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James Blake – “The Colour In Anything”

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La aparición relativamente nueva de James Blake en la industria musical partió con pie derecho en 2011, al aventurarse con un sonido experimental que permitió identificarlo como un singular representante de la escena post-dubstep. Incluso la maldición del segundo disco era sepultada en 2013 con “Overgrown”, trabajo con el que logró afirmar una actitud musical aún mejor recibida, y que sentó influencias perdurables. Ya en diciembre de 2014 el tercer disco era anunciado y, sin embargo, tardó en llegar a nuestros oídos. La duda era el camino. Luego de haberse dado a conocer y parado sobre terreno firme, lo que siguiera podría ser más de lo mismo o algo totalmente ajeno. Pero sin defraudar, o mejor dicho, extendiendo la evidencia de sus capacidades, Blake demuestra ser fiel a los conceptos anteriormente sembrados, cosechando en esta oportunidad un disco particular y sobre todo honesto, en donde se pasea por las zonas más lúgubres de un sentimiento relacionado con la pérdida y distanciamiento entre dos personas que alguna vez se amaron.

james-blake-01El relato es doloroso en todas sus formas, y habla sobre un proceso de separación desde el principio hasta el final. Se luce con célebres colaboraciones que contemplan a Justin Vernon (Bon Iver) en la sobrecogedora “I Need A Forest Fire” y Frank Ocean en “My Willing Heart”. Incluso Kayne West había estado inicialmente considerado. Como es habitual, las líneas del piano crean atmósferas nostálgicas que sostienen ritmos sombríos. “Radio Silence”, por ejemplo, introduce a este estado en donde las armonías vocales  juegan un rol importante al tiempo que repiten “no puedo creerlo, no quieres verme”. Se piensa, entonces, una referencia inesperada pero atractiva a “I Hope She’ll Be Happier” de Bill Withers (“no puedo creer que no quiera verme / hemos vivido y nos hemos amado por tanto tiempo”).  El uso de loops y armonías íntimas siguen marcando la senda en “Points” y “Love Me In Whatever Way”, muestra del oscuro sentido de las relaciones humanas cuando se ven viciadas: “Dime a dónde tengo que ir / y luego ámame allí”.

La tripleta inicial genera altas expectativas y habla de un trabajo que se sustenta y atrae, sin embargo, se presume que escucharlo hasta el final de una sola vez no es un ejercicio tan fácil de realizar, más aun considerando la duración algo exagerada de 76 minutos. Cuesta un poco digerir la cantidad de información entregada, que es cuantiosa, y el lenguaje sonoro es extravagante. Pero sobre el mismo hecho radica la calidad de su sustancia, pues en los detalles se aprecia la riqueza de los elementos que componen la música de Blake. Hablar de un solo género musical es incluso reducir demasiado, puesto que la cantidad de mezclas va desde estilos más clásicos como el jazz o el soul, mientras que recoge partes de R&B, trip hop, e incluso llegando a tocar alguna rama de góspel. Todo esto en diálogo con la “electrónica”, reproduce un sonido moderno que va siendo actualizado mediante la experimentación.

james-blake-02Algo de esta sonoridad experimental se aprecia en “f.o.r.e.v.e.r.”, que viene a jugar un papel de tipo balada común. En tanto, “Put That Away And Talk To Me” reúne una serie de elementos que puestos por separado bien podrían ser nada más que ruidos triviales. “I Hope My Life (1-800 Mix)” es una de esas canciones que evidencian la diversidad que habita el álbum, pues el ritmo adopta formas new wave haciendo guiño a una electrónica más ochentera, aunque sin perder la esencia de su frescura característica. Muchas emociones se transmiten mediante los quiebres vocales de Blake, y en “Choose Me” el desgarro llega a su más alta expresión. En tanto, “The Colour In Anything” cautiva con las armonías de un piano triste y se destacan técnicas de grabación doble que recuerdan a temas como “Retrograde” de 2013. El álbum va reflexionando un final acompañado de letras que dan por entendido el término inminente de la relación amorosa y la asimilación de una nueva realidad. Así, en “Modern Soul” Blake dedica un significativo outro a cantar “quiero que termine, quiero que termine”. “Meet You In The Maze” es la encargada de dar cierre a la trama mediante un tono robótico cantado a capela. La voz se encuentra intervenida por sintetizadores, pero no pierde su peso emocional ni su profundidad.

