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Jack White – “Lazaretto”

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Para hablar de Jack White no hay que citar la originalidad, sino la creatividad. Y es que muchas veces ambos conceptos se mezclan y confunden, y White nunca ha sido original, aunque la propuesta que mantenía con Meg White en The White Stripes sonaba novedosa y tuvo siempre una buena aceptación en la crítica, obra y gracia de la venia que el lo-fi tiene en la prensa especializada. El gancho era la creatividad que White tuvo para tomar sus influencias del blues de raíz, crudo y nacido desde las entrañas, dándole una electricidad singular y característica. A lo largo de su historia ha ido mutando JACK WHITE 01hacia horizontes que, desde su álbum debut “Blunderbuss” (2013), rozaron el bluegrass y el country más intrínsecamente estadounidense, y que en su nuevo trabajo, “Lazaretto”, alcanzan su clímax.

A través de sus otros proyectos musicales, The Dead Weather y The Raconteurs, también ha dado muestras de esa genialidad que le otorga su creatividad y, sin embargo, el carácter omnipresente de White se ha visto en ambos casos opacado por intereses comunes o topes creativos, y es ahí donde radica la personalidad de “Lazaretto”. Aquí no existe nada más que Jack White, aunque haya nombres en común como Dean Fertita, el teclista de gira de The Raconteurs y estable en The Dead Weather, actualmente conocido por su participación en Queens Of The Stone Age, quien esta vez toma las guitarras secundarias.

Esta característica, la de incluir sus propias influencias a placer, queda ex profeso manifestada en el cover de “Three Women” del blusero Blind Willie McTell, conocido durante la primera mitad del siglo XX, con una reversión interesante y por ratos irreconocible teniendo en perspectiva la original. En el corte que da nombre al disco se repite el patrón, incluso el que venía trayendo desde los últimos discos de The White Stripes. Usa el rock & roll en la medida en que a sus efectos de guitarra les da la gana, rematando hacia la mitad por un breve pero característico solo de guitarra y un beat ralentizado. El country despunta en “Temporary Ground”, donde la voz femenina que le acompaña suena a una Dolly Parton acotadamente menos potente y, con todo esto, aun así White logra ponerle su sello. “Would You Fight For My Love?” recuerda los momentos más profundos e introspectivos, completos sonoramente hablando si se quiere hilar más fino, de sus canciones en The Dead Weather, donde el tecladista de turno, llamado Ikey Owens, le otorga solemnidad con pianos concisos y precisos.

JACK WHITE 02Las guitarras en reversa que abren y, por ratos, condimentan el instrumental “High Ball Stepper”, le dan un toque distinto y el tema no aburre dado su potencia, rememorando por ratos “Dead Leaves And The Dirty Ground”, sin embargo, más lleno. La dupleta “Just One Drink” y “Alone In My Home” juega mucho con el gancho pop y, junto con el ideario White, resulta en una mezcla que jamás es suficiente, donde nuevamente el piano de Owens es descollante. Si en algún lugar cabe la definición de country es en “Entitlement”, eminentemente sureña. Como en los dos primeros tracks, “That Black Bat Licorice” cuenta con ese sello y esos efectos de guitarra que el hombre de Detroit ya no pudo soltar desde finales del siglo pasado, cuestión que se proyecta en “I Think I Found The Culprit”, en este caso desde la continuidad del piano, pero con elementos de su nuevo repertorio.

Un inexplicable inicio con cuervos de fondo abre la honestamente prescindible “Want And Able”, canción que cierra el álbum. Quien no haya oído jamás “Blunderbuss” encontrará la perfección en “Lazaretto”, en caso contrario nos encontramos con un disco que, suponemos por el espacio entre uno y otro, estira el chicle de la inspiración anterior. Nuevamente, poco original y muy creativo, pese a todo.


LazarettoArtista: Jack White

Disco: Lazaretto

Duración: 39:13

Año: 2014

Sello: XL / Third Man Records / Columbia


Discos

Weyes Blood – “And In The Darkness, Hearts Aglow”

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Tres años pasaron desde que Natalie Mering estrenara el cuarto trabajo de estudio de su proyecto Weyes Blood, llevándose el reconocimiento general y un sinfín de aplausos con una obra tan completa como “Titanic Rising” (2019). Aunque la artista se acostumbraba a las buenas críticas, las expectativas serían aún mayor al momento de enfrentarse a un próximo larga duración, misión que tiene pendiente con la llegada de “And In The Darkness, Hearts Aglow”, un trabajo donde la premisa de oscuridad absorbe gran parte de la trama, pero que la interpretación desde el corazón la transforma en una obra con una belleza e intensidad por partes iguales, haciéndole justicia a su título, más allá de las palabras. Todo esto se debe a la manera en que el disco se desarrolla, así como las capas que resisten el análisis o de cualquier prejuicio a la profundidad y efectividad de dichas composiciones.

