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To Love Is To Live To Love Is To Live

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Jehnny Beth – “To Love Is To Live”

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Cuando David Bowie murió, su legado fue ampliamente discutido y considerado, en especial desde la coincidencia de “Blackstar” (2016) y su mensaje con la muerte del hombre que se hizo leyenda. Esa vocación de trascendencia era algo abrumante para muchos en aquel momento, y ese vacío de mortalidad seca e inquietante agobió a varios, como, por ejemplo, a Jehnny Beth, cantautora y artista, voz de Savages, quien sintió una urgencia por mostrar su valía y su declaración de intenciones como cultora de las artes. Ahí nació el proyecto “To Love Is To Live”.

Lejos de la Jehnny Beth que declaraba hace años no querer escribir canciones de amor con Savages –algo revertido en “Adore Life” (2016)–, ahora el sentido de la existencia y cómo esta es configurada por las sensaciones, entre ellas el amor, son el motivo para la profundidad del álbum debut de la francesa. Más que el amor romántico, hay una visión amplia de esa sensación que puede operar desde la perspectiva más pragmática, de amar lo que se hace, de amar mediante lo que se hace, porque el amor es una obra o una reflexión o una imposición o un contrato, o también puede ser un motor para vivir. Es este tipo de elucubraciones que, mediante referencias indirectas, pero sentidas, inundan un disco intenso y urgente.

En vez del post-punk de Savages, lo que domina “To Love Is To Live” es el uso de herramientas electrónicas más cercanas a lo industrial o al synth-pop, construyendo más en la veta de Nine Inch Nails (“How Could You”) o en un sonido orgánico desde un piano y una voz más dulce (“French Countryside”). La construcción de coherencia en el disco viene desde los temas que se tratan y también desde la fuerza de una autora que ve en las canciones su legado, consiguiendo emanar esa aura de trascendencia que operó como catalizador de este opus.

Pese a que el tracklist luce un tanto lleno de quiebres entre ritmos más frenéticos o caóticos, y otros más calmos o con un pulso más lento y profundo, sí hay una triada de tracks que dispone un discurso general que va por sobre todo: el inicio con “I Am”, el poema de Jehnny Beth leído por el actor Cillian Murphy en “A Place Above”, y el cierre con “Human”. En estos tres tracks se advierten mensajes que cuestionan el carácter humano de la humanidad, desde la mera capacidad de sentir hasta las manifestaciones más cruentas, como la guerra o el capitalismo desatado. Con ese paraguas cubriendo el disco, reflexiones como la percepción de los pecados (“We Will Sin Together”), la ingenuidad (“Innocence”), la naturaleza patriarcal que define la desfachatez de la destructividad del ser humano (“I’m The Man”) o la necesidad de trascender (“Heroine”) lucen como ideas más profundas o más específicas de lo que realmente son, y he ahí parte de la magia de lo que logra Jehnny Beth en este trabajo.

La portada mostrando a la artista como una estatua, en pose ruda, lista, concreta y combativa, lista para llegar al panteón, es una muestra más de cómo el disco se observa a sí mismo, de cómo se ve en el espejo y, en vez de ser un peso, esto lo eleva, porque se siente más como un evento que como un mero producto. Además, la autora se acompaña de nombres que son bien utilizados, sin quedarse con un protagonismo que es cien por ciento de ella. Joe Talbot de IDLES, Romy Madley Croft de The xx, Atticus Ross (quien produjo un par de tracks), y la producción del partner de vida de Beth, Johnny Hostile, son apoyos que levantan la obra sin desviar la mirada, algo complejo cuando el proyecto es tan personal y asociado a la fuerza de una artista en particular.

Jehnny Beth sale airosa de su ambición y queda enaltecida por el resultado de un esfuerzo coherente, honesto y lleno de amor por la obra, por el acto de obrar, y por tratar de dejar una huella. Aunque el disco parezca abrasivo, corrosivo o abstracto a ratos, la humanidad que destila, critica y anhelante, es lo que genera un nexo emocional que atrae a revisar “To Love Is To Live” como un todo. Y es en ese viaje evocativo, imperfecto, a veces desordenado, pero siempre urgente, es en esa trayectoria que la artista consigue demostrar cómo las complejidades del ser y estar aún en este mundo pueden ser a la vez vulnerables y poderosas.


