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Fear Of The Dawn Fear Of The Dawn

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Jack White – “Fear Of The Dawn”

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Cuando se terminó The White Stripes, fue por una razón en específico: preservar lo bello y especial de la banda, manteniéndola en ese estado por siempre. Dicha afirmación cobra más sentido aún al pensar en la expansión sonora que el conjunto vivió con “Get Behind Me Satan” (2005) e “Icky Thump” (2007), la guitarra y batería no eran suficientes, y el hambre de Jack White por expandirse sonoramente terminaría transformando a la banda en algo distinto a su esencia, básicamente, en su posterior obra solista. Así llegó “Blunderbuss” (2012) y “Lazaretto” (2014) como directas continuidades en lo que el músico estaba desarrollando creativamente, pero fue con “Boarding House Reach” (2018) donde White comenzó a experimentar más en sus capacidades, pese a que el resultado final no haya sido su trabajo más centrado y de calidad posible. Avanzando hasta 2022, y con más experiencia acumulada, White presenta el primero de dos trabajos solistas en el horizonte con “Fear Of The Dawn”, un disco donde comprende finalmente que se puede experimentar y mantener el espíritu al mismo tiempo.

No hay mucho que analizar en los aspectos sonoros que le dan forma a este LP, bastando con la primera canción, “Taking Me Back”, para notar que lo que Jack White está haciendo es reversionar una forma que con los años ha sido asociada cada vez más a su figura. Guitarras densas, con una distorsión a ratos excesivas, son el piso principal a lo largo de una obra que nos presenta la versión más alocada y experimental del artista hasta el momento, atributos que se ven remarcados con la excelente “Fear Of The Dawn” y “The White Raven”, que encierran muchos de los elementos que el músico incorpora en vivo al interpretar el catálogo de sus distintas bandas, pero también encapsula a la perfección el estilo sonoro que forjó con The White Stripes cuando decidió evolucionar un poco más la primitiva fórmula de guitarra y batería.

Lo anterior cobra un sentido especial con la experimentación de estilos que White aborda en tracks como “Hi-De-Ho” (colaboración junto a Q-Tip de A Tribe Called Quest), que lo lleva a explorar cimientos rítmicos del hip hop con una sencilla base apoyada en la guitarra y el bajo, además de la curiosa, pero efectiva, incorporación de la guitarra acústica en un punto del track. Pese a que en varias canciones los instrumentos corren todos por su cuenta, se nota cuando Jack es bien acompañado por músicos que bien ya conoce, especialmente el baterista Daru Jones y el bajista Dominic Davis, integrantes de cabecera en su banda en vivo y que hacen lo suyo en varias canciones de este nuevo disco. A ellos, junto con otros invitados, se suma el tecladista Quincy McCrary, parte de su alineación en vivo desde 2018, pero que le ha aportado un toque más fresco con su sintetizador a las canciones del ex White Stripes.

Siguiendo con el espíritu experimental del LP, White ofrece una variada muestra de apertura con atisbos de reggae y dub en “Eosophobia”, e incluso un reforzamiento de elementos del metal en “What’s The Trick?”. Por otro lado, también están esas composiciones donde la fórmula segura de su sonido se refuerza con una calidad que sólo da la experiencia, como en “That Was Then, This Is Now” o “Morning, Noon And Night”. Finalmente, si bien el disco no cierra de la manera más poderosa posible con “Shedding My Velvet”, sí deja abierto el desarrollo de este relato en la previa a “Entering Heaven Alive”, el segundo lanzamiento solista que el guitarrista presentará este año y que permitirá de alguna forma tener un panorama completo de lo que quiso hacer con dos discos que serán opuestos en ciertos aspectos, pero indudablemente complementarios en su esencia principal.

A pesar de sus elementos convencionales, como la distorsionada guitarra o canciones que en su estructura se mantienen en los cánones del rock, sin duda que la disposición y desarrollo de los elementos que Jack White ofrece en su música lo hace recaer en un sector de nicho, dividido entre viudos de The White Stripes y simplemente quienes se sintieron atraídos en la manera tan experimental y didáctica en que el músico intenta renovar el sonido de sus riffs. Puede que “Fear Of The Dawn” sea mucho más accesible que su disco anterior, e incluso puede que se trate de la entrada más enérgica en todo su catálogo en solitario, pero indudablemente que se nota no sólo cómo ha mejorado su mano a la hora de tratar la composición y producción de sus canciones, sino que también cómo se ha visto influenciado externamente en nutrir su sonido con apoyo de distintas colaboraciones. Pese a su concepción, prácticamente enclaustrado en una habitación durante la pandemia, este es el álbum con mayor apertura de miras en lo que el músico es capaz de hacer, así como también en su rol como uno de los principales compositores para el rock post 2000. Esa escena en la que alguna vez se le catalogó de salvador es la que White está revitalizando con un disco aventurado y novedoso, como no se le oía hace más de una década.