Desde las distintas aristas que podamos darle a este disco, el principal factor que resalta es la capacidad de Natalie Mering a la hora no sólo de componer canciones, sino que también de la impronta que aplica en la producción, con una serie de colaboradores cooperando en aquella misión. Y es que desde la apertura con “It’s Not Just Me, It’s Everybody” demuestra cómo las cosas siguen su curso desde donde quedaron la última vez y, así, poder identificar de entrada los elementos que hacen de esta obra una sucesora de “Titanic Rising”, ya que es la propia intérprete quien describe este LP como el segundo en una trilogía que comenzó con su lanzamiento anterior. Si bien, prácticamente todas las canciones tienen la intervención de un arreglista externo, todo esto debido al trabajo que los músicos Ben Babbitt y Drew Erickson aplican en gran parte de los tracks, el componente personal se siente no sólo desde la interpretación, sino también desde donde Mering estructura su obra.

De esa forma de estructurar es cómo podemos ver el funcionamiento secuencial de inmensas composiciones, como “Children Of The Empire” o “Grapevine”, en las que Weyes Blood se luce en una interpretación muy rica en detalles, donde su voz logra tomar primer plano incluso con una sección instrumental tan cuidadosa y robusta como la que implementan en la guitarra y batería los hermanos Brian y Michael D’Addario, ampliamente reconocidos como el dúo The Lemon Twigs. Entre el sinfín de influencias y comparaciones que recibe la artista, los nombres de Brian Wilson y Karen Carpenter siempre estarán presentes en la manera compositiva e interpretativa, respectivamente, pero lo cierto es que Natalie ha sabido nutrirse de esos elementos para entregar un enfoque fresco y de manera más directa, evitando plagios o reminiscencias tan explicitas en su música. Un ejemplo de ello es la melancólica “God Turn Me Into A Flower”, donde la hipnótica presencia vocal de Mering se toma cada espacio con una delicadeza e intensidad que ha transformado en sello propio.

“Hearts Aglow”, por otra parte, encierra un poco los tópicos y componentes sonoros de esta quinta obra de estudio de Weyes Blood, aplicando correctamente términos líricos y musicales de la melancolía y contemplación personal, pero a la vez dejando entrever esas fisuras que permiten entrar a un plano más luminoso y optimista. Los arreglos siguen tan impecables como en cualquiera de las canciones de este disco, pero su desarrollo inminente hacia el interludio “And In The Darkness” le dan una cara única, con el carácter más ligado al pop barroco, poniendo énfasis en la experimentación, sobre todo considerando la presencia de una canción como “Twin Flame” que, contraria a la mayoría, carece de arreglistas externos y se centra en las propias ideas de la intérprete. Luego del tormentoso paso de “In Holy Flux”, el disco cierra con “The Worst Is Done” y “A Given Thing”, sumando 10 minutos donde tenemos desde el lado más juguetón hasta el más apasionado, aristas opuestas en el amplio rango interpretativo de Mering.

Siempre es complejo analizar una obra cuando se pueden tomar tantas referencias a la hora de desmantelar su estructura, pero lo cierto es que es en ese ejercicio donde verdaderamente podemos notar cuánto hay de inspiración y de reinterpretación, o si, en el peor de los casos, existe algún atisbo de plagio. Los artistas más nuevos enfrentan el gran problema de un panorama musical a veces desgastado, donde todo fue inventado y nadie puede ser el primero a la hora de querer aplicar sus ideas o entregar una versión más fresca de algo que ya esté arraigado en el oído colectivo. Lo de Weyes Blood no es por ninguna parte algo novedoso o diferente a muchos discos que podamos oír previamente, pero su principal gracia se encuentra en cómo esos elementos se presentan e interpretan, y ahí es donde la artista se desmarca de sus pares y logra salir adelante como una compositora que tiene mucho que ofrecer con su arte. Cinco discos y sólo aciertos es algo que pocos pueden contar, sobre todo a una edad tan temprana, donde el legado musical no puede hacer otra cosa que reforzarse de aquí en adelante.


Artista: Weyes Blood

Disco: And In The Darkness, Hearts Aglow

Duración: 46:22

Año: 2022

Sello: Sub Pop


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