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Japandroids – “Near To The Wild Heart Of Life”

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Con tan solo dos discos bajo el brazo, ya a fines de 2012 los oriundos de Vancouver habían logrado situarse como uno de los referentes de la escena punk y garage rock de tono lo-fi. En este escenario hay bandas que posiblemente hubieran amarrado el momento, lanzando varios discos uno tras otro, sin embargo, el conjunto no sólo se tomó un lustro para volver con un nuevo trabajo, sino que además pareciera haber decidido enfrentar tempranamente la encrucijada que separa a aquellas bandas que deciden repetir la fórmula de manera incesante, de aquellas otras que, movidas por la inquietud creativa, deciden arriesgar lo que tienen. “Near To The Wild Heart Of Life” deja en evidencia que King y Prowse no están para facilismos.

Si bien, en las formas el conjunto se mantiene fiel a su legado (entregan por tercera vez una portada en blanco y negro con ambos integrantes como protagonistas, del mismo modo que usan nuevamente sólo ocho tracks para dar testimonio del espacio sonoro que habitan hoy día), y en lo musical los cambios comienzan a evidenciarse desde el primer corte, ya que si bien la canción que da nombre al álbum se presenta efectiva, directa y contagiosa, el sonido es claramente diferente, sin espacio para distorsiones ni excesos lo-fi, sino que, muy por el contrario, brillante y bien definida, sobresaliendo en lo lírico por la destreza de King para facturar uno de esos cortes, que al igual que “Thunder Road” de Bruce Springsteen están hechos para cantar con el alma y salir a cazar sueños. “North East South West” repasa los vaivenes de la vida en la carretera y el sentido de pertenencia, instalándose sin problemas como un excelente mid tempo para continuar la carrera iniciada en el primer track.

Sin embargo, si bien el comienzo del larga duración es sin duda auspicioso, lo que sigue con “True Love And A Free Life Of Free Will” y “I’m Sorry (For Not Find You Sooner)” de alguna manera desacelera en exceso las cosas, al punto de que ni la novedosa guitarra acústica incorporada en el primero de estos cortes, ni el reverberante shoegaze del segundo logran evitar esa extraña sensación de que se podría haber hecho algo más con este par de canciones.

Por fortuna, lo que sigue con “Arc Of Bar” se instala como la apuesta más sorpresiva y grata de esta nueva entrega. Con sintetizadores en rol protagónico, rescata sonidos del pre brit pop inglés, mientras que en lo lírico se planta sencilla y directa, logrando mantener el ímpetu sin problemas a pesar de sus más de siete minutos de duración. “Midnight To Morning” funciona como puente hacia el último tramo del álbum y “No Know Drink Or Drug” sobresale como uno de los puntos altos de la entrega al combinar con precisión quirúrgica una letra coerable y sentida con un estribillo con el número preciso de “sha-na-nas”, mientras que “In A Body Like A Grave” finaliza el álbum en alto: sencilla y efectiva en lo musical, vuelve en lo lírico al concepto que abre el disco, cerrando de manera perfecta el círculo abierto hace algo más de treinta minutos.

Estar en la cima y apostar por cambiar la fórmula teniendo como fin último respetar la propia inquietud artística, es algo que merece ser aplaudido siempre. Los resultados de esto -independiente de las lecturas personales- son más que el reflejo de la música entendida como un animal vivo, que no sabe de concesiones. Lo de Japandroids hoy habla de una banda que justamente entiende y respeta a la música como el ser vivo que es, logrando innovar y al mismo tiempo no perder el espíritu en el intento. Esta nueva entrega combina de buena manera momentos que golpean a la primera vuelta, como “Near To The Wild Heart Of Life”, “North East South West” y “No Know Drink Or Drug”, con otros que sólo comienzan a mostrar sus distintas capas después de varias visitas. Es muy posible que se trate de un álbum de transición, pero, como sea, mientras el dúo mantenga la inquietud creativa y continúe desafiándose a sí mismo, seguirán siendo una de las bandas de revisión obligada.

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DIIV – “Deceiver”

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Deceiver

Desde su debut, la imagen de DIIV –y en particular la de su líder, Zachary Cole Smith– ha sido asociada a los estereotipos de los iconos del rock noventero, con una estética grunge que, para felicidad de Smith, les valieron numerosas comparaciones con su ahora ex modelo a seguir, Kurt Cobain. Sin embargo, la música de la banda nunca sonó similar a Nirvana o a sus coetáneos. En “Oshin” (2012) la melódica voz de Smith era acompañada de dulces instrumentaciones, asegurándoles un espacio como rostros del dream pop y el shoegaze. Este sonido se profundizo en “Is The Is Are” (2016), sin embargo, su contenido se aleja de la luminosidad de su predecesor y ofrece relatos más personales. Es en “Deceiver” donde el grupo toma las guitarras y abandona las dulces melodías para su trabajo más oscuro e introspectivo, escribiendo sus propias narrativas.