Artista: Jack White

Disco: Fear Of The Dawn

Duración: 39:54

Año: 2022

Sello: Third Man Records


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Zeal & Ardor – “Zeal & Ardor”

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Zeal & Ardor

La banda suiza Zeal & Ardor nació en 2013 como un proyecto solista del músico suizo-estadounidense Manuel Gagneux, pero no fue hasta 2017 que se consagró como un grupo propiamente tal. El proyecto comenzó a partir de un ejercicio creativo en el que Gagneux pedía a usuarios de un foro online dos géneros musicales para combinarlos en una composición que realizaría en sólo media hora. Le sugirieron mezclar black metal con “música de negros” y, en el álbum homónimo lanzado este año (el tercero de la banda), esa fusión sigue igual de vigente. Además, aquella identidad dual es sazonada con pequeños vistazos a otros estilos, generando combinaciones inesperadas y resultados sonoros frescos.

En “Zeal & Ardor” la banda es también coherente con su pasado en los aspectos líricos, ya que las letras del álbum continúan con lo propuesto en “Devil Is Fine” (2016) y “Stranger Fruit” (2018), relatando una historia alterna en la que los esclavos estadounidenses no se hubieran convertido al cristianismo, sino que habrían volteado hacia el satanismo. Esto permite contextualizar de mejor manera títulos como “Death To The Holy” o “Church Burns”, y es precisamente esta orientación anti-religiosa, junto con la técnica vocal (de gritos agudos), lo que permite a Gagneux enlazarse con la historia del black metal, aun cuando su proyecto no es demasiado dogmático en relación con la música, ya que recoge gestos característicos del djent (“Death To The Holy”) e incluso del nu metal (“I Caught You”). El otro pilar del disco, la música de raíz africana, se manifiesta a través del canto soul, los coros de influencia gospel y el énfasis en los ritmos sincopados.

En términos globales, el álbum refleja una notable mejora en su producción comparado con los discos anteriores, con un timbre moderno, tanto de guitarras como baterías, y profundidad en los arreglos de voces y sintetizadores, alcanzando un sonido que llena el espectro, es decir, sonando pesado, pero con una buena dosis de agudos. En relación con su estructura, la primera canción, “Zeal & Ardor”, funciona como una sinopsis, exponiendo el contraste entre las distintas voces que usará Gagneux, y la postrera “A-H-I-L (All Hope Is Lost)” cumple el rol de outro al ser una pista instrumental de timbres electrónicos, que no tiene mayor relación con el resto del disco. Pese a ello, durante sus 43 minutos de duración, el álbum transita por varios niveles de energía sin establecer ningún patrón particular, lo que permite oír las canciones de manera desordenada sin perderse de mucho.

Por lo anterior, sin un concepto o un título que unifique el contenido del disco, la cohesión recae en la característica sonoridad derivada del cruce del metal y el soul.  Desde un punto de vista compositivo, el desafío de congeniar dos géneros tan distintos es resuelto a través de dos caminos: la yuxtaposición (o contraste directo entre los dos géneros) y la síntesis. Como ejemplos de la primera, encontramos a “Feed The Machine” y “Hold Your Head Low”, donde se recurre a un violento contraste entre los dos mundos sonoros sin que estos se integren con posterioridad. En el caso de la síntesis, “Erase” y “Run” son algunas de las piezas más logradas, ya que consiguen superponer los elementos característicos de cada género de manera efectiva. Por otro lado, hay otras canciones que no se quedan en la dualidad ya mencionada, entre las que destaca “J.M.B. (Jazz Metal Blues)”, que incorpora acordes extendidos característicos del jazz, pero cuyo ritmo y energía la asemejan más al math-rock, o “Emersion” donde se revelan influencias del post-rock.

Pese a ser considerada una banda avant-garde, la propuesta de Zeal & Ardor en este álbum es bastante accesible, e incluso llega a transitar por sonoridades casi publicitarias, gracias a la mezcla de melodías sin letra y ritmos basados en bombo y aplausos. De todos modos, la banda logra situarse dentro del linaje del black metal, encontrando un interesante punto de equilibrio entre novedad y familiaridad. No obstante, cuando prefieren la yuxtaposición de “momentos soul” y “momentos metal” por sobre la síntesis de ambos géneros, las canciones bordean el pastiche, generando a veces un efecto cómico por lo brutal del contraste, que parece ser indeseado, debido a la seriedad con que se comprometen en materia lírica. De todas formas, la impresión global que deja el álbum es positiva y demuestra coherencia con las placas anteriores de la banda.


Zeal & ArdorArtista: Zeal & Ardor

Disco: Zeal & Ardor

Duración: 43:57

Año: 2022

Sello: MVKA


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