmósfera de confinamiento, como si hubieran sido compuestas en estos meses. Sin embargo, sería un error decir que son más silenciosas, pues la música presente introduce otra clase de poder. Tal es el caso de “Impasse (Workin’ For The Name)”, que puede parecer más minimalista en sonido, pero la voz y cuerdas de Olsen rugen de igual manera y su capacidad de electrizar no se pierde, a pesar de la desnudez mostrada.

Es a través de su capacidad para moldear su voz según sus emociones por donde la cantante logra diversificar los sonidos de un disco uniforme. Su voz es desgarradora, pero confortante, como en “Too Easy (Bigger Than Us)” o “Chance (Forever Love)”, donde sus tonos son clásicos, reminiscentes de dolores antiguos, aunque sus melodías son cálidas, como si confortaran sus lamentos. “Chance” pierde los arreglos que la convirtieron en un cierre tan catártico, pero no por eso deja de ser un fuerte golpe de emociones. Las vocales de “Tonight (Without You)” son potentes, pero necesarias, y aun sin el aplaudido final orquestal este parece ser un punto de catarsis, sin violines ni órganos, es su voz la que encuentra luz.

El peso más grande recae en las versiones originales de “All Mirrors” y “Lark”, ahora retituladas “(We Are All Mirrors)” y “Lark Song”. La primera es una pieza de folk mucho más tradicional, con un simple rasgueo que acompaña al relato universal de Olsen, intensificado por el constante reverb. Por su parte, “Lark Song” no pierde su fuerza y sigue arrastrando la responsabilidad emocional del disco, explotando a través de sus seis minutos en un crescendo de emociones. Si bien, estas versiones son mucho más íntimas, también reflejan una fuerte universalidad de experiencias, sin reducirse a las penurias del amor, sino que explorando múltiples relaciones humanas y sus efectos en las personas. La desnudez de su melodía ha permitido centrarse en el aspecto lírico, que presenta potencia por sí solo.

Existen dos canciones que no tienen punto a comparar: la apertura homónima y “Waving, Smiling”, que reemplazan a “Spring” y “Endgame”. La carta inicial lleva el espíritu del disco, mostrándose vulnerable y de un intencionado desorden, tal como los sentimientos que evoca, reconociendo una vida en constante cambio, pero aceptando la repetición de sus estados emocionales. El otro corte original es aún más vulnerable que el resto, tanto en melodía como en lírica es directa, sin rodeos, donde la soledad logra materializarse, pero un brillo esperanzador la ilumina: “El sol está brillando, estoy saludando, sonriendo, al amor por siempre, vivo y muriendo”.

Decir que las canciones en “Whole New Mess” son sólo demos inacabados sería minimizar las expresiones originales que se convertirían en “All Mirrors”. Esta colección de temas es tan fundamental como cualquier otra pieza de su discografía, donde la melancolía y desnudez no deben confundirse con una constante tristeza, sino como una invitación honesta a entender el mundo de una artista. Tan solo con su voz y su guitarra, Angel Olsen logra minimizar el sonido sin perder jamás la potencia, encontrando una nueva forma de hacer rugir sus sentimientos y dejando en claro que, lejos de los arreglos majestuosos, puede encontrar momentos de dramatismo, catarsis y, sobre todo, esperanza.


Artista: Angel Olsen

Disco: Whole New Mess

Duración: 42:05

Año: 2020

Sello: Jagjaguwar


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