Artista: Jehnny Beth

Disco: To Love Is To Live

Duración: 38:32

Año: 2020

Sello: Caroline International


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Discos

Black Midi – “Cavalcade”

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Cavalcade

Durante la última década, muchos prometedores nombres han pasado por la escena musical. Con un hype a veces indescriptible de parte de la prensa, hemos sido testigos cómo gran parte de las bandas jóvenes sucumbe a la presión y no logran impresionar mucho más allá de un primer álbum. Con ese antecedente, era evidente que los más escépticos tomarían con pinzas el éxito alcanzado por Black Midi con su debut “Schlagenheim” (2019) y pondrían en duda si la agrupación iba a ser capaz de mantener el buen nivel en su sucesor. Ahora, en pleno 2021, el conjunto británico arremete con una segunda placa, “Cavalcade”, donde, según ellos mismos han afirmado en entrevistas, se concentraron en “ahora sí” hacer un disco bueno.

“John L”, canción que abre el disco y primer adelanto de “Cavalcade”, demuestra en seguida la madurez tanto en composición como interpretación que alcanzó el conjunto. Si bien, ellos mismos han declarado que terminaron “aburriéndose” de su álbum anterior, lo que en esencia sucede con Black Midi es que han avanzado a un punto en donde pueden sentirse mucho más capaces de generar el sonido que siempre quisieron. Las influencias están claras en un disco que grita The Fall, y, sobre todo, King Crimson por todos lados, siendo imposible no recordar obras maestras como “Discipline” (1981) de los comandados por Robert Fripp en cada instrumento que ingresa a un coordinado destiempo en el track inicial, destacando el impecable trabajo de Morgan Simpson en la batería, desde donde nace el alma de cada composición de los jóvenes británicos.

Si hay algo en lo que se debe ser justos, es que su primer larga duración no fue para todos. Siendo una placa sólida y muy bien recibida de primeras, es con el paso del tiempo cuando muestra sus ripios con una producción algo ruidosa a ratos y una estructura que se siente tan desordenadamente ecléctica como su forma de tocar. Muy por el contrario, con este LP la agrupación refina mucho más la disposición de sus elementos, perfeccionando la complicidad entre cada uno de sus integrantes para estructuras desde los fraseos, hasta las estructuras sonoras propiamente tal. Momentos de calma como “Marlene Dietrich”, o los desenfrenados cálculos de “Chondromalacia Patella” y “Slow”, reflejan exactamente la tremenda evolución del conjunto en términos de interpretación, algo que indudablemente consiguieron tras tocar en cuanto escenario posible alrededor del mundo durante el ciclo de promoción de su debut.

La incorporación de elementos es crucial en la estructura de este álbum, y en ese sentido el conjunto gana con la adición de Kaidi Akinnibi en el saxofón y Seth Evans en teclado, enriqueciendo todavía más la fórmula propuesta por Black Midi. Es ahí donde más se nota la influencia de King Crimson, ya que el guitarrista y vocalista Geordie Greep recuerda en muchas ocasiones a Robert Fripp, e incluso a nombres menos ligados al progresivo, como David Byrne durante los momentos más jocosos del álbum. Desde ese punto de vista, destacan tracks como “Dethroned” y “Hogwash & Balderdash”, dos de las composiciones más sólidas del disco en términos de sonido y estructura. El excelente trabajo de Black Midi culmina con “Ascending Forth”, una inquietante composición de casi 10 minutos que deja la puerta abierta para pensar en la siguiente etapa del conjunto, una que (de mantener este ascenso de calidad) promete encaminarlos poco a poco hasta las alturas más insospechadas dentro del panorama actual.

Volviendo al punto de lo refrescante que fue su debut, pese a todo eso, es con este disco que Black Midi logra maximizar todos los atributos por los que han sido alabados, pasando de ser catalogados como un experimento o una promesa, a ser una banda con todas sus letras. Cada minuto de “Cavalcade” mantiene esa furia y ambición de una agrupación joven, pero también expresa un sentido de conciencia y madurez artística que les permita dar el siguiente paso. Lo que se venga en el futuro dependerá de muchos factores, pero de continuar por esta misma senda, estamos siendo testigos del desarrollo creativo de uno de los nombres que más influenciará la escena progresiva en el futuro. Más allá de las melodías y los sentidos, la narrativa sonora presente en “Cavalcade” se desenvuelve a cada escucha como un acertijo que va arrojando pistas poco a poco para revelar su naturaleza.


Artista: Black Midi

Disco: Cavalcade

Duración: 42:25

Año: 2021

Sello: Rough Trade


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