Resulta irónico que sea “Deceiver” el disco que por primera vez se asemeja a las influencias grunge que la banda ha presentado de forma estilística. Poco antes de su lanzamiento, Zachary Cole aseguró ya no ver a Cobain como un modelo a seguir y decidió separar al hombre de su trabajo. El primer sencillo, “Skin Game”, continúa con el tema de las adicciones de su predecesor, pero con fuertes guitarras que contrarrestan la dulce voz de Smith. A diferencia del disco anterior, el sencillo no lidia con la recuperación, sino que con la aceptación de una enfermedad y el cómo vivir con ella. La canción es un perfecto adelanto del disco, manteniendo un sonido dream pop, pero abandonando los meros guiños al rock; esta vez las guitarras son protagonistas.

El primer corte del disco, “Horsehead”, es una antítesis a las introducciones de las placas anteriores de DIIV, con una oscura instrumentación a cargo de poderosas guitarras que adelantan la gama sonora del disco. La voz de Smith no pierde su dulzura, pero su tuno sugiere una honestidad y fragilidad más presente que en trabajos anteriores. Canciones como “Like Before You Were Born” y “Between Tides” muestran que la banda no ha desestimado sus composiciones características, sólo ha expandido su gama sonora para maximizar toda la experiencia. “Blankenship”, por ejemplo, es un clásico de DIIV desde su inicio, con una suave melodía que fluye a través del liderazgo vocal de Smith, pero este espacio común es rápidamente corrompido por la inclusión de guitarras que recuerdan la intencionalidad del disco y expresan la diversidad de la banda.

Si bien su duración es menor que la de su antecesor, “Deceiver” suena mucho más grande. Las vocales y líricas son mucho más claras y la instrumentación nos acerca a un maximalismo no visto antes en su discografía. Y es que en este esfuerzo no hay espacios para sutilezas; después del lanzamiento de “Is The Is Are” el cantante se refirió a sus composiciones como unas “mentiras”, lamentando la forma en que representó las adicciones, enfocándose sólo en la recuperación y no en la vida con estas. Por esto, todos los elementos del disco se maximizan, como una contraparte más oscura y profunda que la anterior. “Taker” se presenta como una pieza central, tomando las responsabilidades de las mentiras cometidas y aceptando las consecuencias de un viaje lejos de terminar. Las guitarras son mucho más pesadas en este punto, adelantando la forma en que esta oscuridad se profundizará en la segunda mitad.

Es la segunda parte del disco la que presenta su mayor vulnerabilidad y sinceridad, donde el problema ha sido aceptado y comienza la búsqueda por la redención. “For The Guilty” presenta los efectos que las adicciones han causado en su círculo y en sí mismo, con un instrumental que prueba que el álbum triunfa en sus momentos sonoros más oscuros, sin opacar el desempeño vocal, sino que resaltándolo. “The Spark”, tal como lo índica su título, presenta un inusual momento de luz en el disco, con una brillante melodía que acompaña la catarsis de su narración. Sin embargo, culmina con “Acheron”, quizás uno de los momentos más oscuros de “Deceiver”, con sombrías guitarras y líricas: “Odio al Dios en el que no creo. El paraíso es sólo una parte del infierno”. La pieza es lo más cercano a rock noventero que alude su imagen, y sus siete minutos de duración dejan en un punto alto el cierre del disco.

La escena de rock en la que DIIV ha participado durante esta década ha sido asociada a las adicciones por casi tanto tiempo como existe. Asimismo, la figura de Zachary Cole Smith, quien había gozado de las comparaciones con quien veía como un modelo a seguir, pero su distanciamiento de estas figuras no viene desde un lugar juzgador, sino de reconocerse y querer narrar su propia historia. El protagonismo de las guitarras no es coincidencia, es parte del viaje a emprender y un reconocimiento a las influencias que esas bandas que lo formaron estilísticamente tuvieron a la hora de hablar sin tapujos de las adicciones. “Deceiver” puede no ser el sonido más característico de DIIV, pero es el más sincero y pertinente para reflejar el presente de la banda.


Artista: DIIV

Disco: Deceiver

Duración: 42:28

Año: 2019

Sello: Captured Tracks


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