Al analizar la escucha en su totalidad, es posible darse cuenta de que el disco entero es una especie de trance, o un viaje bien condimentado por una diversidad de elementos que Blake logra mezclar de manera inteligente. Los ritmos hipnóticos, el clásico downtempo aprovechado de vetas trip hop, los beats magnéticos acompañados de líricas afligidas, los sonidos melismáticos, todo tamizado por técnicas digitales, son a estas alturas pasadizos altamente transitados por el músico inglés que, sin viciar ni disgustar, hacen gala de un talento probado y comprobado a sus inmejorables 28 años.

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Weezer – “Van Weezer”

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Van Weezer

Weezer ha lanzado una gran cantidad de discos de manera ininterrumpida durante los últimos años. Ni siquiera la pandemia de COVID-19 ha sido capaz de detener la prolífica carrera de los californianos y ya en 2021 cuentan con dos lanzamientos: “OK Human” y “Van Weezer”, su más reciente trabajo.

Mediáticos y memeables, la banda ha aprovechado su base de fans, la cultura pop y una serie de guiños que los ha posicionado como un grupo odioso por un lado, y virtuoso y original por otro. Es en este sentido que resulta difícil analizar y descubrir las intenciones de una banda en constante búsqueda de atención y vigencia, quienes, colgándose de covers como “Africa” de Toto o de virales de internet, han forjado una particular identidad a través de los años, posicionándolos como una banda de tradición dentro del rock alternativo. Sin embargo, sus constantes paseos por diversas referencias han erosionado esa identidad, dejándolos sin un domicilio estético y sonoro claro, sino más bien dentro de un sinfín de posibilidades. O tal vez esa es su verdadera y mutante identidad.

Así, “Van Weezer” asoma como uno de sus trabajos donde pueden reconquistar a antiguos seguidores y también ganar nuevos fanáticos. Después de conocer la emotiva “Hero”, la banda se lanzó de lleno con un disco cargado al hard rock y al metal, con Rivers Cuomo como el guitar hero. Y de eso va “Van Weezer” (nombre en honor al fallecido Eddie Van Halen), un desfile de potentes y divertidas guitarras con riffs y solos ideales para practicar en casa o tararear en el trabajo, como “The End Of The Game”, o fugaces tributos incluso a la época hard de Metallica (“1 More Hit”). Las referencias son inagotables y podrían ser, además, cualquiera del gran espectro del rock.

La receta del álbum es simple y se pasea por lo más clásico, cazando a nostálgicos y atrayendo a curiosos con sus pegadizos riffs, que funcionan como el mejor tributo adolescente. Weezer ha recurrido a lo mejor de sus influencias de manera honesta y, sobre todo, sobria y sencilla, con un especial cuidado en la producción. Todos esos elementos hacen de este álbum un viaje divertido y agradable, aún si a alguien no le gusta la banda.

Por supuesto, hay espacio para las baladas y hacia el final “Precious Metal Girl” sorprende con su cálida interpretación, donde Cuomo escribe y canta como si le hablara a su yo adolescente. A través de su linda elección de acordes, irónicamente la canción –que no tiene absolutamente ninguna guitarra eléctrica– transmite emoción y se alza como uno de los puntos altos.

“Van Weezer” es un álbum breve, pese a su intensidad (ninguna canción alcanza los cuatro minutos), sin embargo, agrupa muy bien todas las intenciones de la banda en su búsqueda de honrar a sus héroes de las seis cuerdas, de forma sorpresivamente sobria. Y es que podría esperarse un trabajo aún más explosivo y colorido viniendo de Weezer, pero esta vez no necesitaron disfrazarse para explorar un lado que se nota conocen y atesoran.


Artista: Weezer

Disco: Van Weezer

Duración: 30:49

Año: 2021

Sello: Atlantic / Crush Music


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