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Friends That Break Your Heart Friends That Break Your Heart

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James Blake – “Friends That Break Your Heart”

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Como uno de los principales arquitectos de la electrónica alternativa de la década pasada, James Blake se ha convertido en una sombra en trabajos del mainstream, inspirando a artistas como Beyoncé, Billie Eilish, Lorde y Drake a experimentar con la música pop, sin embargo, en su nuevo álbum, “Friends That Break Your Heart”, el artista pasa al frente para exponer su propia visión de cómo el pop moderno puede llegar a sonar. Ya ha pasado una década desde que debutara con su álbum homónimo y, desde entonces, su música ha evolucionado a la par del artista, desenredado los nudos más caóticos de la electrónica dubstep de sus inicios hacia baladas más directas, tanto en su composición como melodía. Tal es el caso de “Famous Last Words”, la carta de entrada a este quinto material, donde su voz toma protagonismo y la música es complementaria, con un narrador mucho más maduro y en control de su creación.

En sus primeros trabajos su voz solía tener múltiples ediciones y quedaba escondida bajo enormes instrumentales, pero en este nuevo disco las vocales se presentan de manera más tradicional, liderando las melodías más clásicas del pop contemporáneo. Esto se divide entre las baladas a piano, como “Funeral” o el tema homónimo de la placa, a pistas influenciadas por el R&B y hip-hop actual que él mismo ayudó a construir, con colaboraciones de SZA en “Coming Back” o junto a JID y SwaVay en “Frozen”.

Se podría hablar de su material más tradicional en términos de composición, siendo su primer disco realmente pop en esencia, y esto queda claro en temas como “Foot Forward”, donde cede la producción a Metro Boomin para una colaboración débil en comparación a sus esfuerzos anteriores. Afortunadamente, este se contrasta con la armoniosa unión con SZA en “Coming Back”, una simple y efectiva balada pop, que celebra la química de sus voces. Pero es “Show Me” con Monica Martin la colaboración que termina por ser la más satisfactoria del disco, más monótona en creación, pero rescatando las angelicales voces de ambos, en un instrumental que apunta al gospel moderno.

“Friends That Break Your Heart” funciona mejor cuando James expone por completo su vulnerabilidad, a la par de melodías que condensan su mejor trabajo en los últimos años, como en la sofocante “Life Is Not The Same”, donde se lamenta que las cosas no hayan funcionado, pese a dar todo de sí. O en la solitaria “Funeral”, donde expone sus miedos de ser olvidado en un himno del confinamiento, algo que se explora más en la inquietante “Frozen”, donde la melodía toma un giro casi aterrador gracias a los versos de JID y SwaVay.

En su último disco, “Assume Form” (2019), James Blake mostró un tono más ligero y alegre de lo que se acostumbra, enfatizado por el amor y los efectos en sus propias batallas internas, pero con este disco pone énfasis en los altibajos de la salud mental, centrándose en el camino más que en el final. En “Say What You Will”, una de las mejores composiciones de su carrera, reconoce esta batalla constante, pero revela que está en un mejor lugar para enfrentarla: “Puedo encontrar mi camino sin superpoderes / Puedo ocupar mi lugar sin volverme amargo”, canta aceptando su presente sin caer en la auto condescendencia.

Con “Friends That Break Your Heart”, James Blake demuestra total control de cada elemento musical, donde cada distorsión electrónica es meticulosamente incluida en estructuras más desnudas que en sus esfuerzos anteriores, y en especial durante el tramo final del disco, con algunas de las baladas más vulnerables del material y que el músico desestructura con pasajes más experimentales. Por años, el artista ha cargado con la etiqueta del niño triste de la electrónica y este disco no es la mejor defensa para eliminar este estereotipo. Sin embargo, con composiciones e instrumentales más directos, entrega una versión mucho más compleja en un material más unificado que en los últimos años, al tiempo que logra fusionar todos los géneros que su música ha abarcado en la última década, desde las emotivas baladas a las pistas llenas de complejas capas, que se han convertido en su verdadero sello.


James Blake – Friends That Break Your HeartArtista: James Blake

Disco: Friends That Break Your Heart

Duración: 43:42

Año: 2021

Sello: Republic / Polydor


Discos

Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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